Drama Música Cine Arte Fotografía

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30 jun. 2013

Canción de cine. Homenaje a las canciones del cine argentino. Con dirección de Carlo Argento. Piano de Ramiro Pettina y voz de Francisco Pesqueira. En teatro El Búho.

CANCIÓN DE CINE
HOMENAJE A LAS CANCIONES DEL CINE ARGENTINO
1933. 2013

de Carlo Argento, Francisco Pesqueira y Ramiro Pettina

Voz: Francisco Pesqueira
Piano y arreglos musicales: Ramiro Pettina

“Una canción alojada en el alma de la memoria”

Éste es el punto de partida para recrear un sinfín de melodías y homenajear a nuestro cine nacional y sus canciones. Grandes artistas le han puesto letra, música y su voz a melodías que, con sólo iniciar un acorde, nos conectan con aquellas películas repletas de encantadores actores, actrices y realizadores que forjaron e hicieron nuestra historia del cine argentino.
Los honramos con orgullo y con nuestro eterno agradecimiento.

Diseño gráfico: Patricio Azor
Fotos de retratos: Sann Suarez
Diseño de luces: Carlo Argento
Entrenadora vocal: Alejandra Cánepa
Acondicionamiento escenográfico: Soledad Arabito
Operador de sonido y video: Anahí Frías
Operación de luces: Vilo
Supervisión técnica de sonido y video: Jose “Poty” Frías
Prensa: Caro Alfonso

Multimedia: Nikolai Proaño
Producción ejecutiva: Andrea Widerker
Dirección: Carlo Argento

Funciones: Domingos 19hs.
Duración: 85 minutos.

Teatro El Búho
Tacuarí 215. Reservas: 4342-0885.
Entradas: $ 60 y $ 40 (dto. estudiantes y jubilados)
Prensa: Carolina Alfonso – 4802-4607 – 155-662-6006 – caroalfonso@gmail.com

Canción de cine es un homenaje a las canciones que formaron la banda sonora de películas como La historia oficial ("El país de no me acuerdo" de María Elena Walsh), Kamchatka ("Palabras para Julia" de Goytisolo y Paco Ibañez), Otra historia de amor ("Todo sin vos" de Gonzalez Gil, Mahler y Bianchedi), Los pasajeros del jardín ("Cuatro estrofas" de Alejandro Lerner) y a la vez toma las canciones que hicieron únicas las voces de Niní Marshall, Libertad Lamarque, Tita Merello o Lolita Torres, sin olvidar a Trapito de García Ferre, La guerra gaucha de Lucas Demare, Quien quiera oír que oiga de Eduardo Mignona, las inmortales películas del enorme Leonardo Favio, La burrerita de Ypacaraí de Armando Bo o más recientemente Mía de Javier Van Der Couter. Canción de cine es un universo de canciones, tributo, homenaje y un enorme gracias. Es un homenaje a esa vida eterna plasmada en el celuloide de nuestro amado cine argentino.
Carlo Argento, Francisco Pesqueira y Ramiro Pettina

Carlo Argento
Se formó con Rubens Correa, Lorenzo Quinteros, Silvia Vladimivsky y Rubén Szuchmacher, entre otros.
Sus trabajos en teatro como actor: Totoras, dirigida por Paula Etchebehere; El patio de la morocha, dirigida por Claudio Gallardou;Nunca será igual con otro, dirigida por Corina Fiorillo; Los sueños de Shakespeare, dirigida por Rubén Pires; Van Gogh, Daniel Marcove, La Duarte, dirigida por Silvia Vladimivsky; La metamorfosis, dirigida por Vivian Luz; Los indios estaban cabreros, dirigida por Rubén Pires; Emma Zunz, dirigida por Silvia Vladimivsky; Los siete locos, dirigida por Rubens Correa y Javier Margulis y Marat Sade, dirigida por Rubén Pires, entre otros.
Como director: Volvió una noche, en el marco del Plan Federal Cervantes; MamarrachoCarne sola (Premio ACE como Mejor Espectáculo de Humor 2010); Lo frío y lo caliente (Nominado Premios Florencio Sánchez); AguachentaCorrete que chorrea(Nominado como mejor espectáculo de humor Premios ACE 2005); Dignos de lástima (Nominado como mejor espectáculo de humor premio ACE 2004) y Carne de crítica (Nominado mejor espectáculo Café Concert Premios ACE 2002), entre otros.

