Drama Música Cine Arte Fotografía

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20 oct. 2017

LOVING VINCENT. Un film de Dorota Kobiela y Hugh Welchman




*El primer film sobre la vida y la misteriosa muerte de Vincent Van Gogh*

GANADOR
Premio del Público y Mejor Animación
Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy
Festival Internacional de Cine de Shangai
Ganador como Mejor Film Animado


Una película con Saoirse Ronan 
(Nominada al Oscar dos veces por Atonement y Brooklyn, tres veces nominada a los Golden Globes y dos veces a los BAFTA)

Un film de Dorota Kobiela y Hugh Welchman



"Un trabajo extraordinario hecho con pasión que hace que la experiencia visual sea algo sin igual". David Ehrlich (IndieWire) 

"Nunca ha habido una película que habló con el corazón de un artista como Vincent van Gogh. La animación y la pintura de bellas artes se unen en este amoroso homenaje a la obra y la vida de un maestro". Shanghai Film Festival

"Una verdadera obra de arte animada. Es fácil amar a 'Loving Vincent', una película absolutamente impresionante que no sólo hace justicia al arte de Van Gogh, sino también al arte de las películas. Nunca he visto en la pantalla nada como esto. Una película extraordinaria. Un candidato a un Oscar". Pete Hammond (Deadline Hollywood)



SINOPSIS

Primer largometraje compuesto por pinturas animadas, "Loving Vincent" es un film que homenajea el trabajo de uno de los grandes maestros de las artes plásticas, Vincent Van Gogh. Cada fotograma es un cuadro pintado a mano sobre óleo - tal y como el propio Vincent lo hubiera hecho – al que se le ha dado movimiento. Participaron una gran cantidad de excelentes pintores a lo largo de varios años, todos inspirándose en el estilo y arte magistral de Van Gogh. El resultado es una impresionante cinta de animación que repasa la carrera del pintor con delicadeza y originalidad, y que llevó cinco años de trabajo. 


FICHA TÉCNICA

Dirección: Dorota Kobiela, Hugh Welchman 
Guión: Jacek Dehnel, Dorota Kobiela, Hugh Welchman
Música: Clint Mansell
Dirección de Fotografía: Tristan Oliver, Lukasz Zal
Edición: Dorota Kobiela, Justyna Wierszynska
Diseño de Producción: Matthew Button
Dirección de Arte: Daniela Faggio 
Diseño de Vestuario: Dorota Roqueplo
Productores Ejecutivos: Claudia Bluemhuber, Ian Hutchinson, Edward Noeltner, David Parfitt, Gerd Schepers, Charlotte Ubben, Laurie Ubben
Producción: Sean M. Bobbitt, Ivan Mactaggart, Hugh Welchman
Compañías productoras:
Odra Film, Centrum Technologii Audiowizualnych, BreakThru Productions, Silver Reel, Trademark Films
Género: Biopic
País: Reino Unido

Calificación: SAM 13 años
Duración: 94 minutos.

Distribuye: Impacto Cine


ELENCO:

Saoirse Ronan como Marguerite Gachet
Aidan Turner: Hombre del bote
Helen McCrory: Louise Chevalier
Eleanor Tomlinson: Adeline Ravoux
Douglas Booth: Armand Roulin
Chris O'Dowd: Cartero Roulin
Jerome Flynn: Dr. Gachet
Holly Earl: La Mousmé
John Sessions: Pere Tanguy
James Greene: Anciano
Robert Gulaczyk: Vincent Van Gogh




MÁS SOBRE LA PELÍCULA

“Loving Vincent”, además de presentarnos la faceta más íntima del pintor holandés Vincent van Gogh, indaga sobre su misteriosa muerte, basándose en 800 cartas escritas por él y enviadas a amigos y parientes, que reflejan su turbulenta vida llena de rechazos, desamores y penurias económicas. Co-dirigida por la pintora Dorota Kobiela y el director Hugh Welchman, la película contó con una realización y producción únicas en el mundo. Sus primeras escenas fueron filmadas en un estudio con actores reales, y luego colocadas en los cuadros más famosos de Van Gogh.
El arte de la película y su animación han sido realizadas por más de 100 artistas que pusieron su granito de arena pintando a mano 120 obras icónicas para crear una realidad expresionista jamás vista. Estos pintores de todo el mundo asistieron a cursos intensivos para aprender a utilizar la aplicación Painting Animation Work Station y llegaron a los estudios de Danzica y Wroclaw en Polonia donde por 5 años pintaron cuidadosamente, óleo sobre tela, cada uno de los 62.450 fotogramas que componen la pieza, adaptando las obras de Van Gogh.
La película cuenta con las voces de Aidan Turner, Saoirse Ronan, Eleanor Tomlinson, Helen McCrory, Chris O'Dowd y Douglas Booth y su banda sonora está compuesta por Clint Mansell, responsable de la música de películas como 'Requiem por un sueño' ('Requiem for a Dream', de Darren Aronofsky, 2000) o 'El Cisne Negro' ('Black Swan', también de Aronofsky, 2010).
La ambientación de cada escena también se inspiran en las obras más famosas de Van Gogh. Y así toma vida El dormitorio en Arlés (1888), La noche estrellada (1989) y Campo de trigo con cuervos (1890), para citar algunos ejemplos. 
En 1990 el director Akira Kurosawa dirigió Yume (Sueños), una película que se divide en ocho segmentos correspondientes a ocho sueños del propio director. La película cuenta la vida de Kurosawa y algunos episodios que representan varias épocas de la misma, desde la infancia hasta la muerte. El episodio número cinco, titulado “Cuervos”, es una verdadera declaración de amor a Vincent van Gogh, al que Kurosawa consideraba el más japonés entre los pintores occidentales.




