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31 oct. 2016

MARCELA FIORILLO EN BUENOS AIRES PRESENTA PIAZZOLA TANGO



MARCELA FIORILLO EN BUENOS AIRES

PRESENTA

PIAZZOLA TANGO



Canberra – Kuala Lumpur – Bangkok – Buenos Aires – Santiago

Dos únicas presentaciones en Buenos Aires.



Un programa pianístico inolvidable abrazando el universo musical del genial Astor Piazzolla.



La pianista argentina, residente en Australia, presenta en Buenos Aires dos conciertos de su producción Piazzolla Tango luego de las exitosas presentaciones con entradas agotadas en auditorios de las ciudades de Canberra, Kuala Lumpur y Bangkok. Una artista considerada por los medios como “de un virtuosismo en el piano relevante, delicado, elegante, con una enorme claridad y profundidad emocional”.

Con una elección exquisita en su programa, Marcela Fiorillo interpretará temas como Adiós Nonino, Oblivion, La muerte del ángel o Tangata incluidos en su cd Piazzolla Anniversary, tributo al renombrado músico y compositor.




Martes 6 y miércoles 7 de diciembre, 21 hs.



Clásica y Moderna

Av. Callao 892, Buenos Aires.

Reservas: 4812-8707

Entradas: $ 180.

Consumición mínima: $ 180.




Marcela Fiorillo


Nació en Buenos Aires, Argentina.

Se graduó en el Conservatorio Nacional de Música de Buenos Aires Carlos López Buchardo. Es Licenciada en Artes Musicales con especialización en piano por la Universidad Nacional de las Artes de Buenos Aires, Argentina.

Estudió piano con Haydeé Loustanau y Celia Bronstein en Buenos Aires, y con Alfonso Montecino y Menahem Pressler en la Universidad Bloomington de EE.UU. Estudió música de cámara con Ljerko Spiller, Tomás Tichauer y Menahem Pressler, y composición con Jacobo Ficher. Participó de cursos y clases magistrales con los maestros Pierre Sancan, Rudolph Kerer, Earl Wild y Carlo Bruno. Recibió becas de estudio de la Fundación Cultural Coliseum, Fundación Leonor Hirsch de Von Buch, Camerata Bariloche y Mozarteum Argentino.

Su carrera abarca una extensa actividad como intérprete, profesora y compositora en su país natal y el extranjero.

En Argentina, fue profesora de piano en el Conservatorio Nacional de Música y el Conservatorio Superior de Música de Buenos Aires, donde ejerció la Coordinación del Departamento de Piano del Anexo II, hasta el año 2007. Actualmente, vive en Canberra, Australia y forma parte del Performance Teaching Fellows de la Escuela de Música de la Universidad Nacional de Australia. Asimismo, tiene su estudio privado y mantiene un activo calendario de presentaciones como pianista.

Su carrera pianística en Argentina la llevó a las salas más importantes de Argentina como el Teatro Colón, Auditorio Belgrano, Teatro San Martín y muchos otros, así como en radio y televisión.

En el exterior, se presentó como solista en Nueva York, Washington y Bloomington en los EE.UU., y dio clases magistrales y conferencias sobre música argentina en la Universidad de Nueva York, Queens College de la City University of Nueva York y en el Ciclo de Conciertos del Centro Cultural del BID, en Washington. En Europa realizó conciertos en Italia y actuó en los festivales Musique sans Frontieres y Fetes Musicales de Savoie, en Francia.

En China, actuó con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Shanghai y dio clases magistrales en los Conservatorios de Música de Shanghai y Beijing.

En Australia, la crítica especializada describió su virtuosismo como un "consumado pianismo de técnica impactante y segura y de un profundo poder expresivo",siguiendo actuaciones en el Festival Internacional de Música, Festival Internacional Multicultural de Canberra, ANU Festival Ibero-Americano, Festival de Castlemaine. También realizó conciertos para la ABC Radio National Broadcast Sunday Live, Tasmania y en las Universidades de Música en Perth y Brisbane.

En 2011, fue invitada a ser parte del ciclo de Conciertos Kawai y dar clases magistrales en la Universidad de Griffith, Brisbane. También participó en la Eighth Australasian Piano Pedagogy Conference y en Fourth Western Australia Piano Pedagogy Conference.

En Canberra, su ciudad de residencia actual, brindó una serie significativa de conciertos en las más importantes salas como The National Gallery of Australia, The Llewellyn Hall, Canberra Theatre, Street Theatre y Wesley Music Centre con programas que incluyeron: Cuadros para una exposición, de M. Mussorgsky, Cuarteto para el final de los tiempos, de O. Messiaen, además de recitales integrales sobre música española, música francesa y música rusa.

En 2013 representó a Australia en el homenaje internacional al Padre Antonio Soler y en 2016, lo hizo en el homenaje internacional a Enrique Granados.