Francisco Pesqueira
Estudió actuación con Lito Cruz, Agustín Alezzo, Carlos Gandolfo, Daniel Suárez Marzal, Martín Adjemian, David Di Napoli; canto con Gachi Leibovich, Daniel Bonardel y Alejandra Canepa, entre otros.
Sus trabajos en teatro fueron: Nada te turbeMacbethEl patio de la morochaMamarrachoTe doy una canción (Nominado Premio ACE actuación en Café Concert), Carne sola (Premio ACE Mejor Espectáculo de Humor 2010), Treinta díasPepino el 88,Así es la vidaPatriotasA las palabrasLo frío y lo caliente (Nominado Premio Florencio Sánchez actuación en humor), Bodas de SangreRey LearCorrete que ChorreaLos miserablesEl romance del Romeo y la JulietaDignos de lástima(Nominado revelación Premio Trinidad Guevara 2004), Zorba el griegoBajo el agua están las palabrasCarne de crítica(Nominado revelación masculina Premio ACE 2002), Los indios estaban cabrerosJesús de NazarethEl burgués gentil hombreHecho de los apóstolesMadre esperanza (txi), KolbeBoca que vuelaBienvenida a casa, Lucia la magaLos dos hidalgos de Verona y Sentimiento a la carta, entre otros.

Ramiro Pettina
Es compositor, arreglador y pianista egresado del Conservatorio Nacional de Música Carlos López Buchardo (IUNA), donde realizó también estudios de dirección orquestal. Como pianista actuó en numerosas salas del país, tanto como solista, y en distintas agrupaciones de cámara y orquestales. Participó como pianista en espectáculos teatrales como Soñé que soñaba y Te doy una canción. Como compositor ha escrito música para teatro y televisión, y numerosas canciones y obras instrumentales, y ha sido arreglador musical de prestigiosos conjuntos instrumentales y orquestales.

Taller de Video en ESPACIO FUNDACION TELEFONICA


Obra en construcción. Fotografías de María Laura Voskian. En la Sociedad Central de Arquitectos.



MARÍA LAURA VOSKIAN - obra en construcción - fotografías
inaugura miércoles 10 de julio, 19.00 hs. Galeria del restó, Sociedad Central de Arquitectos.
Montevideo 938. CABA
cierra 16 de agosto
(...)
-Pero papá -le dijo Josep, llorando-. Si Dios no existe, ¿quién hizo el mundo?
-Tonto -dijo el obrero, cabizbajo, casi en secreto-. 
Tonto. Al mundo lo hicimos nosotros, los albañiles. 
E. Galeano. "El libro de los abrazos" -El origen del mundo
Cuando cuento "obra en construcción", 
existe una dualidad entre mi presente y mi infancia.
De chica la obra, era también mi salida a pasear, otro lugar de juego.
Hoy estudiante de escenografía, uno los espacios de toda construcción 
y encuentro la obra como mi proyección de escenario.
Retrato al espacio que ocupa a la construcción
y fijo superficies que se pueden descubrir desde un punto de vista determinado, 
entre el trabajo y el nuevo espacio;
renombro los objetos.
Dentro de la obra, encuentro un espectáculo en construcción 
con escenografías escondidas dentro de un lugar sin entrada ni salida.
Construcción y reconstrucción del espacio escénico.
Analogía entre obra y obra.
María Laura Voskian, 2009

ENTRADA LIBRE-

lun a vie de 9.30 a 12.00 / lun mar mie de 15.00 a 20.00 / jue y vie de 15.00 a 18.00

Antes de la Medianoche. Dirigida por Richard Linklater. Con Ethan Hawke y Julie Delpy.



Tres películas que son a la vez, experimento sobre el tiempo y la duración de las relaciones amorosas. Luego de Antes del Amanecer (Before Sunrise, 1995) y Antes del atardecer (Before Sunset, 2004), está en los cines Antes de la medianoche de Richard Linklater.

28 jun. 2013

Antes del anochecer

Al principio, al ver Antes del Anochecer, uno se deja llevar por la extraña sensación de haber sido engañado. Rememorando las dos anteriores películas de la trilogía, uno no se cree esa historia de amor que, hoy por hoy, parecen estar viviendo Jessee y Celine. Atrás quedó la pasión del encuentro furtivo en un tren de Antes del Amanecer, y también la amargura de reencontrarse 10 años después con las vidas a medio fracasar de Antes del Atardecer.  Jessee y Celine son felices en unas vacaciones por el Peloponeso, tienen una bella familia y charlan con  sus amigos sobre la próxima novela de Jessee. Beben buen vino, comen, fuman y  cuentan su historia de amor a terceros. Hablan de Shakespeare, se burlan de las frívolas seguidoras de los escritores y parecen felices.

Caminan, claro, y mantienen largas charlas en esas caminatas (sin duda, el fuerte de la trilogía) y de vez en cuando asoman algunos esbozos de amargura, de que algo no cerró de la manera que querían, pero sin embargo está bien asi. Jessee sufre por la lejanía con su hijo de un matrimonio anterior, por no poder desarrollarse como padre con un hijo que vive a miles de kilómetros de distancia. Y entonces se nos revela que lo que parece un chiste sobre las frívolas seguidoras de los escritores, en realidad es una escena de celos, y que la decisión de ir de viaje al Peloponeso no fue una decisión compartida.