SOBRE LOS DIRECTORES

Dorota Kobiela se graduó de la Academia de Finas Artes de Varsovia y fue nombrada como Embajadora de la Cultura dentro de su escuela por sus logros en pintura y gráfica por cuatro años consecutivos.
A través de sus compañeros, descubrió la animación y el cine, disciplinas que inmediatamente quiso aprender en la Facultad de Dirección de la Escuela de Cine de Varsovia. 
Kobiela dirigió el corto “The Hart in Hand” (2006) y cinco cortos animados en 2004, 2005 y 2011. El último de ellos titulado en inglés como “Little Postman” fue el primer film en el mundo en contar con Pintura Animada Estereoscópica y ganó el premio como Mejor Cortometraje Estereoscópico en el Festival de Cine 3D de Los Ángeles, el Stereo Media 3D de Bélgica; y el de Cine 3D y Música de Barcelona. “Loving Vincent” es su ópera prima. 

Hugh Welchman es conocido por su trabajo en “Slipp Jimmy fri” (2006), “Pedro y el lobo” (2006) y “La vie en rose” (2007).
Se graduó de la Escuela Nacional de Cine y Televisión. Su película de fin de curso ganó el premio Cinefoundation del Festival de Cannes. 

Es Fundador y CEO de BreakThru Films (productora de “Loving Vincent”) con más de cuatro años de experiencia como productor. Además, recientemente inauguró la empresa Small Screen Entertainment Ltd., que produce series animadas para teléfonos móviles.

LA QUIMICA DIARIA, de MARIANO SABA. Con dirección de FRANCISCO PRIM. En Teatro Nün.



Nueva Comedia de Mariano Saba, con dirección de Francisco Prim // Intérpretes: Pablo Mónaco (Vladimir); Fermin Varangot (Facu); Santiago Fondevila (Luca) Tomás Mejía (Jhony); Flor Chmelik Martinec (Karina) y Francisco Andrade (Cristian) // En el Teatro Nün, Juan Ramírez de Velazco 419 // Funciones: Sábados, 16.30 hs. (ULTIMAS CUATRO / HASTA EL 4 DE NOVIEMBRE) // Entrada $ 200.-



“El tiempo es la distancia más larga entre dos lugares”

Tennessee Williams



Nueva comedia que propone, con picardía y frescura, reflexionar sobre la dimensión filosófica del tiempo. La química diaria surgió con el deseo de indagar la temática de los mundos paralelos poniendo el foco en aquellas decisiones que determinan la existencia; ese conflicto siempre universal respecto de los momentos vitalmente determinantes, con un texto que cruza el humor con la metafísica y la ciencia ficción, junto a diversas hipótesis científicas, disimiles entre sí, de pensadores tales como Einstein, Schrödinger o Hawking.



Sinopsis // Verano. Sur patagónico. Tres amigos, Johnny, Luca y Facu, acampan cerca de un lago. A las puertas de la vida adulta, el trío sopesa sus días ya vividos, sus decisiones. Johnny, porta un casete donde en la remota pubertad supieron grabar sueños para el futuro. El único dispositivo para escuchar la cinta llega de la mano de Vladimir, dueño del camping, quien les presta un walkman de curiosa procedencia. El tiempo pasa. De pronto, Facu se ve sacudido por la sorpresiva presencia de Karina, un amor imposible de colegio. A partir de allí, intentará modificar su pasado y para tal fin grabará nuevos deseos sobre los ya registrados en la cinta. Pero el tiempo no sabe nada de nosotros, y juega sus dados multiplicándose con una ironía precisa e inexacta a la vez.



Dijo La Prensa: “A veces, algunos espectáculos logran esa milagrosa combinación entre simplicidad y profundidad. Y aquí se da este caso. Un texto de gran solidez, actores jóvenes que se brindan con mucha solvencia y entusiasmo, junto con una eficaz dirección de Francisco Prim. Imperdible”, Estela Castronuovo (Integrantes del Jurado Premios Trinidad Guevara) // “El gran acierto del espectáculo es su sencillez. Es eso lo que emociona. El espectador se ve inmerso en un viaje hacia los confines de su propia interioridad”, Yamila Martínez Pandiani (Anred) // "Todos los integrantes del elenco, bajo la dirección de Francisco Prim, realizan un trabajo actoral magnífico, con un texto donde se tejen prolijamente todos los hilos con mucha gracia y humor. Con un final tan tierno como inesperado. Una comedia deliciosa" Sandra Paul (Teatro y Otras Yerbas) // "Una historia simple, muy bien escrita por Mariano Saba. Certera dirección de Francisco Prim que contó con los aliados perfectos. Espectáculo honesto que divierte y emociona, nada poco”, Martín Urbaneja (Actor) // “Francisco Prim, recrea y potencia, alcanzando los objetivos planteados por el texto con creces. Los actores viven y se entregan a las escenas”, Fernando González Oubiña (Arte en Baires) // "Una obra sólida, arraigada en el género fantástico. Con un ritmo ágil, invita al espectador a participar del desafío, siempre gratificante, de imaginar otras realidades posibles.", Luciano Alonso (Spectavi) // "Una comedia con un texto chispeante y muy buenas actuaciones. Excelente la dirección de Francisco Prim y el libro de Mariano Saba", María Buscaglia (NGN Teatro) // “El clima de camadería y de nostalgia no sería transmitido al espectador de manera cómica y cálida, sin el brillante trabajo actoral”, Jesica Guarrina (Spectavi) // “Muy buenas actuaciones. El trabajo del director Francisco Prim enfocado en la dinámica grupal, muestra las relaciones de tres amigos con gran naturalidad”, María Inés Senabre (Espectáculos a la mod)





Ficha Técnica: Escenografía: José Escobar; Puesta de Luces: Ricardo Sica; Vestuario: Lara Gaudini; Ilustración y Diseño: Lucía Buchar; Asesoramiento en Ruso: Daryna Butryk; Asistente de Dirección: Julieta De Moura