Marcela Fiorillo estrenó en Australia: Cantata para la América mágica, de A. Ginastera, Das Jahr, de F. Mendelssohn y dirigió al piano la Premiere en Australia de la ópera María de Buenos Aires, de Astor Piazzolla. Asimismo sus programas han incluido estrenos de repertorio de los compositores Ginastera, Piazzolla, López de la Rosa, Tauriello, Saenz, Kutnowski, Caamaño, Zorzi y García Morillo.

En Australia fue merecedora de los siguientes premios:

2007 - Canberra Critics Circle Award, mejor concierto del año.

2007 – Top Ten Concert of the Year

2008 - Canberra Critics Circle Award por la dirección de Australian Premiere de la ópera - tango María de Buenos Aires, de A. Piazzolla.

2014 - Canberra Critics Awards por su composición Weerreewa Suite estrenada en el mes de marzo de 2014, comisionada por el Festival Weereewa y la difusión de la música de Argentina y Australia.

Discografía:

Música argentina; O. y M. Cyrulnik Fiorillo en vivo; Un viaje a través de la música de Sudamérica; Tango; Obras para piano de compositores argentinos vol.1; La grandeza de Liszt y Beethoven (grabado en vivo); Pasión, cinco siglos de música española; Aniversario, dedicado a Astor Piazzolla, y Weereewa Voices of the Land.

Últimos conciertos:

Recientemente finalizó una gira: Canberra - Kuala Lumpur- Bagkok- con el programa de concierto Piazzolla Tango, auspiciada por el Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto y las Embajadas Argentinas en Malasia y Tailandia. Asimismo dio clases magistrales sobre la música argentina en la Universidad de Música de la UiTM de Malasia.

En 2016, su programa incluyó: Canberra International Music Festival, con un concierto homenaje a Alberto Ginastera y otro concierto como parte del homenaje internacional a Enrique Granados en representación de Australia; Beethoven concierto N.4 Opus 58 en sol mayor para piano y orquesta con Melbourne Musician Orchestra en julio, y en agosto con la Orquesta Sinfónica de Bangkok.

Se encuentra en proceso de preparación de su próximo trabajo, Bridges, dedicado los compositores clásicos latinoamericanos.

MEMENTO MORI, adaptada y dirigida por Luz Orlando Brennan en El Camarín de las Musas.



MEMENTO MORI

de Muriel Spark


Adaptación y dirección: Luz Orlando Brennan



Recuerda que debes morir



La mayoría de los personajes de Memento mori superan los ochenta años. Algunos se acercan al centenario. “Recuerda que debes morir”, dice una voz telefónica que revoluciona su vida y echa por tierra la ilusión de que a cierta edad ya nos ocuparemos de cosas más puras. Los años no borran mágicamente la falsedad, el odio, el chantaje, la histeria colectiva. Muriel Spark lo sabía mejor que nadie –fue criada por sus abuelos- y la obra juega con esos condimentos para ofrecernos una comedia negra de una ferocidad implacable.



Actúan: Nelly Prince, Pablo Rinaldi, Emma Luisa Rivera, Ricardo Coniglio, Amanda Busnelli, Yuyo Morilla, María Elena Mobi, Ana Isabel Posca, Pía Uribelarrea, Karina Scheps y Yoana Redondo



Diseño de escenografía: Ariel Vaccaro

Diseño de vestuario: Mariana Seropian

Diseño de luces: Braian Brown

Música y diseño de sonido: Santiago Villalba

Producción musical: Estudio Le Palm

Coreografía: Laura Chidichimo

Asistencia musical: Samuel Sahlieh

Diseño gráfico: Javier Reboursin

Fotografía: Leticia Bobbioni para Volcán

Prensa: Caro Alfonso

Producción ejecutiva: Camila Castro

Asistente de producción: Ana Paula Figuerero

Asistente de dirección: Rodrigo Gonzalez Alvarado

Adaptación y dirección: Luz Orlando Brennan



Funciones: viernes 13 hs y domingos 18 hs.

Duración: 70 minutos



El Camarín de las Musas

Mario Bravo 960

Reservas online: www.elcamarindelasmusas.com

Entradas: $200 y $ 150 (descuentos a estudiantes y jubilados)

2x1 Club La Nación.



Palabras de la directora:

Cuando todos en el secundario ya sabían que hacer, yo me anoté en Sociología porque me gustaba el nombre de la materia. Sin embargo, existía una relación personal en esa carrera elegida al azar. ¿Por qué me metí en esta tarea titánica de hacer una obra de teatro con once actores, casi todos ellos mayores de setenta, cuando ya manejaba con cierta comodidad el lenguaje cinematográfico? Es interesante ver como la ancianidad es parecida a lo locura, dice uno de los personajes de Memento mori. La locura parece ser lo que prevalece si logramos sobrevivir al deterioro físico, esa fuerza profética a la que como sociedad damos tanto la espalda. Los actores de Memento mori cargan esa verdad en sus cuerpos. Hay palabras que se repiten escena tras escena, ensayo tras ensayo, pero existe un ánimo que prevalece y escapa a todas mis marcas de dirección, como una manguera danzando sola en una tarde de verano.



