Drama Música Cine Arte Fotografía

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30 abr. 2010

Carancho de Pablo Trapero. Con Ricardo Darín y Martina Guzman. Estreno en mayo.


El Mural de Héctor Olivera. Con Luis Machín, Carla Peterson, Ana Celentano y Bruno Bichir sobre la obra de David Alfaro Siqueiros


EL MURAL, DIRIGIDA POR HÉCTOR OLIVERA Y PROTAGONIZADA POR LUIS MACHÍN, CARLA PETERSON, ANA CELENTANO, EL MEXICANO BRUNO BICHIR, SERGIO BORIS, JUAN PALOMINO, CAMILO CUELLO VITALE, RODRIGO NOYA Y MÓNICA GALÁN

Distribuida por Aries Cinematográfica Argentina se estrena el 20 de mayo la coproducción argentino-mexicana El MURAL, dirigida por Héctor Olivera, con Javier Olivera como director adjunto. Héctor Olivera, prestigioso realizador y productor, premiado dos veces con el Oso de Plata en el Festival Internacional de Cine de Berlín, por recordadas películas como "La Patagonia rebelde" y "No habrá más penas ni olvido", y director entre otros films también premiados como La nona, La noche de los lápices y su último film Ay Juancito, es productor además de 113 films, algunos de ellos títulos emblemáticos como "Plata dulce", de Fernando Ayala o "Tiempo de revancha", de Adolfo Aristarain.
Intérpretes: Luís Machín en el personaje de Natalio Botana, el poderoso director del diario Crítica; Carla Peterson, como la bella poeta Blanca Luz Brum; Ana Celentano, encarnando a Salvadora Medina Onrubia, la contradictoria esposa de Botana y el actor mexicano Bruno Bichir, en el personaje del muralista David Alfaro Siqueiros autor del mural Ejercicio Plástico; el elenco se completa con Sergio Boris como Pablo Neruda, Mónica Galán como Victoria Ocampo y Luis Campos como el Presidente Agustín P. Justo. En otros roles significativos actúan Juan Palomino como un policía y los jóvenes Camilo Cuello Vitale y Rodrigo Noya como Carlos y Helvio, hijos del matrimonio Botana.
EL MURAL, cuyo libro pertenece al mismo director, con la colaboración de Javier Olivera y de Antonio Armonía (autor mexicano), desarrolla su acción en los años treinta, cuando llega al país David Alfaro Siqueiros. El film relata las distintas circunstancias que llevaron al pintor a realizar el famoso mural en la quinta Los Granados, propiedad de Natalio Botana, con la colaboración de los pintores argentinos Lino Enea Spilimbergo, Antonio Berni y Juan Carlos Castagnino y el escenógrafo uruguayo Enrique Lázaro; más las complicadas y entrecruzadas relaciones entabladas entre los personajes protagónicos de la historia. Con una minuciosa reconstrucción de época, tanto de los decorados como del vestuario, las distintas escenas del film transcurren, entre otras locaciones, en la quinta Los Granados - que fuera propiedad del matrimonio Botana- ambientada en una importantísima estancia de estilo español en Tandil. Así como en el mítico diario Crítica, con su original estilo art decó, fue construido en los Estudios Baires, de Don Torcuato, donde también el muralista Juan Danna reprodujo el mural Ejercicio Plástico.La música del film fue compuesta por el mexicano Eduardo Gamboa, y grabada en Eslovaquia por la Bratislava Symphony Orchestra, con la dirección del maestro David Hernando. La empresa local 3DN tuvo a su cargo los efectos digitales del film, entre los que se incluye el arribo a principios de los años treinta, del Vapor de la Carrera procedente de Montevideo EL MURAL, film coproducido por Fernando Ayala y Héctor Olivera S.A y el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales y "Declarada de Interés del Bicentenario - Presidencia de la Nación." y Alebrije Cine y Video, de México, con Luis Osvaldo Repetto y Mónica Lozano Serrano en la producción ejecutiva y Dolores Bengolea como productora asociada, encabeza el equipo técnico con el laureado director de fotografía Felix Monti, completándose con Emilio Basaldúa (director de arte), Graciela Galán (vestuarista), Jorge Stavropulos (director de sonido), Marcela Sáenz (montajista), Mario Faroni (director de producción), Fabiana Tiscornia (asistente de dirección) y Eugenia Levin (directora de casting).

29 abr. 2010

Entre Ríos


Este viernes 30 la banda ahora liderada por Josefina Mac Loughlin se presenta en la ciudad Cultural Konex con El Dependiente como banda invitada.

Plusvalía de Pablo Spátola.Entrevista en Radio AMERICA con Roberto Camarra, en la presentación de la película en el BAFICI 2010

El director de Plusvalía, Pablo Spátola, el film que revisa la historia del comunismo Argentino, en una charla con Roberto Camarra, en el programa Alta Fidelidad, que conducen musicalmente Facundo Lozano y Lucas Garófalo y produce Agustina Sulleiro, los viernes a las 00.00 horas, en Radio América, AM 1190.

Steve Sechi



El artista Steve Sechi trabaja con sus personajes como si los conociera de toda la vida. Cuenta que primero los crea, charla con ellos acerca de sus luces y sus sombras y luego aparecen en papeles, en tinta, o en acrílicos, pasteles, etc. En esta oportunidad, presenta su muestras Love/Hate muy lejos nuestro, en Canadá, pero si alguien está por lo menos cerca no puede perderse ver estas maravillosas obras tan oscuras como escondidas.

www.stevesechi.com

Raymond Carver/ Lorrie Moore


Mori Ponsowy dará este taller de un mes en el que se leerán, analizarán y comentarán los cuentos más notables de estos dos escritores.
También se analizará la influencia del editor de Carver sobre el estilo característico del autor.
Un paseo por la obra de dos de los cuentistas más reconocidos en la lengua inglesa contemporánea.

Duración: 1 MES

SÁBADOS 8, 15, 22 y 29 de MAYO
16 hs.


Costo: $ 150.-



María Lightowler y Daniela de Sarasqueta / Gallery Nights


Dentro de la nueva edición de las Gallery Night, este viernes 30 de Abril inauguran sus muestras las artistas de la Central de Proyectos María Lightowler con "Intangible" en el Hotel Bel Air (Arenales 1462) y Daniela de Sarasqueta con "Soy el alimento del mundo" en Cosecha Prendas Vintage (Quintana 48)

28 abr. 2010

Cine, Dioses y Billetes, un film de Lucas Brunetto


Cine, Dioses y Billetes reseña el surgimiento, apogeo y posterior desaparición de las salas de cine de barrio que había en el cordón industrial de la Ciudad de Buenos Aires.
El documental destaca la centralidad que tuvieron los cines de la zona y el impacto que produjo sobre la comunidad su paulatina desaparición y posterior conversión en templos destinados al culto religioso o bingos.
Para realizar este recorrido histórico convoca a un grupo de personas que, por su labor, durante décadas hicieron posible el funcionamiento de las salas: proyectoristas, acomodadores, carameleros y combinadotes, que devienen los verdaderos protagonistas de la película.
Serán Damiano Berlingieri, josé Olguín, Pedro Strelec, Oscar Usi y Noelio Corneli los que, a través del relato de sus vivencias, nos permitan sumergirnos en una crónica íntimamente ligada al afecto y la memoria.