19 oct. 2017

CICLO OCTUBRE ROJO 3. Cine mudo soviético + Música en vivo en el Conti

Viernes 20 y sábado 21 / 21 HS


3. CINE MUDO SOVIÉTICO + MÚSICA EN VIVO

La Revolución de Octubre permeó todas las artes, incluyendo al cine. Durante la década de 1920 varios jóvenes directores, inspirados en las ideas revolucionarias, avanzaron en la teoría y la práctica de lo que todavía era una incipiente forma de arte, realizando una contribución incalculable al arte cinematográfico: los directores soviéticos estaban interesados en la experimentación y la innovación, inspirados por la construcción de una nueva sociedad alentada por los bolcheviques. Estaban comprometidos con la idea del cine como el medio de expresión estético por excelencia de esta nueva sociedad.
Esta era del cine soviético llegó a su fin a comienzos de la década de 1930, debido a la irrupción del sonido y al creciente control y reglamentación del Partido Comunista. Pero Einsenstein y Vertov mostraron al mundo una magnífica conciencia de las posibilidades del cine.

Viernes 20

La huelga [Stachka]

(Sergei Eisenstein, Unión Soviética 1925, 82’)
Musicaliza: Fernando Kabusacki
Uno de los temas más populares entre los primeros directores soviéticos fue, lógicamente, la Revolución, es decir, la lucha revolucionaria en Rusia y en el extranjero: este fue el caso de Sergei Eisenstein, el más reconocido de esta generación de realizadores debido a los desarrollos audiovisuales que introdujo. La principal preocupación de Eisenstein fue el análisis e interpretación de la historia del movimiento revolucionario en Rusia. Así, La huelga es la primera película de una trilogía que realizó durante los años veinte y que culminaba con un film sobre la Revolución de Octubre. Como indica su título, La Huelga representa el levantamiento de los obreros de una fábrica durante la época zarista frente a las condiciones de trabajo a las que se encuentran sometidos. Siendo una representación de la opresión en Rusia, la película funciona como un mito de la emancipación de los trabajadores, una experiencia estética magníficamente elaborada y editada sobre los albores de la revolución.
Dirección: Sergei Eisenstein / Guión: Sergei M. Eisenstein, Valerian Pletnev, Ilya Kravchunovsky, Grigori Aleksandrov / Fotografía: Eduard Tissé / Dirección de arte: Vasiliy Rakhals / Montaje: Sergei Eisenstein / Intérpretes: Maksim Shtraukh, Grigori Alexandrov, Mikhail Gomorov, Ivan Klyukvin, Aleksandr Antonov, Yudif Glizer, Anatoliy Kuznetsov, Vera Yanukova, Boris Yurtsev / Productora: Proletkult Production, Goskino.

Sábado 21

El hombre de la cámara [Chelovek s kino-apparatom]

(Dziga Vertov, Unión Soviética 1929, 67’)
Musicaliza: El Desamble
Otras películas de esta época retrataron el nuevo mundo creado por la Revolución: tal fue el caso de Dziga Vertov. La cámara o el cinematógrafo, escribió Vertov a lo largo de los años veinte, es como un ojo de alta velocidad: el ojo de la cámara es análogo a una mirada mejorada capaz de capturarlo todo. Vertov lo llamaba el “cine ojo”. En El hombre de la cámara, estrenada en 1929, Vertov utiliza el cine ojo para retratar la nueva sociedad socialista. Tres personajes principales interactúan en este film: la ciudad, las máquinas y los trabajadores. El paisaje urbano, la producción industrial, y los hombres y las mujeres de la clase trabajadora desfilan ante el espectador en una procesión secular de imágenes, enseñándonos el nacimiento de nueva sociedad donde el ritmo del trabajo ha eliminado las clases sociales.
Dirección: Dziga Vertov / Guión: Dziga Vertov / Fotografía: Mikhail Kaufman / Montaje: Yelizaveta Svilova / Productora: VUFKU.

ENTRADA GRATUITA SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

Las entradas se retiran con una hora de anticipación (2 por persona). No se reservan


Av. Del Libertador 8151 - C1429BNB
Ciudad de Buenos Aires, Argentina

Espacio Memoria y Derechos Humanos (Ex ESMA)
Entrada gratuita

(+54 11) 4702 - 7777 / ccmhconti@jus.gob.ar

18 oct. 2017

Lisis, las afinidades electivas y la amistad entre mujeres. (Sobre "El futuro que viene" de Constanza Novick)