Luz Orlando Brennan

Se recibió en la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC), además de estudiar las carreras de Sociología y Letras en la Universidad de Buenos Aires (UBA). Desde entonces trabajó como guionista, directora y docente en el terreno cinematográfico.

Su cortometraje En crítica (2014), ganador de Historias Breves, ha participado en numerosos festivales internacionales, además de recibir excelentes críticas de la prensa especializada. Memento mori es su opera prima como directora teatral.

Después de nosotros. L'économie du couple. Un film de Joachim Lafosse,




Premios y Festivales


- Quincena de los Realizadores, Cannes 2016

- Festival de Cine de San Sebastían "Perlas" 2016

- Munich Film Festival 2016

Nominada mejor film extranjero



Sinopsis

Después de 15 años juntos, María y Boris deciden separarse.

Ella fue quien compró la casa en la que viven con sus dos hijas, pero fue él quien la remodeló completamente.

Ahora se ven obligados a vivir juntos allí, ya que Boris no tiene los medios para pagarse un alquiler.

Sin embargo, a la hora de hacer cuentas nadie quiere dejar de lado lo que considera haber aportado...

Cuando ya todo está dicho y hecho, ninguno de los dos va a dar su brazo a torcer.




Ficha artística



Bérénice Bejo ...... Marie Barrault
Cédric Kahn ..... Boris Marker
Marthe Keller ...... Christine



Ficha técnica


Director: Joachim Lafosse
Guionista: Mazarine Pingeot, Fanny Burdino, Joachim Lafosse
Productor: Sophie Casse
Fotografía: Jean-François Hensgens
Montaje: Yann Dedet

Datos técnicos
Título original: L'économie du coupleaka
Año: 2016
Duración: 100 min.
País: Bélgica



Nota del director

"La película surgió de una reunión con Mazarine Pingeot y nuestro deseo común de filmar a la pareja. Los dos queríamos mostrar las fuertes emociones que puede haber detrás de los conflictos de pareja, a menudo con el dinero como detonante. Mazarine suele escribir junto con a Fanny Burdino. Yo suelo hacerlo con Thomas Van Zuylen. Ellos escribieron una versión y nos la enviaron. Trabajamos en ella y se la devolvimos. Y así seguimos hasta el momento de empezar con los preparativos para rodar. A partir de ese momento, trabajé solamente con Thomas y con los actores. Sin embargo considero que lo de escribir no ha terminado hasta que la película está rodada. Para ser preciso, uno tiene que estar constantemente buscando y probando ideas, y sobre todo, deshacerse de ideas para permitir que ocurra la materialización. El guión debe pertenecer a los actores para que puedan hacerse con sus papeles de la manera más completa y real. Sin su contribución, la película no sería lo que es".

Joachim Lafosse





Dijo la crítica


"Aunque lo suficiente contenida como para ser una obra de teatro, la mirada de Joachim Lafosse a una pareja que ya no se ama y que se ve obligada a cohabitar explora esa dinámica cinematográficamente."
Peter Debruge: Variety

"Un inquebrantable retrato de las últimas semanas de un matrimonio."
Wendy Ide: Screendaily

"El cineasta logra aquí un trabajo maduro y complejo a través de un planteamiento formal tan pertinente –una coreografía del desamor entre cuatro paredes- que se hace imperceptible."
Jordi Costa: Diario El País

"Drama adulto y verosímil. La cartelera debería estar repleta de obras así, pero por desgracia estamos ante una especie en extinción, digna de ser contemplada."
Federico Marín Bellón: Diario ABC

"Anatomía de una separación. La precisión de la puesta en escena materializa una especie de acta notarial de una disputa en un filme sin grandes estridencias dramáticas."
Alberto Bermejo: Diario El Mundo



"La situación es insostenible y Lafosse lo muestra con el realismo que le confieren los dos actores, espléndidos, con la sabia mesura del tiempo, los silencios, las catarsis y el empleo puntual de la música."
Puntuación: 5 (sobre 5)"
Quim Casas: Diario El Periódico

2° Festival Internacional de Cine de las Tres Fronteras - 29 de octubre al 5 de Noviembre. En PUERTO IGUAZÚ.


Sábado 29 de octubre/19.00 hs
Acto de apertura
Lugar: Anfiteatro Ramón Ayala
Proyección de Kryptonita de Nicanor Loreti 



Sinopsis

“El Tordo” (Diego Velázquez) trabaja como médico de noche en el hospital Paroissien de Isidro Casanova, partido de La Matanza. Acostumbrado a trabajar varios días sin dormir cubriendo los turnos de otros médicos a cambio de dinero, su vida es gris y sin futuro aparente. Junto a Nilda, la enfermera de turno, pasa sus días y noches manteniéndose despierto a fuerza de pastillas. Pero una noche todo cambiará cuando una banda de coloridos personajes traigan malherido a un famoso delincuente de la zona, conocido como “Nafta Súper” y junto con ellos a la policía bonaerense, que busca acabar con el grupo. Cada integrante de la banda tiene un parecido con un miembro de la Liga de la Justicia.