 Sin embargo, no es una película descreída del amor, por el contrario, es bastante realista de la manera en que el paso del tiempo, de manera casi desesperante, estruja al amor logrando sacar lo mejor pero en dosis pequeñas. Algo de esto ya fue tratado en dos obras maestras de las películas de amor respecto del tiempo como son Viaggio in Italia (Rosselini, 1954) en donde vemos a la desesperada Ingrid Bergman recorrer los carnavales de Italia tratando de desenmascarar qué es aquello que la mantiene tan alejada de su marido y Brief Encounter (David Lean, 1945) en donde la opresión por mantener un matrimonio no deseado del todo, logra que una mujer desahogue sus penas con un médico y conciban una historia de amor imposible. La diferencia es que realmente estas dos películas nos dejan con un amargo sabor sobre el amor a largo plazo, y en Antes de la Medianoche el tono de la película evita ser dramático para soltar con gracia algunos de los chistes que al mismo tiempo son pases de factura de la pareja. Con mucha elegancia, Linklater logra, igual que ya lo había hecho con Waking Life (2001) una excelente reflexión sobre el paso del tiempo, la vida y el amor sin volverse pedante y señalando que no hay nada que enseñar en términos amorosos, sino más bien descansar, observar y caminar.



Lucía Luna  






26 jun. 2013

Insurgencias Urbanas




INSURGENCIAS URBANAS
Elías Adasme, Artur Barrio, Paulo Bruscky y Víctor Grippo
Inauguración jueves 27 de junio, 19hs.

DOCUMENT ART GALLERY
INAUGURACIÓN: Jueves 27 de Junio, 19:30 hs
Loyola 32 - CABA

Viernes 28: El arte ineludible de Elías Adasme. Charla con el artista.

Sábado 29: Arte en tránsito y en todos los sentidos. Encuentro con Paulo Bruscky.

Un homenaje a Victor Grippo. Re/construcción de un horno popular para hacer pan. Invitados: Hugo Vidal y Cristina Piffer. Coordinación: Silvio De Gracia




INSURGENCIAS URBANAS

ESTRATEGIAS ARTÍSTICAS SUBVERSIVAS Y ESPACIO PÚBLICO EN EL CONTEXTO SUDAMERICANO

Desde las vertientes críticas de la performance o el arte corporal a las intervenciones y manifestaciones del activismo artístico, el arte ha explorado, interpelado y re-procesado las complejas y fluctuantes cartografías que dan cuenta de las demarcaciones, cruces y desbordes, a través de los cuales se construye y reproduce la discursividad del poder en el espacio público. En el contexto sudamericano, las prácticas artísticas que con mayor intensidad se han vinculado a la disputa simbólica de territorios de significación en la esfera pública, se inscriben históricamente en el repertorio de estrategias orientadas al desmontaje y subversión de los discursos represivos de los gobiernos dictatoriales, que a partir de la década de 1960 subsumieron a casi todos los países de la región en la apatía, la desmovilización y el miedo. Más allá de su vitalidad como contradiscurso ideológico, estas prácticas se revisten de una vasta resonancia por la ruptura formal que articulan, especialmente en cuanto a los procesos de hibridación de los géneros y a la expansión de los soportes artísticos, evidenciando la crisis de legitimidad de las formas tradicionales de representación y cuestionando el estatuto de lo artístico, al insertarse en una espacialidad alternativa frente al circuito institucional del arte. Desde fines de los 60, la alternativa del cuerpo y de la ciudad como espacios de producción creativa implica, además del descalce de los límites formales, una reconceptualización transformadora de la práctica artística en una coyuntura donde se intensifican los entrecruzamientos entre arte y política, y donde la criticidad del arte se conjuga con los deseos de reactivación de una esfera pública replegada en el forzado adormecimiento impuesto por los gobiernos autoritarios.

En las propuestas de Elías Adasme, Artur Barrio, Paulo Bruscky y Víctor Grippo, recuperadas y visibilizadas a través de registros y documentos, se redescubre parte de la amplísima cartografía que configuran las prácticas artísticas que se desenvuelven en el espacio público en el contexto sudamericano a partir de fines de los 60, y más intensamente a lo largo de los 70. Se trata de verdaderas estrategias subversivas, más o menos explicitas o herméticas, en las que se transgreden las fronteras de los campos separados de la estética y la política para recrear la función del arte, derivando en formas de intervención que exceden lo estrictamente artístico y que adquieren mayor vitalidad como prácticas culturales disidentes o contrahegemónicas.


Silvio De Gracia
Curador “Insurgencias urbanas”


ELÍAS ADASME APLABAZA
(Illapel, Chile, 1955) Explora una diversidad de trabajos conceptuales, recurriendo para su materialización a instalaciones, performances, gráfica digital, poesía visual y arte correo. Cursa estudios universitarios en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile (1974-1979) e integra el Taller de Artes Visuales Bellavista (1978-1983). Reside en Puerto Rico desde 1983. Actualmente es artista del Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico y profesor en la Liga de Arte de San Juan.

Ha recibido múltiples distinciones en eventos internacionales de arte con reseñas en libros y revistas especializadas. Algunos de sus trabajos forman parte de la Colección Permanente del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile, del Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico y del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de España.