Una vez me peleé con Cande, éramos chicas, ella vivía en el piso de arriba de mi edificio. Ella se iba de vacaciones a Villa Gesell al día siguiente, yo me quedaba padeciendo el verano en Once. No recuerdo por qué peleamos, pero yo estaba en su casa y me ofendí y bajé a la mía. Al rato de estar sola en casa con mi mamá, explicándole mi versión de la pelea, por abajo de la puerta de madera de casa, vi deslizarse un sobre. El sobre decía "Para Tini". Cande me había escrito una carta enojada diciendo que no quería pelear pero bla bla bla, ya no recuerdo. La carta me enfureció, y le escribí otra que en el sobre decía "Cande". Corrí al quinto piso a llevarla y me fui de vuelta a la cocina con mi mamá a leerle un cuento que a ella le encantaba que se llamaba "Soy un oso grande y hermoso". Al rato, otra carta, esta vez estaba dirigida a "Tintina" mi apodo sin apócope. El tono era menos amigable que la anterior. Contesté inmediatamente más enojada y en el sobre puse "Candelaria". Después siguió otra carta dirigida a "Lucía" (mi verdadero nombre), "María Candelaria", "Claudia Lucía", "María Candelaria Pibernat", "Claudia Lucía Luna" y así sucesivamente hasta que ya no quedaron más apellidos para agregar y mi mamá me pidió que le contara otra vez mi versión de la pelea, que finalmente ya no recordaba. Teníamos 8 y 10 años como mucho. Nos amigamos esa misma noche antes de que se fuera de vacaciones. Seguramente bailamos alguna coreografía de Roxette, que era algo que solíamos hacer, y jugamos ring raje en la tristeza de un edificio de departamentos de Once.  Ambas fuimos hijas únicas mucho (demasiado) tiempo, y vivir en un edificio dificultaba la socialización con compañeros de colegio y menos de barrio, de hecho, ni había barrio. Vivíamos casi juntas, no había escapatoria. Hubieron muchas peleas más, algunas más fuertes que otras, algunas parecían graves, otras no tanto pero dolieron igual. Pero  pasaba un día y lo pasional de nuestra relación, esa relación amor odio, siguió su camino hasta el día de hoy. Nos peleábamos y nos olvidábamos. Mucho tiempo después Cande tuvo a Vera, que hoy es mi amiga tanto o a veces más que Cande, y que también es hija única y me recuerda a mi en ocasiones.
Nunca tuvimos gustos parecidos en nada, y nuestras conductas en general también son bastante diferentes. Pero nuestra relación en algún punto fue tan simbiótica que era necesario que hiciéramos distancia en algún espacio. Cuando Cande escuchaba cumbia y bailaba en el Fantástico, yo me volví una ostra hardcore que  no hacía más que estudiar.
 "El futuro que viene" cuenta la relación de amistad entre Florencia (Pilar Gamboa) y Romina (Dolores Fonzi), que vive múltiples momentos de tensión pero que siempre vuelve al mismo lugar desde donde inició. La mirada femenina sobre la amistad está puesta en la intimidad y en la sutileza de los vaivenes de la relación, que, en realidad, no son tales. La amistad está ilustrada como una fuerza natural  parecida a una montaña, que queda inmutable a pesar de nuestras inestabilidades personales. Romina y Florencia crecen alternando los ambientes entre una familia y la otra para finalmente conformar una relación que atraviesa las familias, las madres, los eventuales hombres y los que quedan para siempre también, los hijos, los trabajos. Los hombres acompañan en la historia pero al margen de un  espacio que es íntimamente femenino y sólido. Como a Cande y a mi, el tiempo no destruye sino que acomoda aquello que resulta sobrevivir, y lo acompaña para hacer crecer la afinidades, por más improbables que parezcan.
 Las amistad es un sentimiento tan complejo de explicar, que hasta Platón en su diálogo Lisis, desiste de la posibilidad de darle un sentido, aun más complicado que el amor. La paradoja de la sonrisa final de Romina al escuchar los llamados de Florencia dan cuenta de esta dificultad y de cómo  algunas cosas uno no sabe cómo , pero siguen estando en el lugar en donde tienen que estar.

Lucía Luna





Título original: El futuro que viene
Director: Constanza Novick
Actores: Dolores Fonzi, Valeria Lois, Pilar Gamboa y Esteban Bigliardi
País de origen: Argentina
Clasificación:
Fecha de estreno: 12/10/2017
Distribuidora: Buena Vista

Josu Okiñena. Xuxurlak. Concierto de Piano


Ágnes Heller invitada de honor. BIENALSUR en París. La UNTREF presente en el DocBuenosAires

Ágnes Heller en la Argentina

La filósofa húngara dará dos conferencias gratuitas y será reconocida con el título de Doctora Honoris Causa


A través de la Licenciatura en Historia, la UNTREF presenta a Ágnes Heller, discípula y ayudante de György Lukács y considerada la figura de mayor relieve dentro del grupo de pensadores conocidos como la Escuela de Budapest. 
La reconocida filósofa ofrecerá dos conferencias gratuitas sobre la teoría de Lukács, la relación entre el progreso y los derechos humanos y antisemitismo, el día 18 en la Sede de Posgrados de la UNTREF, en Viamonte y San Martín y el 19 de octubre a las 18:00 horas en la Sede Rectorado Centro ubicada en Juncal 1319.
Además de las conferencias: “Lo que queda de Lukács”, “Progreso y derechos humanos” y “Judeofobia, antijudaísmo y antisemitismo”; el lunes 23 a las 18:30 horas Heller recibirá el Doctorado Honoris Causa con la presentación de Anibal Jozami y la laudatio a cargo de Tomás Abraham. Durante la ceremonia Heller dará su cuarta conferencia gratuita titulada "Cosmopolitanismo como filosofía, refugio y destino".
Sobre Ágnes Heller
Filósofa y pensadora marxista nacida en 1929 en Hungría, además de trabajar su teoría desde el pensamiento político y social, se centra en la filosofía hegeliana, la ética, y el existencialismo.  De su amplia obra se destacan sus aportes al estudio de la vida cotidiana y a los engranajes entre la cotidianeidad y la sedimentación histórica. Heller analiza los apalancamientos en la vida cotidiana que sobredimensionan lo cotidiano sobre lo no cotidiano, lo individual sobre la formación social como instancia transformadora.  Entre sus principales obras se encuentran El hombre del Renacimiento (1963), Hipótesis para una teoría marxista de los valores (1974), Teorías de las necesidades en Marx (1978), Una filosofía de la historia en fragmentos (1999) y La sociología de la vida cotidiana (2002). Ha sido reconocida con numerosos doctorados Honoris Causa en universidades de todo el mundo. Es una gran intelectual del siglo pasado cuya influencia llega hasta nuestros días.
Cronograma de actividades:
Miércoles 18 de octubre - 18:00 hs.
Sede Centro Cultural Borges, 2º piso, Auditorio
Viamonte 525 - CABA
Judeofobia, antijudaísmo y antisemitismo
Jueves 19 de octubre - 18:00 hs.
Sede Rectorado Centro
Juncal 1319 - CABA
Otorgamiento del Doctorado Honoris Causa
Presentación: Aníbal Jozami
Laudatio: Tomás Abraham
Conferencia: Cosmopolitanismo como filosofía, refugio y destino
Lunes 23 de octubre - 19:00 hs.
Sede Rectorado Centro
Juncal 1319 - CABA
Actividades no aranceladas
Con reserva de lugar: eventos@untref.edu.ar

16 oct. 2017

MÓVIL, de Sergi Belbel con dirección de Jorge Azurmendi en Maipo Kabaret.