Ficha Técnica
Guión y Dirección LUCAS BRUNETTO
Asistente de Dirección SOLEDAD SAN JULIÁN
Producción Ejecutiva MAURICIO CARMONA
Dirección De Fotografía FABIO BASTÍAS
Dirección de Producción CAROLINA RUY
Jefe de Producción ROBERTO LEONARDO
Asistente de Producción MARIANA CECCHINI
Dirección de Sonido MARTÍN PONCE
Música NAHUEL BAILO
Montaje DIEGO RAMIREZ
Entrevistas MARCELO LAZARTE
Gráfica LUCÍA PONCE
Administración PAULA LUGEA
Investigación LUCAS BRUNETTO, MELCHOR ARMESTO, SOLEDAD SAN JULIÁN

Género : Documental
Duración: 78 minutos
Formato: 35 mm / Color
Producción: Cábala Films / URKOfilms
Con el apoyo del Instituto Nacional de Artes Audiovisuales (INCAA)
Año: 2010

Anexo de producción
Los protagonistas:
Damiano Berlingieri tiene 66 años. Es de origen italiano y llegó a la Argentina a mediados de la década del 50. Desde su arribo comenzó a trabajar como operador en el Cine Maipú, uno de los cines más importantes que hubo en Avellaneda. Actualmente continúa proyectando películas en la sala de Vicente Vigo y hasta hace apenas unos años atrás seguía desempeñando su oficio en un moderno multicine instalado en un Shopping.

José Olguín tiene 79 años, vive con su familia en Lanús y actualmente se encuentra jubilado. Durante más de 30 años se desempeñó como operador en muchos de los cines del conurbano y fue el último proyectorista del imponente cine San Martín de Avellaneda. Dentro de su actividad llegó a ser representante gremial y un referente de los trabajadores del cine en la zona sur.

Pedro Strelec tiene 88 años, es descendiente de polacos, tiene el pelo cubierto de canas y los ojos claros. Toda su vida trabajó como acomodador del viejo cine Colonial en cuya sala conoció a su mujer y compañera de vida. Hoy en día Pedro esta jubilado y vive con su familiar en una modesta casa ubicada en el barrio de Sarandí.

Oscar Usi vive en Burzaco, tiene 64 años y, si bien hace ya mucho tiempo ha dejado de hacer combinaciones con su moto, desde el año 62 hasta la actualidad trabaja en la distribución de películas.

Nelio Corneli tiene 79 años, vive en Avellaneda y era un asiduo espectador de las salas de los cines de su barrio.

IRON MAN: ESTRENO MUNDIAL EN SIMULTANEO











Gwyneth Paltrow
Mickey Rourke
Scarlett Johansson
y
Robert Downey Jr

Estudio sobre el masoquismo. Leopold Von Sacher-Masoch en el teatro EL BRIO







ESTRENO 2010
DOMINGO 9 DE MAYO
DOMINGOS A LAS 20 HS.

El legado de Caín
Estudio sobre el masoquismo. Segunda parte.



El legado de Caín imagina a las tres amantes más sobresalientes de Leopold Von Sacher-Masoch en un encuentro que nunca existió pero que propone una salida al calvario masoquista al confrontarlo con la sexualidad: el placer en el dolor nos economiza el deseo sexual, el erotismo en la vida y por ende nos priva de la libertad y la sanidad en el ser.


Fanny Von Pistor: Nayla Pose
Hulda Meister: Anabella Bacigalupo
Aurora Rumelin: Marcela Mella
Leopoldo: Rainer Wolcken (voz)

Puesta de animación: Magalí Cibrian Tapia
Ilustración: Mariano Sigal
Música original: Eitan Abelson, Bruno Canossa y Patricio Noe Crom.
Voz: Candela Cibrian Tapia
Asistencia técnica y de dirección: Alejandra Endler y Agustina Soler

Texto y dirección: Claudio Quinteros

Realización general: Equipo Teatral EL BRIO
Duración: 60 minutos.

Sobre Leopold Von Sacher-Masoch

Nace en 1836 en Lemberg, Galitzia (Actual Ucrania). Su padre era jefe de policía. Sus abuelos funcionarios del imperio Austrohúngaro. Presenció escenas del movimiento revolucionario de la comuna agrícola en contra de los propietarios y la administración austriaca, escenas de amotinamiento y cárcel. Estudio en las universidades de Praga y Graz. Fue profesor de historia entre 1856 y 1870. Comenzó su carrera literaria y abandonó su cargo de privat dozen de historia general. Su obra literaria la concibió como una serie de ciclos. Uno de ellos comprendía seis temas: el amor sexual, la propiedad, el trabajo/el dinero, el estado, la guerra y la muerte. Quería llamarlo “El legado de Caín”. Sólo pudo cumplir una parte de este proyecto.
Algunas de sus obras más conocidas: “Cuentos Galitzianos”, “Cuentos Judíos”, “Cuentos Húngaros”, “Cuentos Prusianos”, “La Venus de las pieles”, “La mujer divorciada”, “La madre de Dios”, “La pescadora de almas”, “El amor de Platón”, “Don Juan de Kolomea”
En 1886 viaja a París donde es reconcido por su obra por “Le Figaro” y “ La Revue des deux mondes”. Se conocen también sus juegos amorosos en su vida privada: hacerse victima de mujeres vestidas con pieles y látigo en mano, ser cazado por ellas como un animal, ser atado, hacerse infligir castigos, humillaciones, sentir dolores físicos, vestirse de criado, acumular fetiches, disfraces, publicar anuncios, formalizar contratos con la amante de turno y pedirles que se prostituyan con un tercero al que llamaba siempre “El griego”. Manifestó su desagrado por Kraff Ebing (psiquiatra alemán 1840-1902) por llamar a una perversión con su nombre: Masochismo. En 1873 se casa con Aurora Rumelin, su relación más prolongada. Se divorcia en 1886. Aurora escribió “Confesión de mi vida” una de las fuentes de información fundamentales sobre la vida intima de Masoch. Antes durante y después de este matrimonio mantiene incontables amantes: Fanny Von Pistor (Inspiradora de “la Venus de las pieles”), Ana Von Kottowitz (Inspiradora de “La mujer divorciada”), Hulda Meister (Traductora y empleada de Masoch con quien se casa por segunda vez), entre otras.
Luis II de Baviera y Armand (Editor de Masoch ) fueron incluidos como Griegos durante su matrimonio con Aurora.
Masoch muere en 1895 en Lindheim, Alemania.


Sobre el masoquismo y lo femenino.

“La aparición de la tendencia masoquista en la vida instintiva humana plantea, desde el punto de vista económico, un singular enigma. En efecto, si el principio del placer rige los procesos psíquicos de tal manera que el fin inmediato de los mismos es la evitación de displacer y la consecución de placer, el masoquismo ha de resultar verdaderamente incomprensible. El hecho de que el dolor y el displacer puedan dejar de ser una mera señal de alarma y constituir un fin, supone una paralización del principio del placer: el guardián de nuestra vida anímica habría sido narcotizado.”

“Descubrimos fácilmente que el sujeto se transfiere en las fantasías masoquistas a una situación característica de la femineidad: ser castrado, soportar el coito o parir. Por esta razón he calificado a posterior de femenina esta forma de masoquismo, aunque muchos de sus elementos nos orientan hacia la vida infantil” (…) “ La conciencia moral y la moral han nacido por la superación y la desexualización del complejo de Edipo : el masoquismo moral sexualiza de nuevo la moral , reanima el complejo de Edipo. Todo eso no beneficia ni a la moral ni al individuo.”