Con más de tres décadas de trayectoria artística, entre sus exposiciones se destacan:

Exposición Internacional sobre los Derechos Humanos. Museo San Francisco. Santiago, Chile (1978); IV y V Bienal Internacional de Arte Valparaíso. Museo Municipal de Bellas Artes y Palacio Lyon. Valparaíso, Chile (1979 y 1981); V y VI Bienal del Grabado Latinoamericano y del Caribe. Instituto de Cultura Puertorriqueña. San Juan, Puerto Rico (1981 y 1983); XXXIII Salón Jeune Peinture. Museo Grand Palais. París (1982); XII Bienal Internacional de Arte de París. Museo de Arte Moderno. París, Francia (1982); Bienal Internacional de Arte de Johannesburgo. Museo África. Johannesburgo. África del Sur (1995); "Overseas: Nueve artistas chilenos contemporáneos" Midland Art Center. Birmingham, Inglaterra (2000); “Crisis… América Latina, arte y confrontación. 1910-2010”. Palacio Nacional de Bellas Artes, Ciudad México, México (2010); “Chile años 70 y 80: memoria y experimentalidad”. Museo de Arte Contemporáneo de Chile (2011); “Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años ochenta en América Latina”. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España (2012).


ARTUR BARRIO
Nacido en 1945 en Porto, Portugal, Artur Alipio Barrio de Sousa Lopes emigró a Brasil en 1955. A partir de 1969, Barrio ya comienza a ser un artista reconocido por sus Situações, que acontecen en las calles, en las playas o en áreas internas y externas de museos y galerías, incluyendo la utilización de materiales orgánicos, cotidianos y de bajo costo.

Ha participado en la I Bienal de La Habana, 1984; XXIII y XXIX Bienal de San Pablo, 1996 y 2010; I y IV Bienal del Mercosur, en Porto Alegre, 1997 y 2003, entre otras. En 2011, fue elegido por los curadores de la 29ª Bienal de São Paulo para representar a Brasil en la 54ª Biennale di Venezia. Recibió en 1987 el premio Mario Pedrosa de la Asociación Brasilera de Críticos de Arte y, en 2011, le fue otorgado el premio Velázquez de Artes Plásticas, concedido por el Ministerio de Cultura de España. Ha sido incluido en las más importantes exhibiciones dedicadas al conceptualismo latinoamericano y al arte de acción y de performance, entre las que se destacan: Out of Actions – Between performance and the object: 1949 – 1979, Museum of Contemporary Art, Los Angeles, USA, 1998; Global Conceptualism: Points of Origin, 1950s – 1980s, Queens Museum of Art, New York, USA, 1999; Heterotopias, Museo Nacional de Arte Reina Sofía, Madrid, España, 2001; XI Documenta de Kassel, Alemania, 2002; Inverted Utopias: Avant-Garde Art in Latin America. Museum of Fine Arts, Houston, USA, 2004; -ARTE ≠ VIDA: ACTIONS BY ARTISTS OF THE AMERICAS, 1960-2000, El Museo del Barrio, New York, EUA, 2008; Subversive Practices/Art under Conditions of Political Repression60s–80s / South America / Europe, Württembergischer Kunstverein Stuttgart, Alemania, 2009; Open work in latin America, New York y Beyond: Conceptualism Reconsidered, 1967-1978, Hunter College of Arts, Nueva York, EUA, 2013. Su obra integra prestigiosas colecciones, como Gilberto Chateaubriand, Brasil; Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, Brasil; Museo de Arte Contemporánea de la Universidad de São Paulo (MAC USP), Brasil; Museo de Arte Contemporáneo de Serralves, Porto, Portugal; Fundacion Arco, Madrid, España; Musée d' Art Moderne de la Ville de París, France; Stedelijk Museum Voor Actuele Kunst, Gent, Bélgica; Inhotim Centro de Arte Contemporânea, Belo Horizonte, Brasil; Centre Pompidou, París, Francia; MoMA-New York, USA.


PAULO BRUSCKY
Recife, Pernambuco, Brasil, 1949. A partir de 1969 profundiza sus investigaciones y se incrementan sus realizaciones en el campo del arte conceptual, espacial, ambiental, happenings, copy art, libro de artista, audio arte. Se le considera un artista pionero en el desarrollo del copy art (electrografía) y del fax art en Brasil. En 1973 pasó a formar parte del Movimiento Internacional de Arte Correo, participando en diversas exposiciones del género tanto en Brasil como en el exterior. En 1974, lanzó juntamente con Daniel Santiago, el Movimiento/Manifesto Nadaísta. Entre las Bienales, participó de la Bienal Internacional de São Paulo , Sala Mail Art, 1985 y Sala de Electrografía, 1989; Bienal de Sydney, 1977; Biennale Alternatives '79 "Third Armpit Show", Australia,1979; I Bienal de Cuba ,1984; 11th Internationale Poster Biennale, Warszawa-Polonia, 1986 ; I, II y III Bienal Internacional de Poesía Visual y Experimental de México, 1986/88/90; Bienale Internacionale del Livro D'Artista, Museo Artein, Roma,1987; 2ª Bienal Internacional de Electrografía y Copy art, Valencia, España,1988; First International Fax Art Biennial, Liechtenstein, 1990. Artista invitado en la VII Bienal do Mercosul, Brasil, 2009; en la X Bienal de La Habana, 2009; y en la Bienal de Polonia, 2012. Ha obtenido varios reconocimientos internacionales, entre los que destaca el Premio de la Fundación Guggenheim para las Artes Visuales, Nueva York, 1981.