Ph: Nacho Lunadei

MÓVIL

una comedia teléfonica digitalde Sergi BelbelAdaptación y dirección: Jorge Azurmendi



Móvil aborda la temática de la soledad y la incomunicación entre los seres humanos. Su texto está magistralmente estructurado como una sucesión de monólogos, en los que los personajes desahogan sus miserias. Narra la historia de dos mujeres, Sara y Claudia, y de sus hijos, Jan y Rosa. Cuatro personas que se comunican casi exclusivamente a través de sus teléfonos celulares de última generación y cuyas vidas se entrecruzan en un aeropuerto donde acaba de producirse un atentado terrorista que transformará sus vidas.


Elenco: Ana María Castel, Cristina Dramisino, Heidi Fauth y Hernán Muñoa


Escenografía y vestuario: Micaela Sleigh
Asistencia escenografía: Agustina Fernandez Poblet
Iluminación: Magdalena Ripa Alsina

Asesoramiento coreográfico: Mecha Fernández
Música original y diseño sonoro: Rony Keselman
Proyecciones: Lucio Bazzalo
Diseño gráfico: Lean Anapolsky
Fotografía: Nacho Lunadei
Fotos de escena: Russarabian
Prensa y difusión: Carolina Alfonso
Autor: Sergi Belbel
Asistente de dirección y producción ejecutiva: Jennifer Aguirre
Adaptación y dirección: Jorge Azurmendi


La obra cuenta con el auspicio del Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA) 

Días de función: martes 20.30 hs.
Duración: 70 minutos


Maipo Kabaret
Esmeralda 443, Capital Federal, Buenos Aires, Argentina
www.maipo.com.ar
Boletería (lunes a lunes de 10 a 20 hs.)
Localidades: $ 200, $ 300 y $ 400 
PROMO: 2X $ 300
Entradas por Plateanet 5236-3000 https://www.plateanet.com/
Tarjetas Visa y descuentos del 25% a socios Club Personal


Síntesis argumental
Móvil- el nombre de la obra, es la manera de llamar a un teléfono celular, en muchas partes del mundo. Nos gustó dejarle ese título para el estreno en Argentina, porque apela a la pulsión que domina a quien, en la historia, usa el celular para producir un ataque a un aeropuerto. Dos mujeres, de dos mundos bien contrapuestos, llegan a ese aeropuerto, acompañadas por su hijo y su hija respectivamente. La demora en la partida de los vuelos da lugar a conversaciones y mensajes entre ellos. Hilarantes, en sus reproches y sus reclamos y conmovedoras en sus intensas confesiones, los cuatro van develando sus verdades y mezquindades. Tras la conmoción del ataque, el contacto con la muerte, el haber sobrevivido, la inminencia de lo irreparable, cambia para siempre la vida de estos cuatro seres. Nada será igual para ellos. Han cambiado para siempre. Y sus mensajes, sus audios, sus reacciones inesperadas y hasta un encuentro sexual insospechado dan cuenta de ello. Una comedia profunda que descarna la actualidad a través del uso de celulares, aunque con móviles muy diferentes.


Antecedentes del proyecto
En noviembre pasado, con parte de este elenco y bajo dirección de Jorge Azurmendi, se presentó la hermosa y tan vigente Móvil en el teatro Cervantes de nuestra Ciudad, dentro del marco del ciclo de Lecturas Dramatizadas que auspicia anualmente el Centro Cultural Español, Embajada de España, para difusión de dramaturgos contemporáneos españoles.
Lo cierto es que dicha presentación, tuvo muy buena repercusión en el público. Eso, unido a la calidad del texto y la preciosa banda sonora que compuso Rony Keselman, sirvió de aliento para organizar una cooperativa y producir y gestionar lo necesario para ponerla en escena y estrenarla en Buenos Aires.


Sergi Belbel
El público de Buenos Aires conoce a Sergi Belbel por obras como Caricias,Elsa Schneider y Después de la lluvia, entre otras. Este autor, director y traductor teatral., nació en Barcelona en 1963. Licenciado en Filologia, Romántica y Francesa por la Universidad Autónoma de Barcelona en 1986. Miembro fundador del Aula de Teatre de la UniversitatAutonoma de Barcelona y profesor de Dramaturgia en el Institut del Teatre de Barcelona, desde 1988. Dirigió obras de autores clásicos y contemporáneos, como Shakespeare, Calderón, Moliere, Goldoni, Beckett, Koltés, Mamet y De Filippo. Tiene unas veinte obras teatrales escritas, entre las que se destacan: Calidoscopios,Después de la lluvia, Elsa Schneider,Talem y La sangre. Ha obtenido entre otros galardones el Premio Marqués de Bradomín en 1985 y el Premio Nacional Ignasi Iglesias en 1987. A partir de ese momento Belbel, paso a convertirse en uno de los valores jóvenes más firmes de España. En 2005 fue nombrado Director del Teatro Nacional de Catalunya que mantiene hasta el presente. 

Cristina Banegas en EVA PERÓN EN LA HOGUERA en El Excéntrico de la 18°



Ph: Nora Lezano


EVA PERÓN EN LA HOGUERA




La obra unipersonal, dirigida e interpretada por la consagrada actriz argentina Cristina Banegas, está basada en un poema homónimo de 1972 de Leónidas Lamborghini, en homenaje a la memoria de Eva Duarte.

“Cuando en 1994, en el auditorio de la Librería Gandhi estrenamos Eva Perón en la hoguera, con dirección de la gran Iris Scaccheri sabíamos que ese fantasma sobre el fondo del menemismo, era un fantasma furioso. Ver nuestra patria arrasada sostuvo esa furia. Fue una temporada exitosa, con mucho público, excelentes críticas y premios.