El evento de inauguración contará con la presencia de las autoridades del festival: Juan Palomino, su director; Julián Marín, coordinador general; Daniel Valenzuela, productor general y de personalidades como Luisa Kuliok, Juan Minujín, Jorgelina Aruzzi, Leticia Bredice, Gastón Pauls, Violeta Urtizberea, Andrea Bonelli, Nacho Gadano, Miriam Lanzoni, Martín Slipak, Alejandro Fiore, Carlos Portaluppi, Lola Berthet, Luis Ziembrovsky, Manuel Vicente y Esteban Lamothe, entre otros.

Las sedes del Festival serán las tres carpas principales situadas en el Predio de Gendarmería de Avenida Tres Fronteras y el Ente Municipal de Turismo de Iguazú (ITUREM). En ellas se proyectarán las películas en competencia, otros films de secciones destacadas y se realizarán actividades especiales como Cine y Literatura, con Lonardo Oyola; Efectos Especiales, de la mano de Franco Burattini; y un Taller de canto nativo relacionado con el cine, a cargo de Charo Bogarín.

Setenta películas entre cortometrajes, documentales y ficciones se proyectarán durante el Festival. Los horarios de proyección serán todos los días (del 29 de octubre al 5 de Noviembre) a las 18, 19, 20 y 22 horas.


OTROS INVITADOS IMPORTANTES

Juan Villegas
Israel Adrián Caetano
Emiliano Torres
Alejandro Vanelli
Edgardo Nieva
Susana Varela
Ana Pauls
Lucas Ferraro
Lautaro Delgado
Guillermo Pfening
María Fiorentino
Osvaldo Santoro
Diego Velázquez
Sofía Palomino
Ana Celentano
Alejandra Darín
Eduardo Pinto
Ariel Rotter
Dany Casco
(Productor, Directo de Arte,
realizador de Props, protagonista Daemonium: Soldado del Inframundo)



Secciones:

Largo Ficción en Competencia
Largo Documental en Competencia
Corto Internacional en Competencia
Corto Regional en Competencia
Tres Miradas
Proyecciones Itinerantes
Noches de Terror y Fantástico
Semana del Cortometraje INCAA


Esta edición del festival tiene la alegría y orgullo de homenajear a Leonardo Favio, uno de los referentes de nuestro encuentro por su grandeza como cineasta y su sensibilidad popular.
Tendremos distintas actividades dedicadas a Favio, donde se destacan el estreno de una entrevista producto del making of de Aniceto, inédita hasta ahora, realizada por el director Eduardo Pinto, y el documental Favio, Crónica de un director de Alejandro Venturini.
Su espíritu creador, su pasión por todo lo humano y su ternura como creador, nos acompañaran todos estos días en el Festival de Las Tres Fronteras, un evento de profundo carácter popular como la obra de Leonardo Favio.


La programación

Esta edición del festival de las Tres Fronteras busca profundizar en su raíz latinoamericana que le dio origen, generando una programación que refleje las distintas perspectivas del cine actual, tanto en las ficciones, documentales y cortometrajes buscando el equilibrio entre la calidad, la esencia popular de este arte y dándole oportunidad a películas de naciones hermanas de Latinoamérica que muchas veces no cuentan con la pantalla que merecerían en nuestro cine


Noches de Terror y Fantástico

Este año hemos sumado al festival la sección especial de Cine Fantástico y de Terror como una manera de apoyar el esfuerzo de los cineastas latinoamericanos que de manera tenaz han logrado para este cine popularidad y prestigio. Contaremos con la presencia de realizadores y actores, para intercambiar opiniones y debatir acerca del presente y las perspectivas del cine de género en el país y el resto de Latinoamérica. En los últimos años ha habido una explosión creativa de cine Fantástico y de terror en nuestros países y es una buena oportunidad para compartir con el público de Iguazú aullidos, risas y miedos en una tierra fantástica como es la de Misiones.


- ACTIVIDADES ESPECIALES -


LEO OYOLA
El escritor brindará una charla sobre el vínculo entre literatura y cine. En sus propias palabras: “Nuestra filmografía tiene muchas felices historias de amor que se han formado de la unión con la literatura nacional. Parejas de las más hermosas. Historias de esas que nos dan ganas de contárselas a todo el mundo”.
Carpa 3 - meeting point
Miércoles 2 de noviembre a las 19 hs.


FRANCO BURATTINI
El especialista en maquillaje y efectos especiales, responsable de los efectos de Diablo y Fase 7, entre otras películas, brindará un workshop en el que compartirá algunos de los secretos de su oficio.
Carpa 3 - meeting point
Jueves 3 de noviembre a las 19 hs.


CHARO BOGARÍN
La artista nos hablará del canto nativo y su inserción en las producciones cinematográficas nacionales, a través de su experiencia personal como actriz y cantautora. Hablará de cómo se conjugan y potencian ambas disciplinas derribando miradas que estigmatizan, creando a su vez nuevos paradigmas culturales desde un rol comprometido del arte.
Carpa 3 - meeting point
Viernes 4 de noviembre a las 19hs.