Entre sus exposiciones más recientes se destacan: “Sistemas, Acciones y Procesos, 1965-1975”, Fundación PROA, Buenos Aires, 2011; "Cuando Brasil devoró el Cine (60-70), Museo Reina Sofía, España, 2011; Feria Internacional de Arte ARCO, Madrid, 2008; Exhibición Retrospectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de San Pablo, 2007-2008; etc. Sus obras están en importantes acervos internacionales, como Cisneros Fontanals Art Foundation (USA), Tate Gallery (UK), Bronx Museum (USA), MOMA (USA), Stedelijk Museum Amsterdam (NL), MAC (USP), MAM (SP), Itaú Cultural, Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães e Museu da Pampulha (Brasil). En 2009, recibió el título de Cavaleiro da Ordem do Mérito Cultural, el mayor honor del gobierno brasileño, y en 2011 fue homenajeado con el premio hors concours de arte y tecnología del Instituto Sérgio Motta.


VÍCTOR GRIPPO
Nació en Junín, Provincia de Buenos Aires, en 1936. En 1966, realizó su primera exposición individual en Buenos Aires, en la Galería Lirolay. A partir de 1970, integra el Grupo de los Trece (más tarde Grupo CAyC), participando en numerosas muestra en el país y en el extranjero. En 1977, con el Grupo de los Trece gana el Gran Premio Itamaraty de la XVI Bienal Internacional de Sao Paulo. Realizó muestras individuales en la Galería Artemúltiple, Buenos Aires (1976, 1980); Fundación San Telmo, Buenos Aires (1988); Fawbush Projects, Nueva York (1991); Museo de Arte Contemporáneo Carrillo Gil, México, D. F. (1994); entre otras. Participó en las bienales de París (1969); San Pablo (1977, 1979, 1991, 1998); Tokio (1980); Venecia (1986); La Habana (1991, 1994). En 1990, integra la muestra Transcontinental: Nine Latin American Artist, curada por Guy Brett en la Ikon Gallery de Birmingham. Una importante retrospectiva sobre su obra se organiza en 1995 en la Ikon Gallery de Birmingham y en el Palais de Beaux Arts de Bruselas. En 1998 participa en Out of Actions – Between performance and the object: 1949 – 1979, Museum of Contemporary Art, Los Angeles, USA; en 1999, en las muestras Cantos Paralelos: Visual Parody in Contemporary Argentinean Art, en el Jack S. Blanton Museum of Art de Austin, Texas y en Global Conceptualism: Points of Origin, 1950s-1980s en el Queens Museum of Art de Nueva York. Fallece en Buenos Aires en febrero de 2002. Ese mismo año es seleccionado para participar de la XI Documenta de Kassel.

En los últimos años su trabajo ha integrado numerosas exposiciones colectivas, entre las que vale mencionar: Arte ≠ Vida: Actions by Artists of the Americas, 1960-2000, en El Museo del Barrio de New York, en 2008; Here Is Every. Four Decades of Contemporary Art, en The Museum of Modern Art de New York, entre 2008 y 2009; Animism: Modernity through the Looking Glass en Extra City Kunsthal y en el Museum van Hedendaagse Kunst, Amberes, Bélgica, itinerando entre 2010 y 2012 por la Kunsthalle de Berna; la Generali Foundation de Viena y la House of World Cultures de Berlín; Sistemas, Acciones y Procesos. 1965-1975 en Fundación PROA de Buenos Aires y Radical Shift: Politische und soziale Umbrüche in der Kunst Argentiniens seit den 60er Jahren en el Museum Morsbroich de Leverkusen, Alemania en 2011.

Su obra se encuentra representada en prestigiosas colecciones públicas y privadas del mundo, como el Museo Nacional de Bellas Artes y el Malba-Colección Costantini, ambos de Buenos Aires; el Inhotim Centro de Arte Contemporânea de Belo Horizonte; The Art Institute of Chicago; The Museum of Modern Art de New York, el Philadelphia Museum of Art y el Phoenix Art Museum, todos de EE. UU.; la Tate Modern de Londres y la Colección Daros de arte latinoamericano de Zürich.