Como decía Nicolás Casullo en nuestro programa de mano de 1994: “(…) Eva Perón nos expone que en la historia, la única memoria que importa y late es la que remite a los fracasos de los justos, de las víctimas; al silencio y al fragmento de aquel decir y sus imágenes.”

"Casi 20 años después, el extraordinario poema de Lamborghini vuelve a incitarnos, esta vez sobre fondo de una realidad política sin precedentes en nuestro país. Aquella fue una versión absolutamente furiosa y con un gran despliegue corporal. Ahora, la palabra de Eva vuelve desde la historia a resignificarse, a recordarnos su poder y reivindicar la transgresión".

“Es un trabajo sesgado sobre un discurso roto y eso lo hace muy complejo a la hora de ser representado sobre un escenario. Es un desafío y un verdadero placer interpretar este texto”.

Cristina Banegas



Actúa y dirige: Cristina Banegas

Autor: Leónidas Lamborghini

Asistente de producción y dirección: Matías Macri

Producción: Valentina Fernández De Rosa

Diseño de iluminación: Verónica Alcoba

Duración: 50 minutos.

DOMINGOS DE SEPTIEMBRE Y OCTUBRE: 20 HS. 



EL EXCENTRICO DE LA 18°


Lerma 420, Villa Crespo

47726092 / 47751438

Entradas: $ 250 y 2 x $ 400

Reservas por Alternativa Teatral

Los Bohemios de Brenda Costa. En Teatro La Gloria.


Una familia de clase media argentina luego de la debacle del 2001.

Lo peor ha pasado pero en los vínculos quedan vestigios de aquel estallido.


Silvia recibe en su casa a su hija, madre primeriza. El living se transforma en el escenario en el que se ensaya una nueva convivencia, atravesada por el desgaste de una crisis política y social. El primer año de Marcos y los gestos bizarros e inevitables que produce cada familia a su modo.

Una obra sobre la modificación de las relaciones familiares que retrata cómo repercuten los factores de una coyuntura adversa en un nivel más pequeño e íntimo. 



Funciones

Jueves a las 21 hs.

Teatro La Gloria, Yatay 890

Entradas $180 (desc. a estudiantes y jubilados)

Reservas por Alternativa Teatral


Ficha técnica

Actúan: Bárbara Landgraf, Marina Hapko, Nicolás Fernández Garello, Paula Celeri

Asistencia de dirección: Martín Miró

Propuesta escenográfica: Cristina Nigro

Realización escenográfica: Bárbara Landgraf, Brenda Costa

Iluminación: Leandro Crocco

Vestuario: Bárbara Landgraf, Brenda Costa

Diseño sonoro: Martín Miró

Diseño gráfico: Jorge Pruneda

Fotografía: Martín Miró

Prensa: Carolina Reznik

Producción: Los bohemios

Dramaturgia y dirección: Brenda Costa



Esta obra fue realizada con auspicio de BAAL y colaboración de Leonardo L.M.



Brenda Costa

Es egresada de la carrera Lic. en Actuación de la UNA. Actualmente, como actriz forma parte del Laboratorio de creación escénica, que dirige Ricardo Bartis para el Teatro Nacional Cervantes. Entre sus maestros de Actuación y Dirección se encuentran: Julio Chávez, Eugenio Soto, Ricardo Bartis, Pompeyo Audivert, José Cáceres, Eleonora Mónaco, entre otros. Estudió Dramaturgia con Mauricio Kartun, Ignacio Apolo y Ariel Barchilón. Actuó en obras de Marcelo Subiotto, Sergio Boris, Julieta Abriola, Mónica Maffía y dirección propia. Desde 2011 escribió y/o dirigió: “Living Room (A decir verdad no es necesario tanto). Sala Escalada. 2011. “Los Breves”. Dramaturga y directora.“Delia o la noche de las flores”.“La Cena”. “El viaje de amor de Cyril”. “Clara y el falso sobrino de Oldrich Lipsky”. “Los Bohemios”. A estrenarse en La Gloria, Septiembre 2017.​

Bárbara Landgraf

Se graduó en el Conservatorio privado de Arte Dramático "Roberto Arlt". Entre sus maestros se encuentran Lito Cruz, Elena Tritek, Hugo Urquijo, Ferrán Audi, Guillermo Catalán, Ana Strasberg. Actualmente, forma parte del grupo de Entrenamiento Actoral que coordina Julio Chávez, en su estudio. Actuó en obras dirigidas por Adrián Canale, Santiago Calvo y Jorge Guzmán.

Paula Celeri

Egresó de la Escuela Nacional de Arte Dramático (UNA). Se formó con Lito Cruz, Guillermo Angelelli, Rita Cortese, Cristina Banegas. Actualmente, es parte del grupo de Entrenamiento actoral que coordina Julio Chávez. Actuó bajo la dirección de David Di napoli, Carlos Canosa, Escobar y Lerchundi, Guillermo Flores, Alfredo Alcón, Guillermo Angelelli y Cristina Banegas.

Marina Hopkins

Es actriz y bailarina. Se formó con Héctor Bidonde y actualmente forma parte del grupo de Entrenamiento Actoral que dirige Julio Chávez. Actuó en "NOS", de Dan Trugman.

Nicolás Fernández Garello

Estudió Tecnicatura en Actuación en la E.M.A.D. Actuó en las obras: “El organito”, “El lugar”, “Team Building”, “Música invisible”, “Antígona”, “La sabiduría del imbécil” y “Clara y el falso sobrino de Oldrich Lipsky”. Entre sus maestros se encuentran: Eugenio Soto, Mirta Bogdasarian, Antonio Célico, Ricardo Bartís, Diego Cassavat.