Sigmund Freud
“Sobre el problema económico del masoquismo”



Sobre Masoch y las tres mujeres

(…) Las tres mujeres distinguidas en Masoch corresponden a las imágenes fundamentalmente de la madre: la madre primitiva, uterina, hetérica, madre de las cloacas y los vergeles. La madre edípica, imagen de la amante aquella que entra en relación con el padre sádico bien como victima o cómplice y entre ambas (El elemento propio del masoquismo) la madre oral, madre de las estepas y gran nodriza, portadora de la muerte”



“¿Qué significa “El legado de Caín”? En primer lugar, pretende resumir la herencia de crímenes y sufrimientos que agobia a la humanidad. Pero la crueldad es tan solo una apariencia sobre un fondo mas secreto: la frialdad de la Naturaleza, la estepa, la imagen helada de la Madre en la que Caín descubre su propio destino. Y el frío de esta madre severa es, en rigor, una suerte de transmutación de la crueldad de la que surgirá el hombre nuevo. Hay, pues, un “signo” de Caín que muestra como se debe utilizar el “legado”. De Caín a Cristo, el mismo signo desemboca en el Hombre en la cruz, “sin amor sexual, sin propiedad, sin patria, sin disputa, sin trabajo, que muere voluntariamente, personificando la idea de la humanidad”. La obra de Masoch condensa los recursos del romanticismo alemán. A nuestro entender, jamás otro escritor aprovechó así las potencialidades del fantasma y del suspenso. Masoch tiene una manera muy particular, a la vez de “desexualizar” el amor y de sexualizar toda la historia de la humanidad.”

Gilles Deleuze
Presentación de Sacher-Masoch
Lo frío y lo cruel
EL BRÍO
Espacio de investigación teatral
*

Guatemala 5092. Reservas: 4771-7005 /4771-7005
Entradas: $ 30 y $ 20 (descuentos a estudiantes y jubilados)

Pesadilla en la calle ELM: Vuelve Freddy Krueger; el que se va sin que lo echen...

No te duermas.

Cursos de Arte de Producciones locales, Mercados de Arte y criterios de Valuación y De Barroco y Romanticismo en MASOTTATORRES ARTE CONTEMPORANEO


24 abr. 2010

Alamar de Pedro González Rubio


Al finalizar este bello film un probable estudiante de cine, pregunta, lacónico y terminante, y riéndose de su ocurrencia, aún las imágenes en los ojos: cúanto costo?
No es suficiente, aún la historia en el aire, otro, probable director en ciernes, tomá el micrófono e insiste; Y el guión?
Antes, la chica de la organización, como si estuviese en un chat cinéfilo de adolescentes, sumergida en el sillón de su casa, no se levanta del escenario y mientras balancea infantilmente sus piernas, grita; qué buena peli fue la película sorpresa, no?

Si aún nos gusta el cine despues de esto, es porque aún hay films como éste, de Pedro González Rubio, que impiden lo que nos haría odiar el cine.
Cine independiente; no por ser dos personas siguiendo a un proyecto por cinco años, o cambiando, esto es el itinerario, sino porque y para llevar la ficción al documental, para traerlo de vuelta y para quedarse con lo luminoso, con la profundidad, con lo que debe hacer un cineasta, como debe hacerlo un fotógrafo, un escritor, o un trabajador: hacerse a la mar.
La mar del registro, de la creación, de la espera, como dice Matraca "sin paciencia no hay pescador".
Nada mejor que este film para despedirnos del BAFICI 2010, un domingo de lluvia.
Ahí está el padre y el aprendizaje del hijo, las cosas perdidas y aquello que se nomina, los nombres de los peces y los pájaros y una botella arrojada al mar; todo; lo que la vida nos quita y nos da, la relación padre-hijo y las costas mayas y un pájaro blanco que viene a comer insectos de las manos.
Aquello de lo que desconfiamos, que ése jóven delgadísimo sea capaz de algo y nuestro propio descubrimiento de su extraordinaria habilidad para pescar y para ser padre, aún ante el dolor del desamor y la pérdida.

Para nosotros, eso es el cine, la voluntad de hablar, de comunicarse, de aprender; la posibilidad de comunicar todos los mundos posibles y descubrir en otros la humanidad y el horror, el tedio y la admiración: gracias por confiarnos sus imágenes, su companía y sus palabras, nos veremos en el futuro.
Gracias por haber leído alguna de estas pequeñas columnas.
Hasta siempre!

Roberto Camarra y la redacción de rayoverde.com.ar

Métropolis de Fritz Lang en Buenos Aires


Qué tienen que ver la desidia nacional con respecto al cuidado del patrimonio audiovisual y Freddy Mercury?


Sólo en las pauperizadas condiciones de protección al material existente podía aparecer un film maldito y perdido para siempre, en la bóveda de un museo que se derrumba.


Qué tienen que ver el soporte de nitrato, el 16 mm y Metrópolis el futurista film de Fritz Lang, cuando un material se vuelve inaccesible y no hay una cinemateca nacional?


Un film de 1927, el más caro del cine mudo y declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, estaba cubierto de polvo en Buenos Aires, sus restos inéditos, a la espera de algún milagro.


De esto trata el film


Metrópolis Refundada de Evangelina Loguercio, Diego Panich, Laura Tusi, Sebastián Yablón


que fuera presentado en el BAFICI por los directores, Fernando Martín Peña y Paula Félix -Didier


y también habla de la Fundación Murnau y de muchos alemanes incrédulos.

Lei Yuan Bin


White Days o Días en Blanco.
Con un aliento a lo Jim Jarmush, en lo caprichoso del moroso blanco y negro y de los tiempos muertos, más cerca de la uruguaya 25 watts de Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll, pero en Singapur, sin la gracia, pero con toda la desesperación, el plano largo y general termina por desembocar en tragedia.
Un film en el que el desencanto y el tiempo discurre, irreversible, en los pliegues de la conversación, hacia una cornisa, en la que el pequeño espacio del cemento no encuentra a Dios. Ausentes de un viaje a Taiwan, de unas flores en el parque, qué es la juventud?; como décadas antes parecía preguntarse Los Jóvenes Viejos ése otro film de jóvenes inmóviles en un original blanco y negro de Rodolfo Kuhn, como este film Lei Yuan Bin.

Roberto Camarra

Subasta de Arte Argentino en Verbo: Emilio Pettorutti, Domingo Candia y Raúl Soldi.


Querida Marta de Irene Sexer con dirección de Paula Etchebehere en Espacio Cultural Pata de Ganso


Marta esta sola.
Imagina el amor, lo busca incansablemente.
Llora.
Pregunta por lo que ya pasó… ¿a dónde va?
Entre fotos, viejas cartas, cajones, flores… el amor se escapa.
No se resigna. Ella intenta ser querida… Querida Marta.

Una obra íntima que emociona y hace reír, desde su universo sutil, bello y tierno.
Unipersonal que fusiona el teatro, el clown, la música y el movimiento de una manera poética y divertida.


Actuación: Irene Sexer/ Música: Lautaro Cottet/ Diseño de Escenografía y vestuario: Azul Borenstein/ Realización de escenografía y vestuario: Cecilia Axt/ Iluminación: Gonzalo Berdes/ Accesorios: Perfectos Dragones/ Dibujo: Verónica Hachmann/ Fotos: Marcelo Rosental/ Diseño Gráfico: Romina Juejati / Asistente: Carlos Agüero / Producción: MP & asociados / Idea original: Irene Sexer/ Dirección: Paula Etchebehere


A partir del 8 de mayo
Funciones: sábados a las 21 hs. en mayo.
Viernes a las 23 en junio.