Marta Minujin en galería 11x7



Marta Minujín: Laberinto Minujinda, 1985

Dicen que la verdadera legitimación de las obras las realiza el tiempo. Se convierten en clásicos cuando es tan intensa la carga de sentido que puede reactualizarse en cada momento a lo largo de la historia. Minujín fue pionera del arte de acción y el situacionismo, tanto en sus Environments (Ambientaciones) como en los Happenings (Sucesos) y en el Arte de los Medios. Y es notable como todas esas manifestaciones efímeras hoy son parte de la vanguardia del arte contemporáneo, que bajo la denominación de “estética relacional”(1) conciben al espectador como parte activa de la obra, con la que establecen una relación vivencial. Desde su performance radical en “La Destrucción” (París, 1963), Minujín diseña sus trabajos a partir del eje conceptual de la unión de arte y vida, continuando el camino abruptamente interrumpido con la prematura muerte de Alberto Greco. Desde entonces, sus trabajos tienen como objetivo trascender lo objetual del fetiche estético para ser un hecho que se inserte en lo social ampliando la consciencia del espectador, empujándolo a atravesar zonas que lo deshabitúen de su mundo cotidiano. Al escándalo anarquista que propiciaban los dadaístas, Minujín le agrega el aspecto lúdico y el componente erótico (“La pieza del amor”, 1962; “Eróticos en technicolor”, 1964; “La Galería Blanda”,1973) y el colorido estridente de la psicodelia pop. Posteriormente emprende sus recorridos- ambientaciones como en “La Menesunda” y “El Batacazo” (1965) donde el público atravesaba diferentes zonas y situaciones.
En “Laberinto Minujinda” (1985), amplía el recorrido a una escala arquitectónica en el emplazamiento del Centro Cultural Recoleta. Una vez más el arte es un activador de vivencias inesperadas pero en este caso profundiza su actividad con los medios masivos de comunicación (“Simultaneidad en Simultaneidad", 1966) para elaborar un recorrido con situaciones creadas por la tecnología. Computadoras, sonidos, proyecciones, aromas y espejos son elementos que el espectador manipula en un laberinto al que accede decidiendo su ingreso por el camino de la inteligencia o por el de la belleza. Un comentario irónico de la artista sobre el debate entre la reflexión del arte conceptual y el aspecto sensible de la pintura, que Minujín resuelve metafóricamente uniendo en un trayecto ambos caminos. De aquella instalación tan efímera como tantos sucesos de la artista, hoy presentamos los paneles que sobrevivieron la inmaterialidad del resto de la obra. Son parte de una de las salas en las que Minujín invita al espectador a trascender la mirada del cuadro como soporte de un relato para envolverse en un ambiente que genera la creación plástica con la abstracción de los componentes de la creación pictórica: colores, círculos, rayas, puntos, triángulos, círculos y espirales.
El entusiasmo de la hiperconectividad tecnológica termina hoy siendo una trampa en la que todos estamos inmersos, fatigados por la recarga informativa de mensajes vacíos. Una vez más Marta Minujín imaginó una profecía que hoy cobra un nuevo sentido. Como el Minotauro de Borges en “La casa de Asterión”, somos los habitantes de un laberinto, perdidos en la eterna soledad de la condición humana.
Laura Batkis

(1)“Estética relacional”, Nicolás Bourriaud, Ed. Adriana Hidalgo, Bs.As, 2006

El mató a un policía motorizado en Vorterix


Sábado 29 de junio / 20hs / Ciudad de Buenos Aires / Gira de Oro Dinastía Scorpio 

EL MATO A UN POLICIA MOTORIZADO junto a Los Reyes del Falsete y Aldo Benitez Trío

Teatro Vorterix / Federico Lacroze y Alvarez Thomas / Capital
 
Entradas anticipadas en www.ticketek.com.ar, Oid Mortales (Av. Corrientes 1145 
Loc. 17, tel 011-4382-8839), Kanishka (Gal. Bond Street Av. Santa Fe 1670 Loc.42, 
tel 011-4811-5264), La Disquería (54 653 1/2 entre 8 y 9, tel 0221-4219373, La Plata) 
y en la boletería del Teatro Vorterix (De 10 a 18hs).

Taller de Video en Espacio Telefónica


Concierto Cuarteto de Cuerdas


23 jun. 2013

Rosario Ortega, Utopians, seleccionado de STAND UP, arte callejero y lectura de poesías cierran Ciudad Emergente. Con la gran muestra de Bob Gruen sobre los años de John Lennon en New York. En el Centro Cultural Recoleta.




Documentales sobre Peaches y Nirvana, danza callejera con DJ VILLA DIAMANTE, Moda en el Patio del Aljibe y batallas de HIP HOP en las terrazas del CCR. Cierra con Rosario Ortega a las 20 horas y con Utopians a las 21 horas.
Ciudad Emergente en el Centro Cultural Recoleta, junín 1930.

21 jun. 2013

GABO FERRO EN EL CAFF.