PROGRAMACIÓN


Largometrajes Ficción en Competencia:
-La larga noche de Francisco Sanctis (Arg) de Andrea Testa y Francisco Márquez
-La helada negra (Arg) de Maximiliano Schonfeld
-Esteros (Arg) de Papu Curotto
-La Luz Incidente (Arg) de Ariel Rotter
-Guaraní (Par) de Luis Zorraquin
-Rosa Chumbe (Per) de Jonatan Relayze
-Clever (Ur) de Guillermo Madeiro, Federico Borgia
-Los bañistas (Méx) de Max Zunino
-Rara (Chi) de María José San Martín
-Mata-me, por favor (Br) de Anita Rocha de Silveira
-Alba (Ecuador) de Ana Cristina Barragán
-Sed (Ec) de Joe Houlberg
- Cómo funcionan casi todas las cosas (Arg) de Fernado Salem
-Dauna, lo que lleva el río (Ven) de Mario Crespo
-Dos mujeres y una vaca (Col) de Efrain Bahamon
-Tierra Roja (Arg-Bél-Br) de Diego Martínez Vignatti


Largometrajes Documentales en Competencia:
-Contra Paraguay (Arg) de Federico Sosa
-Raidos (Arg) de Diego Marcone
-El sentido derby (Arg) de Martín Blousson
-Alfaro vive, Carajo (Ecuador) de Mauricio Samaniego
-Favio, crónica de un director (Arg) de Alejandro Venturini
-El Padre (Arg) de Mariana Arruti
-Tras la pantalla (Arg) de Marcos Martinez
-Piray 18 (Misiones) de Sergio Acosta
-Te saludan los cabitos (Perú) de Luis Cintora
-Waiting for B. (Br) de Paulo Cesar Toledo y Abigail Spindel
-Los cuerpos dóciles (Arg) de Diego Gachassin - Matías Scarvaci
-Parque Lenin (Méx) de Carlos Mignon e Itziar Leemans
-Aislados (Col) de Marcela Lizcano
- Detrás del Mito(Urug) de Marcelo Rabuñal
-Genoveva (Chile) de Paola Castillo


Tres miradas (muestra fuera de competencia):

-Hijos nuestros (Arg) de Juan Fernandez Gebauer y Nicolás Suárez
-Labia (Arg) de Gabriel Bertini
-Magallanes (Per, Arg) de Salvador del Solar
-Gloria (Méx) de Christian Keller
- Juana Azurduy, Guerrillera de la Patria Grande (Bol) Jorge Sanjines
-El hijo buscado (Arg) de Daniel Gaglianó
-La guayaba (Arg) de Maximiliano González
-No me mates (Arg) de Gabriel Arbós
- Nuestro Mundo - Anuhu Yrmo (Arg-Par) de Darío Arcella


Cortometrajes Internacionales en Competencia:

Princesas (Par / Arg) de Natural Arpajou
Hasta el dominó, siempre (Cuba) de Tian Cartier
Durazno (Arg) de Francisco Ríos Flores
Cordilheira de Amora (Br) de Jamille Fortunato
Héctor Oesterheld comparte un choripán con sus verdugos (Arg) de Marcelo Schapces
Berta y las menores (Arg) de Marina Glezer
Un último robo (Arg) de Dan Geller
Cubiertos de plata (Ur) de David Blankleider
Chuchipanderos (Arg) de Agostina Guala
La otra mujer (Arg) de Francisco Funes
Hijos de la tierra ( Perú ) de Diego Sarmiento
Intuición (Col) de Ana Julieta Arellano
El columpio (Ven) de George Rojas
Amazonas (Bol) de Carlos Piñeiro
El dorado de Ford (Arg) de Juan Fernández Guebauer

Cortometrajes Regionales en Competencia 

(Misiones, Entre Ríos, Corrientes, Formosa, Santa Fé y Chaco)
La Canoa de Ulises (Arg) de Diego Fio
Matías y Jerónimo (Arg) de Papu Curotto
Merodeo (Arg) de Fernando Restelli
La Tota (Arg) de Cinthia Konopacki
El Pez ha Muerto (Arg) de Judith Bataglia
Barquito (Arg) de Nahuel Behade
No hay Bestias (Arg) de Agustina San Martín
Vera (Arg) de Rubén Plataneo
La maldita ilusión (Arg) de Sergio Bonacci Lapalma
Dentro (Arg) de Federico Jacobo
Ser (Arg) de Andrés Perrone
Rutina (Arg) de Lorenzo Robert Germán Ezequiel:
Skinpaint (Arg) de Elliot Stage
Otra Orilla (Arg) de Lucía Orlando



JURADOS

Largometrajes Ficción en Competencia
Fernando Spiner (Arg)
Juan Martín Hsu (Arg)
Lorena Muñoz (Arg)
Natalia Smirnoff (Arg)
Tana Schembori (Par)