Espacio Cultural Pata de Ganso
Pasaje Zelaya 3122. Abasto.


Reservas: 4862-0209.
Entrada: $ 25 y $ 20 (descuentos a estudiantes y jubilados)
Duración: 50 minutos.





Esta obra participó de la X Edición del Festival Internacional Otoño Azul, en la ciudad de Azul, provincia de Buenos Aires, de 12 al 14 de junio de 2009. Allí se presentó Querida Marta a sala llena con más de 500 personas y recibió los premios a Mejor Actuación Premio Otoño Azul, Mejor Actuación Premio del Público, Mejor Dirección Premio Otoño Azul, Mejo Espectáculo Premio Otoño Azul y la nominación a la Mejor Iluminación. El jurado estaba compuesto por Rita Terranova, Victor Winer, Martín Wolf y Carlos Rodríguez (Uruguay).
Asimismo, fue seleccionada para participar del ciclo Unipersonales en la Marechal, realizado en el Teatro Municipal de Santa Fe, durante julio de 2009.
En octubre de 2009 también participaron del Encuentro de Teatro en Olavaria y durante noviembre y diciembre llevaron el espectáculo a Rosario y al Festival de Teatro Iberoamericano en Mar del Plata.



Dicen Paula e Irene sobre la puesta: “Un personaje en escena. Un escenario despojado; lucecitas de navidad en el piso delimitando el espacio suyo del real. Un pequeño banco, un mueblecito transportable, una guirnalda de fotos antiguas. Son los elementos móviles que acompañarán a Marta en su recorrido por la vida. El tiempo quedó suspendido, podría ser hoy, ayer o siempre. Pero Marta cumple años justo éste día, sola, aunque acudan “sus amigas de oficina” que penden en fotos como decorado de su fiesta. Juega sola, baila sola, se canta su propio Happy Birthday, sopla y come la torta que tenía guardada en un cajón. De ésta forma comienza el viaje de ilusiones que nos enfrentará al amor no correspondido, a la búsqueda de la felicidad, al intento de encontrar un trabajo, hasta el enfrentar su propia muerte, su propia despedida hacia un porvenir al que todos nos gustaría ir. Con la interpretación de Irene Sexer nos propusimos mostrar un abanico interpretativo, que lleva al público a reír en los momentos clownescos, disfrutar de una bella canción que nos canta y conmueve, llorar con los silencios de profunda actuación. La escenografía cuidada especialmente desde una propuesta estética, en la que conviven belleza y simplicidad, dan un universo mágico y sutil, que junto a la música y el diseño lumínico acompañan la obra.”


Irene Sexer y Paula Etchebehere trabajan juntas en la docencia, en las áreas de teatro y danza, desde 2002. Irene, como actriz y clown hace más de 10 años, realizando distintas obras bajo la dirección de Marcelo Katz y Alejandro Catalán en salas como el Teatro Nacional Cervantes, el Centro Cultural de la Cooperación, el Centro Cultural San Martín, Fundación Konex, Vaca Profana y El Portón de Sánchez, entre otros espacios.
Paula como intérprete y directora hace más de 15 años, realizando funciones en distintos teatros de la capital y participando, entre otros, en ciclos coproducidos por la Embajada de Francia y el Centro Cultural Ricardo Rojas.
Después de pensar diferentes ideas para poner en marcha juntas, deciden encarar este proyecto, recibiendo el estímulo del coreógrafo escocés Angus Balbernie quien supervisó el trabajo en su período de gestación, dando su aprobación artística y generando un impulso vital al encuentro y al material.
A partir del clown que Irene había construido en estos años llamado Marta, comienzan a pensar un recorrido por la vida de este personaje. Deciden abordar los temas de la soledad, la muerte y la búsqueda de la felicidad. Buscan combinar el clown, la actuación, el movimiento, la música y la escenografía de una manera sutil, lúdica y poética.
Realizaron cuatro funciones cerradas de Querida Marta durante noviembre de 2008, para ajustarla con el público. En abril de 2009 la estrenan para el público.


Angus Balbernie se dedica a enseñar dirección y composición internacionalmente. Ha creado y dirigido más de 60 obras performáticas en Europa, Estados Unidos, Canadá, América del Sur y Corea del Sur.

Cine con Vecinos: Taller con el apoyo de la Gerencia de Acción Federal del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA).



CINE CON VECINOS
TALLER INTENSIVO DE CINE CON VECINOS EN LOS ESPACIOS INCAA DEL PAÍS

Vecinos de Tapalqué filmaron tres cortometrajes entre la mañana y la tarde y los estrenaron a la noche, ante familiares y amigos, en la sala del espacio INCAA KM 292 - Tapalqué.

La experiencia cinematográfica comunitaria se repetirá durante los próximos meses en otros once Espacios INCAA del país con el apoyo de la Gerencia de Acción Federal del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA). El taller fue coordinado por los cineastas Julio Midú y Fabio Junco (graduados en la ENERC); creadores e impulsores desde hace más de una década de este movimiento y organizadores del "Festival Nacional de Cine con Vecinos".

Los cortometrajes realizados a lo largo de esta experiencia, doce ciudades durante seis meses, permitirán producir 36 historias únicas de ficción con identidad propia.

Los talleres seguirán su recorrido por distintas provincias del país. Los días 29 y 30 de abril visitarán el Espacio INCAA KM 555 - Villa María (Córdoba), continuando en el mes de mayo en los Espacios INCAA de las ciudades entrerrianas de Villa Elisa y Paraná.

Contacto directo con Julio Midú y Fabio Junco saladillocine@gmail.com

World fussion music and Ethnic Food en BUDA BAR











BUDA BAR
Palermo Soho
presenta





World Fussion Music
and Ethnic Food





Buda Bar es un mítico y místico restaurante que nace en Francia, pioneros en la fusión de músicas del mundo con la electrónica y que editó 20 cds. de este género con artistas de todo el mundo.
Hoy Buda Bar de Palermo Soho inaugura un ciclo de World Fussion Music con artistas locales, con la producción general de Sergio Saidel, director de Procesos Evolutivos.
El ciclo se realizara cada 15 días.

Sábado 24 de abril 22 hs.: CAROLINA CHREM presenta Trance Ancestral
Sábado 8 de mayo 22 hs.: URIEL KITAY Y BALKAN SPICE
Sábado 22 de mayo 22hs.: CAROLINA CHREM presenta Trance Ancestral
Sábado 5 de junio hs.: TSUNAMI Electro Hindú
Trance Ancestral
Carolina Chrem, la vocalista y compositora de World Music cuya voz recorrió el mundo protagonizando el Disco Buddha Sounds I, Chill In India I (Warner 2002) galardonado con el disco de Oro en España, presenta en Buenos Aires su nuevo proyecto Trance Ancestral.

Lo autóctono y lo urbano, lo orien­tal y occidental, lo ancestral y lo contemporáneo, el cielo y la tierra se reúnen en el proyecto Trance Ancestral, propues­ta de World Fussion Music o Fusión de la Música del Mundo.

Trance Ancestral es un viaje por distintos estados, texturas y sensaciones a tra­vés de la riqueza rítmica-melódica y el carácter devocional de los poderosos ragas y mantras de la India y la mú­sica tribal del mundo, volcados en composiciones propias envueltas en una moderna sonoridad.

Chrem, compartirá la presentación con Ariel Casas, en tabla; Julia Proserpio, en violín; Diego González -el bajista de Dancing Mood-, en bajo, y María Vigíl, en voz, armonio y percusión. También subirán a esce­na instrumentos como el didgeridoo de Australia y el berimbau brasileño, surbahar (sitar hindú de tono grave) y proyecciones para acompañar pasajes oníricos.