Cine por artistas en el DOCBuenosAires. Curado por Eduardo Stupía



17° Muestra Internacional de Cine Documental Del 12 al 18 de octubre 2017CINE POR ARTISTASCurado por Eduardo Stupía







En esta edición del DOCBuenosAires tenemos una sección especialmente curada por Eduardo Stupía.
En su carácter de verdadero foro de exhibición, análisis y debate del campo del cine y la experiencia documental, DocBuenosAires propone alternativamente una mayor apertura de campo para abarcar la producción de cineastas que operan como artistas visuales, y artistas visuales que ensayan conceptualmente formatos cinematográficos. Ese movimiento aporta a la nomenclatura misma del documental un matiz diferente e imprevisible, donde lo que se documenta no son solamente los aspectos, conflictos y avatares del mundo sino los fenómenos y tensiones de los lenguajes. En ese sentido, la programación de este año combina la mirada socializada, territorial, con la bizarrería y lo arbitrario, la introspección política con el funambulismo farsesco, el retrato individual con la imaginería colectiva, oficios y rituales con experimentos del signo y la imagen. Todo instalado en una constelación prismática que intenta reflejar con la mayor fidelidad posible un territorio que escapa a cualquier intento de clasificación. En busca de un nuevo tipo de espectador esta sección desplegará su atractivo en un espacio también poco convencional.
Curaduria: Eduardo Stupía

PROGRAMA COMPLETO

Viernes 13 de octubre – 19hs.
Duración neta del programa 54,62
Cortos de Leticia Obeid
Dobles 10’
Los sonidos de atrás 6’
Media-Mediums 12´
Jano 2’25’’
Fantasma 4’ 40’’
Jano & Marcel 1’ 45’’
Álbum de Miguel Baratta 18’ 52’’


Lunes 16 de octubre – 19hs.
Duración total estimada: 80´. 
Cortos de Julian D´ Angiolillo
Condominio 2003. DV 12’30’’. Video Monocanal.
Dirección de paseos. 2009. DV 20´. Registro de video-instalación de 4 canales.
Suite Matanzas. 2009. DV 15´. Video monocanal.
Afuera, Peregrino Inmobiliario. 2010. HDV 9´. Video monocanal.
Antropolis Memorabilia 2013. HD 14´
El arte os hara libres de Daniel Santoro 10’

Martes 17 de octubre, 19hs.
Duración neta del programa: 90’
HACERME FERIANTE de Julian D’Angiolillo
2010. HD 90´. Largometraje documental.

Miércoles 18 de octubre, 19hs.
Medios y cortos de Dani Umpi
Duración neta del programa 41,56
MELO - "Interiormente" TOUR 1/4 18’ 35’’
TACUAREMBÓ - "Interiormente" TOUR 2/4 12’ 21’’
RIVERA - "Interiormente" TOUR 3/4 5’ 58’’
ARTIGAS - "Interiormente" TOUR 4/4 5’ 42’’ 


Sede: MACBA: Av. San Juan 328, entrada libre.

Programación completa: http://docbsas.com.ar/programacion-17a-muestra-internacional-doc-buenos-aires/

TODO LO QUE NADIE VE, de Javier Rodríguez Cano. En Vera Vera Teatro.

ph: Gustavo Maggi


TODO LO QUE NADIE VE


De Javier Rodríguez Cano



“Todo lo que nadie ve, vos lo ves, cada nervio que sufre, lo sanás” dice la canción, y parece reducir, con sencillez, el vínculo primordial entre un hijo y su madre.

Sin embargo, lo sabemos, las relaciones no son tan sencillas como las canciones.



Actúan: Julian Fuentes, Lourdes Invierno

Diseño de luces: Christian Gadea

Realización de escenografia: Federico Falasco

Realización de objetos: Lorena Pavesi

Fotografía: Gustavo Maggi

Diseño gráfico: Mariana Rovito

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Producción general: Carola Parra

Dirección de arte: Gustavo Maggi

Dramaturgia y dirección: Javier Rodríguez Cano



Funciones: viernes 21 hs.

Duración: 50 minutos



VERA VERA TEATRO

Vera 108, C.A.B.A.

Teléfonos: 4854-3655

Web: http://www.veraverateatro.blogspot.com

Entradas: $ 200 y $ 180 (estudiantes y jubilados) Promo:2x $ 300

http://www.alternativateatral.com/obra53875-todo-lo-que-nadie-ve




Sinopsis argumental:

Una madre y su hijo acaban de sufrir la muerte del padre de la familia.

En algún momento el hijo aprendió que el dolor se paga con la enfermedad y la enfermedad con el aislamiento y desde entonces mantiene a su madre alejada de la realidad. Él cree que eso es lo mejor para ella. Ella, en cambio, pugna, sin fuerzas pero con insistencia, por salir.

La acción transcurre en el dormitorio que antes fuera del matrimonio: un papel tapiz raído y sucio, objetos que caen por su cuenta, paredes que truenan por dentro y una grieta que da cuenta de un derrumbe inminente. Algo se desmorona.




Sobre la obra:

La obra está inspirada en el relato de la escritora norteamericana Charlotte Perkins Gilman (1860-1935), El empapelado amarillo, considerado uno de los primeros manifiestos feministas en contra del maltrato hacia la mujer.

Es mi primera obra. Escribí sobre una experiencia personal, sin ser necesariamente una autobiografía; con muchas dudas y con pudor pero con una sola certidumbre: contando este pequeño universo puedo hablar de otros más grandes.

Javier Rodríguez Cano




Javier Rodríguez Cano

Es actor, director y docente.


“Todo lo que nadie ve” es su primera obra escrita.

Desde hace más de 25 años desarrolla su carrera, sobre todo en el campo teatral. Trabajó bajo la dirección de Rubén Szuchmacher, Pablo Messiez, Andrea Garrote, Mariana Chaud, Manuel Iedvabni, Carolina Adamovsky, Guillermo Arengo, Daniel Veronese, Viviana Tellas y Guillermo Cacace, entre otros.