Largometrajes Documentales en Competencia
Andrés Tambornino (Arg)
Catalina Vergara Arthur (Chi)
Hugo Castro Fau (Arg)
Juan Guillermo Ramírez Gómez (Col)
Maximiliano González (Arg)

Cortometrajes Internacionales en Competencia
Belén Bianco (Arg)
Guillermo Rovira (Arg)
Joao Fleck (Br)

Cortometrajes Regionales en Competencia
Natacha Valerga (Arg)
Nicanor Loreti (Arg)
Oriana Castro (Arg)


Acerca del festival
El Festival Internacional de Cine de las Tres Fronteras surge del trabajo en conjunto de varios actores sociales que se convocan para poner de manifiesto la riqueza cultural de la región fronteriza a través del arte cinematográfico. La primera edición realizada en el 2014 tuvo más de 70 proyecciones y 10 mil espectadores, lo que constituye un hito para las acciones culturales planteadas en el norte del país. Este éxito inesperado hasta para los organizadores, abrió el camino para que hoy Iguazú cuente con su primera sala de Cine en más de 40 años: la Sala INCAA Iguazú emplazada en el Ente de Turismo de Iguazú (ITUREM).
Auspiciado por el Gobierno de Misiones, el Festival 3F se suma a la variada oferta cultural que la provincia viene implementando para complementar sus atractivos naturales y mostrar al mundo la potencialidad de su cultura y su rasgo más valioso: la calidad de su gente.
El festival tiene por objetivo reunir a realizadores latinoamericanos para re construir la identidad regional, con el desafío de mostrar sus trabajos y ponerlos en debate en salas alternativas y con público virgen en el marco imponente de la selva.
Este sueño de llevar el cine al extremo del país no tendría sentido sin el apoyo y la participación de los iguazuceños, que en familia, en pareja y con amigos recuperan la ceremonia de "ir al cine", de encontrarse a compartir historias y tener una herramienta más para seguir construyendo la historia de Iguazú, de Misiones y de la región de las Tres Fronteras.

Llega la segunda edición del Festival de Cine Venezolano de Buenos Aires 2016 Del 3 al 9 de noviembre de 2016 en Hoyts Cinemas Abasto




El Festival de Cine Venezolano de Buenos Aires (FECIVE 2016), celebra su segunda edición del 3 al 9 de noviembre en Cines Hoyts Abasto. A casi un año de su exitosa primera edición, la cual convocó a 1500 espectadores, se siguen sumando esfuerzos para la exhibición y difusión de lo mejor del cine Venezolano en Argentina.

FECIVE vuelve a traer al país los mejores exponentes del cine venezolano de los últimos años. La selección de 8 largometrajes fue curada en función de la alta factura de las obras y buscandoo abarcar diversidad de temáticas, géneros y estilos.

Durante la semana del festival, una delegación compuesta por varios de los directores, productores, actores y actrices de las películas participantes estará presente para intercambiar ideas

con la audiencia, acompañados por personalidades del mundo cinematográfico y cultural argentino.

Una vez más, el festival cuenta con el apoyo de importantes patrocinantes institucionales y comerciales, ampliando su radio de acción con diversas actividades culturales, como talleres conversatorios, muestras gastronómicas y fiestas con la sazón del país caribeño.

Entre las novedades para 2016, está la incorporación de un jurado local formado por destacadas personalidades del ámbito cinematográfico y cultural argentino, encargado de premiar las mejores películas del certamen (corto y largo), logrando legitimar el festival entre el público y gremio local, y agregándole el prestigio de ser un certamen competitivo.

Otro logro de la organización es la creación de FECIVE Santiago, evento que tendrá su primera edición del 17 al 20 de noviembre en la Cineteca Nacional de la capital chilena, tan sólo cuatro días después de finalizada la edición de Buenos Aires. En ambos países, los espectadores tendrán la responsabilidad de elegir su obra favorita a través del Premio del Público



Programación y venta anticipada de entradas a partir del 10 de octubre en fecive.com y hoyts.com.ar



Acerca de FECIVE.
Es una iniciativa independiente desarrollada por un colectivo de cineastas, productores, artistas y profesionales de distintas nacionalidades, que busca reflejar a través del cine un espíritu de diversidad e integración cultural.




Nota del director de FECIVE:




"Venezuela es un país sumamente diverso desde todo punto de vista y su cine es un fiel reflejo de ello. Hoy en día se exploran infinidad de propuestas y géneros, y la misión de FECIVE como festival es dar a conocer ese abanico de miradas en el exterior.
FECIVE habla a través de sus películas, las cuales son sumamente distintas en cuanto a temáticas e ideologías, siendo un crisol que representa la diversidad del venezolano. Este espíritu de integración cultural parte desde nuestro propio equipo de trabajo, el cual es un fiel reflejo de un evento que se enmarca en la diversidad y la tolerancia. Pensamos que el trabajo colaborativo, donde todos tengamos voz, es lo que permite llegar a construir grandes cosas.
Si una imagen vale más que mil palabras, y una película vale más que mil imágenes, nuestra invitación a todo aquel en Buenos Aires que quiera saber más de Venezuela no puede ser otra que #venaconocernos".