Chrem, en Trance Ancestral propone un viaje a las profundidades del ser, buscando el regreso al origen, a lo sagrado, a lo esencial, acercando al público la profunda vivencia de la música ancestral.

Su música es una caricia para el alma.

Carolina Chrem – Voz
Ariel Casas – Tabla / Percusiones
Julia Proserpio – Violín
Diego González – Bajo eléctrico
María Vigil – Voces, Armonio, percusiones
+ visuales.

ASOCIATE AL CINE CLUB NUCLEO: PROXIMA PROGRAMACION

EL CINE CLUB NÚCLEO CONTINÚA SU TEMPORADA 57 EN EL ESPACIO INCAA Km 0 GAUMONT.
(Con el apoyo del Incaa y de los Espacios Incaa).


Espacio Incaa km 0 - Cine Gaumont.
Martes 27 de abril.
A las 22.30 hs.


Distribution company presenta:
Preestreno:

“Synecdoche, New York –
Todas las vidas, mi vida”
(“Synecdoche, New York”) (EE. UU. - 2009)


Dirigida por Charlie Kaufman.

(Quien quiere ser John Malkovich, Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, Confesiones de una mente peligrosa)
Con Philip Seymour Hoffman, Catherine Keener, Michelle Williams, Dianne Wiest, Emily Watson, Samantha Morton, Hope Davis, Jennifer Jason Leigh, Rebecca Merle, Barbara Haas y Tim Guinee.
Sinopsis: Todas las vidas mi vida es el debut como director del guionista ganador del Oscar, Charlie Kaufman. El director de teatro, Caden Cotard (Philip Seymour Hoffman) está por estrenar una nueva obra en la melancólica ciudad de Schenectady, New York. Su esposa Adele (Catherine Keener), lo abandonó para continuar su carrera artística en Berlín, llevándose con ella a su hija pequeña (Sadie Goldstein). Su terapeuta, Madeleine Gravis (Hope Davis), está dedicada a promocionar su Best Seller en vez de actuar como su psicóloga. Una nueva relación con la seductora Hazel (Samantha Morton) está comenzando a tornarse algo peligrosa. A su vez una misteriosa enfermedad va afectando las funciones de su cuerpo una a una. Perturbado por esta situación decide dejar su hogar y mudarse a New York City, esperando poder formar un elenco que le permita dirigir la obra más honesta y trascendental de su carrera. Mientras su vida profesional está en crecimiento, su vida personal continúa complicándose. En algún lugar de Berlín, su hija está siendo criada por Maria (Jennifer Jason Leigh), una amiga de Adela, a quien Caden considera una mala influencia. Esta obsesiva relación con su ex esposa e hija están llevando a la ruina su nuevo matrimonio con Claire (Michelle Williams). Los conflictos entre Sammy (Tom Noonan) y Tammy (Emily Watson), los actores elegidos para su obra “Caden y hazle”, le empiezan a traer dificultades en su verdadera relación con Hazel. Esta conexión en las historias hace muy difícil la separación entre la obra y la vida real de Caden. El tiempo va pasando y Caden está día a día más abocado a su obra maestra, tensionando cada vez más sus relaciones tanto en su vida personal como en el teatro.

Sitio oficial:

http://synecdocheny.com/
Enlace IMDB (Internacional Movie Data Base):
http://www.imdb.com/title/tt0383028/

Para consultar al Cine Club Núcleo

www.cineclubnucleo.com.ar


Para información sobre programación llamar al 4825-4102.

Simón Altkorn en Gachi Prieto Gallery Contemporary Latin America Art




22 abr. 2010

Exhausted


La tercera película del director Kim Gok muestra la relación sadomasoquista entre un hombre y una mujer. Película extrema, no solo desde lo visual (además de escenas que genera mucha impresión y dolor, el film está íntegramente fiulmado en super 8) sino que además tiene unos ruidos que a veces hacen que nos den ganas de taparnos los oídos.

Violenta en todo nivel sensorial, muchas veces en la proyección nos encontraremos preguntándonos cuándo viene la justificación a tanta violencia pero lamentablemente esa pregunta quedará sin reponder. Lo nuevo del cine coreano viene inspirado en lo más rudo de kim- ki-duk pero sin su poética, ni visual ni filosófica.

Lucía Luna

Sex Volunteer


En esta ópera prima del director coreano Kyeong-duk Cho lo más interesante parece ser la película que se filma adentro del documental.

Una estudiante de cine decide hacer un corto acerca de las "sex volunteers", mujeres que se dedican a tener relaciones sexuales con discapacitados. Estas relaciones pueden ser completas o solo consistir en ayudar al discapacitado a masturbarse o a jugar con elementos sexuales. Yeri, la estudiante de cine, decide contar la historia de Chun- guil, un joven discapacitado que, sabiendo que su muerte es inminente, expresa su deseo de sentir placer sexual antes de morir. Yeri quiere contar la historia desde su experiencia personal como sex volunteer, pero debe enfrentarse con las reprobaciones morales de su madre y de su novio.

Interesante planteo moral, sobretodo teniendo en cuenta de que sólo hay mujeres sex volunteer, (o eso es lo que muestra la película), y que el padrinazgo de el proyecto de voluntariado sexual viene de la iglesia católica.

Lucía Luna

18 abr. 2010

Taller de escritura y análisis de textos con Christián Rodriguez



Primero me presento. Soy traductor, docente y escritor. Traduje google al castellano en el año 2000, además de un libro para editorial Anaya y algunos cuentos. Publiqué artículos en distintos medios gráficos (Página 12, Perfil). Escribo un blog muy conocido desde hace ya diez años: http://www.putoyaparte.com/, que va a ser compilado en un libro en los próximos meses. Como docente, dicté durante 5 años distintos talleres literarios junto a la periodista y escritora Sandra Russo.
¿Cómo funciona el taller? Se trata de un taller de iniciación y exploración del texto breve. Definimos texto breve como dos carillas, una medida periodística. Es un taller de mecánica grupal, pero de recorrido individual. Es decir: cada uno arranca de su propio casillero y se mueve en la dirección que le interesa. Trabajamos ficción (o sea cuento), pero también otros formatos, como la anécdota (¿autobiográfica?), la opinión (o sea, la columna de opinión, o el ensayo) y la crónica. No trabajamos dramaturgia, ni poesía, ni guión.
La mecánica es sencilla: cada tallerista trae un texto propio cada semana (no es obligatorio), junto con copias para repartir a los compañeros. A la semana siguiente, yo doy una devolución, además de lo que quieran agregar los demás participantes. Se trata de una devolución, no de una crítica. Se busca apuntalar, sugerir opciones, y a veces corregir o desmalezar. Como todo buen escritor es también buen lector, leemos y analizamos también textos de autores reconocidos, o textos que hablan sobre la escritura misma. Todo esto en un ambiente distendido, con algo para picar.Si trabajás con escritura dura (institucional, académica o con jerga), este es un buen espacio para ablandar y para incorporar elementos narrativos. Lo mismo si tus amigos dicen que escribís emails buenísimos y querés profundizar un poco más. O quizás querés recuperar el hábito de escribir, que en algún momento abandonaste. O tenés un blog y lo tenés medio empantanado. O hiciste algún otro taller, pero no te funcionó. O porque sí. La mejor manera de saber si el taller es para vos, más allá de cumplir requisitos mínimos de entusiasmo y prosa inteligible, es que pruebes viniendo un mes. Una clase no alcanza, porque un taller literario es un ámbito inicialmente incómodo. Conviene que pruebes un mes, escribas algunos textos, los charlemos, incorpores lo que surge de las devoluciones y veas qué te pasa con la escritura...