En este momento se encuentra en gira con la obra “Jettatore!”, de Gregorio de Laferrere bajo la dirección de Mariana Chaud y el auspicio del INT.

Desde 2000 dicta clases en espacios públicos y privados y a partir de 2016 dirige la CompañiAtroz, un proyecto de teatro de repertorio surgido de la inquietud de un grupo de ex alumnos.

La prestigiosa pianista brasileña, TALITHA PERES, se presenta en el ND/Teatro.



“Llega a Argentina la concertista brasileña de fama mundial Talitha Peres, de la mano del tenor argentinoMariano Malti. La presentación será el 2 de Noviembre de 2017 en el ND Teatro de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Este espectáculo, para el cual se ha grabado en estudio el clásico“Historia de un amor”, viene desarrollándose en el país carioca desde comienzo de este año con una gran aceptación y repercusión por parte del público. El repertorio de ópera clásica, canciones populares y sumado a los matices de sonidos modernos hacen de este show algo único e irrepetible."

LA CONCERTISTA DE PIANO DE FAMA
MUNDIAL Y EL TENOR ARGENTINO
JUNTOS EN ARGENTINA - 2 DE NOVIEMBRE EN EL ND TEATRO

http://ndteatro.com.ar/es/mariano-malti-y-talitha-peres
https://www.plateanet.com/Obras/mariano-malti-y-talitha-peres



TALITHA PERES:
Pianista brasileira, de Montes Claros-MG), maestra en musicología del Conservatório Brasileiro de Música do Rio de Janeiro- RJ, egresó en técnica y música de la mano de la Profª Marina Lorenzo Fernandez Silva, en Montes Claros, MGerais. Brasil. 

Grabó un CD totalmente dedicado a la obra pianística de Chiquinha Gonzaga (Clásicos e Inéditos de Chiquinha Gonzaga), resultado de su tesis de maestría sobre la compositora.

Como solista se presentó en Koln, Overath y Bonn (Alemania), Londres (Inglaterra), Lisboa y Santarém (Portugal), Caracas y Mérida (Venezuela) divulgando la música brasileña y latinoamericana. En dúo con la soprano Magda Belloti se presentó en Londres (Inglaterra), Lisboa, Aveiro y Arouca (Portugal), con un repertorio dedicado a la música brasileña. Laureada en varios concursos de piano, se presentó como concertista y solista de orquestas en las mejores salas de concierto del país. En la ciudad de São Paulo la comenda "Mérito Cultural Carlos Gomes", concedida por la SBACE, Sociedad Brasileña de Artes, Cultura y Enseñanza. Desarrolló el trabajo de preparadora y acompañante de los montajes operísticos producidos por el CBM, donde también participa de su cuadro de profesores de piano y música de cámara. Como profesora de la Unimontes (Universidad Estadual de Montes Claros-MG), desarrolló la investigación "Compositores de Montes Claros y sus obras: Características culturales y estético-estructurales". En el marco de la Conferencia de las Naciones Unidas sobre el Cambio Climático de la Unión Europea, la Comisión de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Tecnología, de los países. A menudo, con artistas nacionales e internacionales, se presentó con Eiko Matsunaga (Japón), Mieczyslaw Milan (Polonia), Maria Lúcia Godoy (Brasil), Antônio Salgado (Portugal), Licio Bruno (Brasil), Magda Belloti (Brasil), Mariano Malti (Argentina), entre otros. "El piano impecable de Talitha Peres, que vale a veces más que una orquesta refinada". "La aplicación límpida, con dominio del legato y del staccato, de los contrastes tímbricos (pareciendo a veces un cuarteto de cuerdas) y de dinámica, en fin una joya, una gema de alto valor, con finura y técnica de estilo ".

Discografía: Clásicos e Inéditos de Chiquinha Gonzaga, piano solo; La obra de canto de Lorenzo Fernández, con la soprano Maria Lucia Godoy Y en el caso de que no se conozcan. Modinhas Imperiales, con la soprano Maria Lucia Godoy Canciones de Guerra-Peixe y Osvaldo Lacerda, con la soprano María de la Gloria Capanema y el tenor Paulo Barcelos; Paisajes musicales - con la soprano Magda Belloti; Y en el caso de las mujeres,compositores brasileña Nº 2 con la soprano Maria da Gloria y Capanema barítono Fabrizio Claussen

MARIANO MALTI:
Cantante Lírico/Tenor
Nació en Buenos Aires en 1974. Empezó a cantar música en inglés a los 15 años cuando su padre le regala su primera guitarra. Los 21 años se muda a Brasil donde vivió por tres años. Empieza su estudio formal de canto en San Vicente con un cantante lírico y desde allí empieza su preferencia por la música académica. 

En la actualidad estudia en el conservatorio Franz Liszt técnica vocal y se sigue perfeccionando con el maestro alemán Alejandro Sewrjuguin. (Ex teatro Colón)

Ha cantado en varios teatros entre los que se encuentran el Salón Dorado de Unión y Estrella de Lomas, la sociedad italiana de San Vicente, el teatro Empire de Buenos Aires, Teatro municipal de Lomas de Zamora, además de cantar en varios escenarios en Foz do Iguazu en Brasil. Mariano es Tenor Spinto. Su repertorio se pasea por lo melódico pasando por el pop lírico y abarcando arias de ópera como Nessun Dorma de la ópera Turandot de Puccini, E Lucevan le stelle de Tosca, entre otras, así como canzonetas: O sole mio, Torna a Surriento y Caruso. En 2014 ha grabado en Mediamusic de Oscar Mediavilla logrando un trabajo impecable en el rubro pop lírico junto al productor artístico Ezequiel Bauzá. 

Desde sus inicios ha realizado una intensa labor en la Argentina, y países limítrofes, difundiendo el canto lírico.