ENTRADAS ANTICIPADAS Y RESERVAS
Entradas anticipadas con descuento en Musetta Caffé, Billinghurst 894. Lunes de 10 a 20 hs, martes a jueves de 10 hs a medianoche, viernes de 10 a 03 hs y sábados de 17 a 03 hs. Las reservas se mantienen hasta las 21.45 hs.
ATENCIÓN: se venden solo 50 entradas anticipadas, otra opción en hacer una reserva escribiendo a reservas@caff.com.ar, en el mail hay que especificar: artista, fecha y cantidad de personas.
Videoclip de "Lo que te da terror": hacé click ACÁWeb: www.gaboferro.com.ar
Facebook: /acagaboferro
Bandcamp: 
gaboferro.bandcamp.com

GABO FERRO en el CAFF
Despedida del disco "La aguja tras la máscara"
Sábado 29 de junio. 22 hs.

(ingreso a partir de las 21 hs.)
Sánchez de Bustamante 764. Ciudad de Buenos Aires
Entradas anticipadas: $60. En puerta: $70

Despedida de "La aguja tras la máscara"
Tal como fue presentado en octubre de 2011, queremos ahora despedirlo:
una a una, como asoma cada canción del silencio en el disco,
así Gabo las irá presentando en vivo juntas por última vez.

¡Y después a hibernar escuchando los siete discos, que con la primavera llegará el octavo!

Guerra Mundial: WORLD WAR Z. Con Brad Pitt sobre la novela de MAX BROOKS.


Curso de Armado de Módulos de Sintetizador Analógico. En ESPACIO FUNDACIÓN TELEFÓNICA.


Balbina Lightowler en Centro Cultural Plaza Castelli.


La Muñeca en su Jaula. Sobre textos de Alejandra Pizarnik. Con Stella Maris Closas. En el teatro La Comedia.

Foto de Ezequiel Ludueña

LA MUÑECA EN SU JAULA
Versión dramática de la obra de Alejandra Pizarnik
con Stella Maris Closas
y la participación de Alba Azucena Rombulá
Dirección: Ezequiel Ludueña

Las puertas del universo teatral de Alejandra Pizarnik.  Huellas poéticas sobre el escenario.

Una mujer, que ordena la casa de un familiar muerto, descubre un mundo paralelo luego de haber limpiado y embalado una serie de objetos, y expresa su asombro, sus miedos y su felicidad a través de textos de Alejandra Pizarnik.
La autora de Árbol de Diana escribió una única obra teatral: Los poseídos entre lilas. Sin embargo, su poesía  y su prosa, traen huellas de un universo construido sobre imágenes dramáticas, que definen su teatralidad desde su carácter escenográfico y sus conflictos interiores.

Coreoforma: Leo Murray
Escenografía y vestuario: Pablo Graziano
Realizador: Maximiliano Soto
Maquillaje: Pilar Trujillo
Ilustración: Luciana Sáez
Fotografía: Ezequiel Ludueña
Prensa: Carolina Alfonso
Asistentes de dirección: Alba Rombulá y Carlos Lupori
Producción: Ruhesi Producciones
Dramaturgia y dirección: Ezequiel Ludueña

ESTRENO: DOMINGO 16  DE JUNIO A LAS 19 HS.
Funciones: Domingos a las 19 hs.
Duración: 55  minutos.
Teatro La Comedia
Rodríguez Peña 1052, reservas: 4812-4228 o ingresando a www.plateanet.com
Entadas: $ 80.
Promo 2x1 con Club La Nación
Prensa: Carolina Alfonso -  4802-4607 – 155-662-6006 – caroalfonso@gmail.com


Palabras del director:
Hay un cuerpo anterior a uno mismo, un cuerpo que es el propio cuerpo y, a la vez, el cuerpo de nuestros mayores, de nuestros antepasados. Los textos de Pizarnik me causaban admiración pero me resultaban ajenos; percibía que en esa música había algo muy simple, muy antiguo forjado con oficio y angustia pero no podía asociarlo enteramente con mí realidad. Esta obra es el desenlace del intento de acercarme a la obra de Pizarnik a través de una corporalidad que no es mía y que, sin embargo, es tan mía que me trasciende: la de mi madre. Gracias a ella, algo de esa música ajena se hizo carne en mí. Y Pizarnik pasó a ser Alejandra.
Ezequiel Ludueña

Stella Maris Closas (actriz)
Se formó con Hedy Grilla, Augusto Fernandes, Agustín Alezzo, Raúl Serrano, Eric Morris y Jaime Kogan.
Ha encarnado clásicos de Ibsen, Lope de Vega, Tennessee Williams, García Lorca, Anouilh, Wilde, Molière, Tirso de Molina y Schiller, entre otros.
Recordada en televisión por sus participaciones en La familia FalcónGrande Pa! y Dibu.

Alba Azucena Rombulá (actriz)
Se formó con Stella Maris Closas.
Actuó en obras de Shakespeare, Presley y Gambaro.

Leo Murray (coreoforma)
Se formó como bailarín en el Conservatorio de Paraná y como actor con Mario Giromi Trotz, Santiago Doria, Héctor Sandro y Rodolfo Graziano.
Ha participado en obras de Wilde, Eurípides y Molière, entre otras.

Pablo Graziano (escenografía y vestuario)
Docente de escenografía y vestuario del IUNA.
Ha hecho la escenografía para obras de Molière, Wilde, Shakespeare, Ibsen, Aristófanes, Cervantes, Maeterlinck y Chéjov, entre otras.