Gastón Goldmann




DANZA/TEATRO: "SOLA" de Ana Azcurra. Sábados 23:00 hs. en El Galpón de Guevara



Desde el 3 de Septiembre podrá verse “Sola”, la nueva creación de Ana Azcurra, en El Galpón de Guevara (Guevara 326). Todos los sábados a las 23:00 hs.

"Sola", la nueva obra de danza teatro de Ana Az​c​urra, creadora de "Hembra", obra con la cual realizó numerosas temporadas a sala llena. Con las intérpretes Mariana Conci, Sol Gilgorri, Marina Cachan y Pilar De Santadina, esta propuesta que cruza la danza y lo dramático no te dejará impasible.
Desde el sábado 3 de septiembre, todos los sábados a las 23:00 hs. en El galpón de Guevara(Guevara 326).



De Ana Azcurra


SOLA es el tránsito que las despierta, en asumirse siendo quienes son de verdad.
SOLA se vive. “Nadie más que vos está dentro tuyo, vive tu aire, respira tu ritmo, mira su propia escena. SOS VOS: TODO LO QUE TENÉS, entonces QUÉ TENÉS, QUÉ ELEGÍS, QUIÉN SOS”
“Cuando no te queda otro camino que tomar el PROPIO- Cuando no podés escaparte más de vos mismo. Cuando llegó la hora. Cuando podés enterrarte íntegra para nacer desde otro espacio.
Cuando te podés desvestir, desarmar, revelar, no saber, no esperar, no entender y aún así respirar y creer. Una nueva mirada. Un nuevo enfoque.”


Sinopsis:

"Sola" habla de un tránsito en la vida de las personas en el que se abren preguntas cuando habíamos creído encontrar las respuestas. Desata verdades. Acciona los miedos. Ya no quedan escondites donde refugiarse sino aparecer viéndolo todo, sin maquillaje.
"Sola" las enfrenta a cada una: Sofia, Rypka, Emma y Olivia con su propia historia. Con sus propias niñas, ausencias, temores, huellas, exigencias, miedos. Enterrarse a sí mismas sería la solución para nacer desde otra mirada. ¿Podrán romper lo tan prolijamente han armado? ¿Podrán salir a la luz?
Bajo una mirada escondida de cada una. Bajo la sombra de lo que creen ser. Bajo el miedo de sentirse débiles ante el mundo sin poder accionar. Aparece una pausa. Una quietud. Un enfrentamiento. Esa pelea, ese movimiento desatará una nueva mirada.

Agenda:

Estreno: 3 de Septiembre 23:00 hs.
Teatro: El Galpón de Guevara (Guevara 326, CABA)
Teléfono: 4554-9877
Funciones: Sábados 23:00 hs.
Entradas Anticipadas: En Alternativa Teatral
Entrada: $150-.
Duración: 60 min.

Ficha técnico/ artística

Intérpretes: Sol Gilgorri, Mariana Conci, Pilar de Santadina, Marina Cachan.
Montaje Coreográfico: Carola Diehl, Julieta Sciancalepore, Ana Azcurra.
Música: Wim Mertens, Rene Aubry, Tremor, Sigur Ros, Cesar Benito.
Edición Músical: Abel Zamudio
Cantante/ Voz: Lila Frascara
Diseño de luces: Leandro Fretes, Silvia Otero
Stage Manager: Iñaki Aguirre
Diseño gráfico: Ignacio Igounet
Vestuario: Paula Mérida
Escenografía: Lucila Rojo
Fotografía: Florencia Trincheri
Producción Ejecutiva: Germán García, Luciana Sanz
Producción General: Ana Azcurra, Germán García
Prensa: Octavia Comunicación
Idea y Dirección: Ana Azcurra