Los datos administrativos son:


Horario: martes de 20 a 22.Lugar: Bulnes y Santa Fe (a 50 mts. de estación Bulnes del subte D).Costo: 180 pesos mensuales.Para anotarte, o para cualquier otra consulta, enviame un email a crodriguez@gmail.com
Más información sobre otros talleres que dicto: http://www.putoyaparte.com/talleres/
Más información sobre mí: http://www.putoyaparte.com/about/

Amorar de Eloísa Tarruella con Julio Bambill y Eloísa Tarruella en el teatro El Bardo


“Amorar” es una pieza que aborda una de las temáticas más universales y movilizantes para con el ser humano: el amor.
Una obra que se propone indagar sobre los diferentes puntos de vista desde los cuales se siente, se construye y, finalmente, se rompe una relación de pareja.
“Amorar” cuenta la historia de Ulises y Julia, parte desde su final y, a partir de los diferentes recuerdos que ambos tienen respecto de lo vivido, nos adentramos en este vínculo, tan simple como a la vez complejo. El amor según Ulises, el amor según Julia.

Una exploración sobre los modos de ser del recuerdo, aquella instancia del pasado reconstruida siempre desde un presente, tan subjetiva, como también plena de significados múltiples.

Con una mirada muy particular respecto de la palabra, como hacedora infinita de mundos, sensaciones, puentes y encuentros. Ulises es poeta y Julia una contadora por mandato, con ansias de ser lo que en realidad siempre sonó: escritora. Es a partir del valor poético de la palabra que ellos dos se encontrarán y tejerán su futuro amoroso.

Una pieza que reconstruye una relación de amor a partir del recuerdo y la poesía.


Sinopsis

Julia y Ulises decidieron separarse. Los dos intentarán, desde su propio mundo, reconstruir aquello vivido. El recuerdo será el motor a partir del cual el pasado regresa, pero con un sabor distinto, con el registro propio del presente de cada uno. El día que se conocieron, los olores, las miradas, el encuentro; el día que decidieron convivir, los poemas, el deseo, la palabra como un puente infinito, el día que Julia arma su valija y deja de ser parte del destino de Ulises; el día que ellos decidieron separarse.

“Amorar nace de la inquietud por retratar una historia que habla de uno de los sentimientos más movilizadores: el amor. Lo que particularmente me interesó es indagar el punto de vista de cada uno de los personajes. ¿Por qué dos personas que se amaron, se recuerdan a la distancia de modos diferentes?, ¿cómo guardan cada uno de ellos sus momentos vividos en la memoria?, ¿Por qué un mismo acontecimiento ambos lo reconstruyen de manera distintas?, ¿cómo es el modo de ser del recuerdo?, son algunos de los interrogantes que se plantea esta propuesta”, comenta Eloísa Tarruella.


Avance: http://youtube.com/amorarteatro


Ficha Técnica: Dramaturgia y Dirección: Eloísa Tarruella; Intérpretes: Julio Bambill y Eloísa Tarruella; Voz en off Victoria: Gaia Rosviar; Producción: Andrés “Gato” Martínez Cantó; Asistencia de Dirección: Nahuel Martínez Cantó; Entrenamiento Actoral: Ludmila Rapoport; Diseño de Iluminación: Patricia Battle; Asesora Escenográfica: Mercedes Pérez Sabbi; Diseño de Vestuario: Rosanna Cristaldo; Diseño de Sonido: Luis Corti – Adriano Mantova; Música Original: Juan Matías Tarruella; Coauch de baile: Victoria Acevedo; Fotografía fija: Martín Gerardi – Estudio KPH; Diseño Gráfico: Julio Bambill; Duración: 65 minutos.
Amorar
Deconstrucción de un amor
Una obra escrita y dirigida por Eloísa Tarruella
Funciones: Todos los sábados a las 21 hs.
En el Teatro El Bardo, Cochabamba 743.
Entrada $40.- (Estudiantes y Jubilados $30.-)

Yusa en Café Vinilo con Tonolec, Raly Barrionuevo y Hgo Fattoruso








Viernes 16, 23 y 30 de Abril a las 21 hs - Café Vinilo - Buenos Aires

Ciclo "Descarga con amigos"

YUSA Guitarra - Tres cubano - Bajo - Piano - Voz
Mario Gusso percusión

Invitados:
Viernes 16 Tonolec
Viernes 23 Raly Barrionuevo
Viernes 30 Hugo Fattoruso







YUSA representa la nueva ola de músicos cubanos que condensan la tradición de su país con los sonidos del resto del mundo. En el caso particular de esta multiinstrumentista, compositora e intérprete, hay mixtura de rock, jazz, pop, sonoridad brasileña y honda raíz cubana, como la rumba, la trova y el son.

Yusa vive en La Habana, Cuba, pero recorre el mundo girando por Inglaterra, Francia, Alemania, Italia, Holanda, Brasil y Japón, entre otros. Para este año tiene confirmadas giras por México, Colombia, Brasil y Uruguay, además de su primera presentación en los Estados Unidos y una participación en el Fest Montreal Jazz de Canadá.

Yusa ha grabado tres discos en forma solista: “Yusa” (2002), “Breathe” (2004) y “Haiku” (2008). Estos trabajos fueron editados en Europa, Cuba y Estados Unidos por el sello inglés TUMI Music, en Japón por el sello Omagatoki, y en Sudamérica sólo “Haiku” por MDR Records. También tiene el DVD “Yusa live at Ronnie Scott´s”.

Luego de haber sido nominada a los Premios de la BBC de Londres, participó en 2004 junto a sus dos compañeras de terma, Lila Downs y Susana Baca, de la Gira “Latin American Voices” (Mujeres Latinas), recorriendo once ciudades inglesas.

En el año 2005 fue invitada por BLUE NOTE Japón a realizar un ciclo de shows con su banda en el destacado local de jazz ubicado en Tokyo.

Convocada por el músico brasilero Lenine, Yusa formó parte del Trío Planetario junto al percusionista argentino Ramiro Musotto, con quienes grabó el DVD In Cité en la ciudad de París, material premiado con un Latin Grammi en la terna “Best Brazilian Contemporary Pop Album and Best Song”.

Participó en la clausura de los XV Juegos Panamericanos en Río de Janeiro, Brasil, compartiendo el escenario del estadio Maracaná con Jorge Drexler y Lenine, entre otros grandes artistas.

De agosto a octubre del año pasado Yusa realizó el Haiku Tour, presentándose en diferentes ciudades de Brasil, Argentina, Chile y Uruguay. Entre los shows más destacados de esa gira figuran el Recital Aniversario de la ciudad de La Plata junto a León Gieco y La Bomba de tiempo ante más de 100 mil personas, el Festival de Cantautores de Villa María (Córdoba) y la participación en el BAFIM Buenos Aires, entre otros.

En cuanto al único disco de Yusa que hay en nuestro país -“Haiku”- podemos decir que se trata de un recorrido por diferentes rincones del universo Yusa. Enmarcadas en una propuesta acústica y concentrada en los detalles, cada una de las diez canciones que incluye el álbum es una pequeña pieza de orfebrería donde Yusa no sólo es autora sino que también pone la voz e incluso toca casi todos los instrumentos.