Ezequiel Ludueña (dramaturgia y dirección)
Ha estudiado Filosofía en la Universidad de Buenos Aires, donde actualmente enseña.
Se formó en teatro con Stella Maris Closas, Rodolfo Graziano y Raúl Serrano.
Ha hecho adaptaciones y puestas en escenas de Ibsen, Maeterlinck, Chéjov, Cervantes, Aristófanes y Pirandello.

20 jun. 2013

LA CACERIA. UNA PELICULA DE THOMAS VINTERBERG.


Curso de dibujo, pintura, ilustración y collage. Por Andrea Gigante.


Convocatoria a la BIENAL DE ARTE JOVEN DE BUENOS AIRES.


Línea de cajas. De Emmanuel Medina y Paula Baró. En el ABASTO SOCIAL CLUB.


CIUDAD EMERGENTE EN EL CENTRO CULTURAL RECOLETA. 6ta edición del festival con más de 70 bandas y artistas. Gratis.

Nacho Vegas, Amparo Sánchez, la muestra fotográfica de Bob Gruen, salas interactivas, danza callejera,



música, arte callejero, cine, letras y hasta video juegos en la nueva edición de CIUDAD EMERGENTE 2013.

En el Centro Cultural Recoleta, junín 1930, hasta el domingo 23 de junio. Programación completa en:
http://festivales.buenosaires.gob.ar/ciudademergente/home13/es/index.html

Los campeones mundiales de tango escenario, Betsabet Flores y Jonathan Spitel presentan "Palermo Tango Show". En la Oreja Negra.

La Oreja Negra presenta todos los lunes, a partir del 24 de junio:

"Palermo TANGO SHOW"

Dirigido por los Campeones Mundiales de Tango Escenario: Betsabet Flores y Jonathan Spitel, trasmitirá la esencia de la historia del tango, reflejando con estilo, elegancia y calidad la evolución del género en el correr de los años.


Buenos Aires, junio 2013. Palermo TANGO SHOW presenta por primera vez en la zona el mejor espectáculo de tango porteño, cena y milonga. Dirigido por los Campeones Mundiales de Tango Escenario: Betsabet Flores y Jonathan Spitel. A partir del 24 de junio, todos los lunes a las 21 horas en La Oreja Negra, Uriarte 1271.

En el show, el Tango cobra su parte fundamental pero mixturan un pasaje al folklore mostrando de esta manera más sobre la identidad y cultura Argentina. Esta fusión de las dos danzas junto a la producción escénica, el vestuario, la coreografía de cada movimiento en conjunto a los músicos llevará la expresión del tango a su máximo nivel. Un show para disfrutar de una gran noche. 


Betsabet Flores y Jonathan Spitel estarán a cargo de la dirección artística buscando en cada función transmitir la esencia de la historia del tango, reflejando con estilo, elegancia y calidad la evolución del género en el correr de los años. Flores y Spitel son bailarines desde muy temprana edad, pero desde que se radicaron en Buenos Aires se abocaron exclusivamente al tango. Cordobeses de fuerte identidad tanguera, dueños de una técnica depurada y enorme musicalidad, se consagraron Campeones Mundiales de Tango Escenario 2009.

Dirección: Betsabet flores & Jonathan Spitel. 

Bailarines: Hebe lucia Hernández - Nahuel Tortosa, Gimena Hoeffner - Fernando Carrasco (Triples campeones de Buenos Aires) y Ana Isabel Lopera - Julio Montoya.

Diseño de Vestuario: Leandro Sánchez.

Dirección del cuarteto de música:  Matías Feigin.

Menú:
Entrada: 1 Empanada
Plato Principal: Bife de chorizo + ensalada / papa fritas. Opción Vegetariana:  Wok de verduras con arroz.
Postre: Flan / Brownie
Bebida: Copa de vino + 1 agua o gaseosa


Costo Cena Show: $ 150
Costo sólo Show: $ 80

2 x 1 con Club La Nación para sólo Show –  Anticipadamente.
Boletería: Martes a sábados de 11 Hs a 18 Hs y de 20 a 22 hs en Uriarte 1271.



Sobre La Oreja Negra - Fabrica de arte, tragos y besos:

Es un proyecto cultural, construido en un gran galpón de 300 m2 que ha sido cuidadosamente reciclado a partir de la necesidad de crear un espacio de arte con gran capacidad y calidad técnica, que ha tenido la misión de convertirse en un lugar destacado de la ciudad de Buenos Aires dedicado, principalmente, a la producción de shows musicales en vivo.

La Oreja Negra es una verdadera usina de experiencias audiovisuales, donde se dan vida y amalgaman diversas ramas del arte, el diseño y el espectáculo. Además trasciende el espacio físico y cuenta con una radio online donde se difunde el trabajo de músicos emergentes y se presenta lo mejor de la nueva música rioplatense.

Es un club de amigos. Un club de música. Y mucho más.