“Haiku” fue producido por Alê Siquiera, brasilero que produjo discos de grandes figuras como los Tribalistas (Antunes, Montes y Brown), Omara Portuondo y Caetano, entre otros.

Más detalles en http://www.yusamusic.com/





Café Vinilo – Gorriti 3780 – Ciudad Autónoma de Bs As
reservas@cafevinilo.com.ar
Localidades desde $35

Eduardo del Burgo y Daniel Tubío en el Centro Cultural Matienzo


Linda Cartridge, fotografías, y Javier Lodeiro, pinturas, en MASOTTATORRES Arte Contemporáneo




Sumergida en el agua, sobrevolándola, o por debajo Linda Cartridge se nos aparece con su ojo mental y tecnológico creando espacios de vitalidad y de sugerencia poéticas. Hace un año y medio que la noruega/argentina se mete con sus modelos en cientos de piletas para vivir una experiencia prenatal, primaria y básica, que presenta hoy hecha fotografías, con la intención de sumergir al espectador en ese caldo femenino germinal que ha logrado crear.
Floating Venus es una muestra de fotografías tomadas durante 2009 y 2010 en Buenos Aires, Montevideo y Oslo que superan ampliamente, por el modo de trabajo de la artista, el género fotográfico.
Utilizando la fotografía analógica hecha con películas de cine como primer material, trabaja posteriormente con intervención manual sobre los negativos y saca foto sobre foto, utilizando cámara sobre cámara, resultando así una obra que parte de la fotografía y termina en otros nuevos géneros tecnológico-manuales.
Su icónica Hasselblad es como un lápiz básico con el cual pone las líneas de posteriores fotos. Con toques artesanales y alguna intervención digital oportuna, llega a la poesía necesaria para decir lo que quiere decir. Ha logrado cambiar el medio de su estar, dejando el aire por el agua básica, llevándonos con fuerza femenina, sutil y sin interrupción, a espacios donde nos parece ya haber estado.



Por otra parte se muestran obras de Javier Lodeiro. Este artista de Buenos Aires residente en la Patagonia trae "Wild Child", con su estilo personalísimo, una especie de paseo por un mundo post-apocalíptico en donde los restos de un naufragio general forman parte de un nuevo comienzo, extraño, pero en el fondo esperanzador. Lodeiro es un pintor melómano, cinéfilo, y un obsesivo lector y poeta, que abreva en climas musicales, fílmicos y literarios para sus creaciones originales. Con un estilo de pintura plana, posee un manejo de paletas adecuadas para que la música se escuche en sus obras y las figuras que la habitan, como en una buena película, nos hagan creer que la realidad no está fuera, sino dentro del cuadro.




FECHA DE INAUGURACIÓN: 22 de abril a las 19.00 hs.
FECHA DE CIERRE: 28 de mayo de 2010
LUGAR: MASOTTATORRES Arte Contemporáneo
DIRECCIÓN: México 459, San Telmo
HORARIOS: Lunes a viernes de 14.00 a 20.00 hs.

El Charles Bronson chileno o Idénticamente igual




Quiénes somos?
A quién nos parecemos?
Quién queremos ser?
Está nuestra vida llena de aventuras maravillosas, como la de un personaje de Hollywood, que encuentra en una playa una moneda y que esa moneda le indica el futuro, un futuro de cine?
La pregunta del film de Carlos Flores del Pino marca un tiempo, el tiempo de la producción del documental, o como el mismo dice: "hacer con las manos", con los recursos mínimos y con muchos años; ahí están las décadas del 70 y la del 80, con sus sueños, con sus películas, con sus programas ómnibus de televisión, (que continuan), ahí está la magia del tiempo en el cine, aquello que fue y hoy es documento histórico, sociológico, antropológico, o, acaso, lo que somos, materia del sueño y de la épica.
Ser un otro, para ser, aparecer en la televisión y que tu vida sea material de cine, que tu vida esté formada por el cine, como Alonso Quijano hace la suya de libros de caballería, aquí el caballero es Charles Bronson, un chileno de nombre gracioso, Fenelón Guajardo López, tal vez boxeador, acaso dibujante, soñador que sueña escenas de golpes y de rescate y dramas e incendios: acaso todo el mundo no quiere aventuras?
Así que la suya es una y en ella ser un otro.
Es el momento en el que somos cine, y la materia de los sueños se convierte en nuestra vida.

Roberto Camarra

PREMIOS COMPETENCIA DERECHOS HUMANOS, CINE DEL FUTURO, OFICIAL DE CORTOMETRAJES, OFICIAL ARGENTINA E INTERNACIONAL Y VOTO DEL PUBLICO


Competencia Derechos Humanos - Mención para Octubre Pilagá, relatos sobre el silencio, de Valeria Mapelman- Mención para Petition, de Zhao Liang- Mención para El Rati Horror Show, de Enrique Piñeyro- Mejor película Cuchillo de palo, de Renate Costa

Cine del Futuro - Mención para Sewer, de Sherad Anthony Sanchez- Mejor Película auspiciado por I.SAT para Morrer como un homem, de João Pedro Rodriguez Competencia Oficial de Cortometrajes- Mención: Los árboles se mueven, Sergio. Sí, Christian. De Christian Nunclares y Sergio Subero - Mejor Cortometraje auspiciado por CIEVYC para Sábado uno, de Ignacio Rogers- Mejor Cortometraje auspiciado por CIEVYC para Mientras paseo en cisne, de Lara Arellano- Mejor Cortometraje auspiciado por Kodak para La mia casa, de Marcelo Scoccia
Selección Oficial Argentina- Distinción Mejor Fotografía auspiciado por Kodak para Las pistas – Lanhoyij- Nmitaxanaxac, de Sebastián Lingiardi- Premio Especial del Jurado auspiciado por Cinecolor y Kodak para Somos nosotros, de Mariano Blanco- Premio Mejor Director auspiciado por Alta Definición Argentina – Metrovisión, La Burbuja Sonido y el Ministerio de Cultura a través del Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y las Ciencias para Iván Fund y Santiago Loza por Los labios -Premio Mejor Película auspiciado por el Ministerio de Cultura a través del Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y las Ciencias y Hoyts para Invernadero, de Gonzalo Castro

Selección Oficial Internacional - Distinción a Mejor Película Argentina auspiciado por Fuji y Che Revolution Post Lo que más quiero, de Delfina Castagnino- Mejor Actor para Dragos Bucur por Police, Adjective- Mejor Actriz para Pilar Gamboa y María Villar por Lo que más quiero- Premio Especial del Jurado para La bocca del lupo, de Pietro Marcello- Mejor Director para Corneliu Poromboiu por Police, Adjective- Mejor Película auspiciado por Z Films y Hoyts para Alamar, de Pedro González-Rubio

Los premios del Voto del Público se darán a conocer en la Ceremonia de Entrega de Premios del 12º BAFICI a realizarse en Samsung Studio a las 20h.

PREMIOS FEISAL, ASOCIACION DE CRONISTAS CINEMATOGRAFICOS ARGENTINOS, PREMIO ADF, PREMIO SIGNIS, PREMIO FRIPRESCI, PREMIO UNICEF




Premiación Oficial del 12º BAFICI, organizado por el Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires


Nos complace anunciar a los ganadores del 12º BAFICI:
· FEISAL-
Mención a El vuelco del Cangrejo, de Oscar Ruíz Navia
- Premio a Los labios, de Santiago Loza e Iván Fund

Premio Asociación Cronistas Cinematográficos Argentinos-
Premio para Los labios, de Santiago Loza e Iván Fund

Premio ADF
- Premio al DIRECTOR DE FOTOGRAFIA: MAURO PINHEIRO JR. por su trabajo en el film Os famosos e os duendes da morte, de Esmir Filho

Premio SIGNIS
- Mención especial: Alamar, de Pedro González-Rubio
- Premio: La Bocca del lupo, de Pietro Marcello

Premio FIPRESCI
- Premio a Lo que más quiero, de Delfina Castagnino

Premio UNICEF
- Mención para la película Alamar, de Pedro González-Rubio- Premio para La Pivellina, de Tizza Covi y Rainer Frimmel

Gyula Kosice en Run for Water, presentado por Objeto a y LAP


15 abr. 2010

Mapas para perderse: obras de Horacio Sánchez Fantino/Reynaldo Syetecase. Coordinación de Paula Mikulan. Centro Cultural Recoleta


Sala C del Centro Cultural Recoleta, junín 1930, hasta el 9 de mayo.

Entrevista con Pablo Spátola


En el marco del BAFICI 2010, este jueves 15 se estrena el film Plusvalía. Antes de su estreno, hablamos con su director, Pablo Spátola. Pasen y vean...
¿Cómo surgió la idea de plusvalía? ¿Se fue modificando durante el proceso de desarrollo?
La idea aparece cuando tratando de hacer un documental sobre Raúl González Tuñón, encuentro en el Comité Central de Partido Comunista una película (abandonada) que muestra el Funeral Cívico a Stalin. A partir de ahí me convenzo de que tenía que hacer algo con esas imágenes.
Después, con la muerte de mi papá, le agrego el punto de vista personal, pero entre un momento y el otro mediaron unos cuatro años.
¿Cuánto tiempo duró la investigación previa al rodaje?
La investigación duró unos cinco años, con parates, pero más o menos eso, y el rodaje unos tres años. Hay que tener en cuenta que en el documental la investigación puede extenderse hasta el último día de rodaje.
¿Cómo organizaste el desarrollo del film? ¿Tenías un proyecto previo de investigación, viajes, entrevistas, o lo fuiste resolviendo intuitivamente sobre la marcha?
Una mezcla de las dos cosas. Me gusta tener todo planificado, hasta el detalle, y estar, al mismo tiempo abierto a lo inesperado. Creo que cuando más preparo algo, más dispuesto a la improvisación estoy.
Sabemos que viajaste a Rusia para este film: ¿con qué te encontraste allá?
Con un país impresionante, por sus dimensiones y por su historia, también me encontré con un país capitalista bastante salvaje, al estilo de los 90` acá.
¿Cómo fue la experiencia de desempeñar varios roles: investigar, producir, dirigir, filmar, montar?
Y actuar. Fue trabajoso, es que soy parte de un grupo, RDI(www.rdidocumental.com.ar), que pensamos que se pueden hacer documentales de esa forma, sin caer en las garras de las productoras, que tienen una visión absolutamente comercial y ahogan lo creativo.

La película habla sobre el partido comunista, la militancia, la historia de tu padre: ¿el relato se construye desde una perspectiva biográfica o el foco está puesto en la historia del partido?
El relato se construye desde la perspectiva personal-íntima, la historia del PC es importante, condiciona lo personal, pero es una segunda linea narrativa.
¿En qué medida este trabajo modificó tu experiencia personal con el partido?
Modificó mucho, me despego en lo afectivo de ellos. Fue un proceso que hice que me alejó del partido y me lo puso en perspectiva. Si bien yo dejé de militar a mis 19 años, en 1989.
Durante la investigación debés haberte encontrado con todo tipo de material y respuestas ¿Qué fue lo que más te sorprendió?
En un principio me sorprendió el funeral cívico a Stalin hecho en Bs As en 1953, después, en Moscú ver los archivos de los argentinos que habían luchado en la guerra civil española.

Bueno, muchas gracias Pablo por la entrevista e invitamos a todos nuestros lectores a ver tu película.
---- Valeria Álvarez.
Fechas y horarios para ver Plusvalía:
Jueves 15 abr | 20.45 hs | Cine Hoyts Abasto
Sábado 17 abr | 14.00 hs | Malba Cine
Ficha técnica del film:
DIRECCIÓN: Pablo Daniel Spátola
GUIÓN: Pablo Daniel Spátola
FOTOGRAFÍA: Daniel Rojas, Máximo Russo
PRODUCCIÓN: Pablo Daniel Spátola
FORMATO: Digibeta
DURACIÓN: 95 minutos
COLOR: color
PAÍS: Argentina
AÑO: 2010
Pablo Spátola estudió cine en el I.D.A.C. (Instituto de Arte Cinematográfico de Avellaneda), donde se recibió de Realizador Cinematográfico especializado en Cine y Video Documental, en 1996. Realizó diversos cursos, entre ellos talleres en la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños, de La Habana, Cuba. Antes de "PLUSVALÍA", dirigió y produjo "DIRECTORES" (2004), serie televisiva documental; realizó la producción ejecutiva, asistencia de dirección y montaje de "LA SAVIA DEL ALGARROBO" (2001), documental sobre la vida y obra de Don Sixto Palavecino, que participó de diversos festivales internacionales y obtuvo el primer premio del Festival de Derechos Humanos de Buenos Aires (2001) y el primer premio del Festival Documental de Bs.As. (2002); además realizó la dirección, producción ejecutiva y el montaje del corto "BAJO LA SUPERFICIE" (1995), que formó parte del Festival UNCIPAR de cortometrajes, selección oficial (1996), del Festival Sueños Cortos, selección oficial (1997), y de la Bienal de Arte Joven (1997). Además, forma parte del grupo independiente RDI. En 2010 participa por primera vez del Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI).

14 abr. 2010

Fredrik Edfeldt

En The Girl, los suecos demuestran que el cine viene del frío.
Luego de la maravillosa Criatura de la Noche, tenemos una obra sensible y única sobre las madres y padres y el atravesar la infancia, a los 9 años, de un verano extraño.
Hoyten Van Hoytema nos lleva por una fotografía que es muy delicada para apreciar en una primera mirada, y que poco a poco nos hace doler el corazón. Una historia con color y luz a lo Veermer, un tiempo de la espera, de los accidentes en el granero, de la maravilla de ver crecer un renacuajo, de sentirse solo/a incomprendida en el mundo, de temer caer al agua, un mundo de los adultos, ebrios y ausentes, en otra dimensión, confundidos; un universo hecho de pequeños actos crueles de las niñas más grandes, mientras uno es una niña de pocos años y siente el abandono en las moscas de verano que revolotean en los desperdicios en la casa.
Un film que es un acto maravilloso: como volar por un cielo azul en un globo gigante y al sentir el viento, cerrar los ojos.

Roberto Camarra

Liao Jie kai


Red Dragonflies
es un film sobre el paso del tiempo y de lo inevitable que ocurre en espacios que se van modificando en los recuerdos. Así, como atrapar un insecto, es tan inasible aquello que sucedió, cuando éramos niños exploradores y el territorio era infinito, lleno de aventuras, de vegetación que atrapaba como una mano, de lodo profundo y de puentes por cruzar. Y entonces Liao Jie Kai nos lleva en su propio tiempo, hecho de luz y de verdes, en dónde ya no seremos niños con mochilas y zapatillas embarradas que han perdido el camino entre los árboles, sino, simplemente adultos que pagarán puntualmente el café, sin ninguna vendedora que nos golpee la puerta del baño, enfurecida, por el lodo en el lavatorio.


Roberto Camarra