Sobre la directora: Ana Azcurra
Comienza su carrera de bailarina profesional a los 19 años en la compañía de danza de Eleonora Cassano.
Su formación abarca desde la disciplina danza (clásica, contemporánea, jazz, contact, partenaire) hasta disciplinas escénicas como clown, teatro físico y actuación, marcando en ella una apertura hacia un propio lenguaje. En el año 2011 crea su primera obra de danza teatro titulada “HEMBRA” que estrenó en EL CAMARIN de LAS MUSAS. Con la misma trabajó a sala llena en sus únicas 9 funciones. En el 2012 y 2013 repuso HEMBRA y realizó ciclos enteros en el Teatro EL CUBO recibiendo una importante convocatoria del público, medios de prensa y repercusiones.
En el año 2013 convocada por Andy Inchausti (Director de La Bomba del Tiempo) toma forma un proyecto de fusionar percusión y DANZA, con el grupo BEAUTIFUL TRASH (música de Bjork en ensamble de percusión, dirigido y creado por Inchausti) realizando funciones en el CENTRO CULTURAL KONEX, luego en NICETO CLUB y TECNOPOLIS, bajo el marco del Festival de Internacional Percusión TOQUE. (2014 / 2015).
Paralelo a esa experiencia Ana y Andy comienzan a dictar seminarios fusionando danza más música en vivo. En el año 2015 se realiza el montaje de LOCA, primer corte de difusión del disco solista de Andy Inchausti “SPIRITUAL PORNO” Ana se encarga de la dirección coreográfica del video. Filmado y producido por VASCO FILMS. En el año 2013 forma parte también, de su primer largometraje como Directora Coreográfica en la película "Los dioses del Agua" del Director Pablo Cesar. Realiza el entrenamiento físico y montaje coreográfico a CHARO BOGARIN (Actriz protagónica del film /cantante principal de TONOLEC) y varias escenas de la película. En el año 2015 se estrena en el Teatro METROPOLITAN: EL CRUCE, obra de teatro con intervenciones danzadas. Ana Azcurra se encarga de la dirección coreográfica, bajo la dirección general de Guillermo Hermida.Entre las obras musicales que participó como bailarina y asistente de coreografía figuran: Pinti canta las 40 y El Maipo cumple 90 (Teatro Maipo); Fiebre de Sábado por la Noche (Teatro Nacional); El Principito (Teatro Opera); Pinocho (Teatro Nacional); Latin Dance Carnival (Gira Internacional JAPON ); Aladín…será genial (Teatro Opera); El Varieté del Farabute (Ganador PREMIOS CLARIN); Disney Company (Gira Uruguay- Montevideo); Mal de Mar , entre otras.
Trabajó en innumerables programas de TV: Susana Giménez; Show Match; High School Musical; Operación Triunfo; Sol Negro; Machetes; Por Más ; entre otros, como Asistente coreográfica y bailarina.
Ana abre las puertas (en febrero del 2015, junto con su socia y colega Pilar de Santadina) de: PISA LO PROPIO: estudio de danza y artes múltiples ubicado en el corazón de Palermo. Un espacio con identidad propia donde se gestan infinitas clases y seminarios para formar alumnos y gente interesada en transformar y modificarse, a través de la danza.

El Centro Cultural 25 de Mayo abre la convocatoria a los vecinos de Villa Urquiza a postular sus hogares para las funciones de El 25 va a tu casa/Teatro en casa de vecinos- Edición I



El Centro Cultural 25 de Mayo, dependiente del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, convoca a los vecinos de Villa Urquiza que quieran ofrecer su domicilio para formar parte de El 25 va a tu casa.

El 25 va a tu casa es un proyecto que propone acercar el teatro a la casa de los vecinos para vivenciar la experiencia de transformar un espacio no convencional en un espacio escénico.
Los dueños de las casas seleccionadas podrán invitar, por una tarde, a sus vecinos, familiares y/ o amigos a compartir un espectáculo de calidad y gratuito.

El espectáculo a presentarse es una obra original creado para esta ocasión bajo la dirección artística de Nelson Valente para un elenco surgido de una convocatoria abierta y actores/actrices y artistas invitados/as. Las funciones se realizarán los días sabados y domingos a las 18 hs. desde el 19 de noviembre al 11 de diciembre de 2016.

Hasta el 7 de noviembre, los vecinos de Villa Urquiza tienen tiempo de presentarse a la convocatoria para participar.

Sobre El 25 va a tu casa

El 25 va a tu casa es una iniciativa que busca fortalecer el vínculo existente entre la comunidad barrial de Villa Urquiza y el CC 25 de Mayo; entendiendo al Centro Cultural como un foco de cultura que va al encuentro de los diferentes públicos del barrio y la ciudad.

Presentación de REVISTA DE CINE 3. En librería LA GRADISCA.

Presentación de REVISTA DE CINE 3.


Se trata del tercer número de esta publicación sobre cine y desde el cine, que se viene realizando desde 2014, con mucho amor y dedicación.



En esta oportunidad, podrán encontrar artículos de David Oubiña, Malena Solarz, Hernán Roselli, Rafael Filippelli, Rodrigo Moreno, Nicolás Zukerfeld, Hernán Hevia, Mariano Llinás, Juan Villegas, Hernán Musaluppi, Sergio Wolf, Beatriz Sarlo y Marina Califano. Y se incluyen traducciones de textos de Jerrry Lewis y Jean-Luc Godard.



La presentación estará a cargo de Alan Pauls y Juan Francisco Gacitúa. Y podremos disfrutar unas copas de vino, gentileza de la bodega TIERRA MAYOR.


La revista se puede encontrar en las siguientes librerías de Buenos Aires:



Alamut Libros (Jorge Luis Borges 1985)

Borges 1975 (Jorge Luis Borges 1975)
Guadalquivir ( Av. Callao 1012)
Librería Norte (Av. Gral. Las Heras 2225)
La Gradisca (Dr. José Modesto Giuffra 339)
Clásica y moderna-librería- (Av. Callao 892)
Arcadia Libros ( Marcelo T. de Alvear 1548)
Nueva librería (Estados Unidos 301)

Y que pronto se sumarán otras, así como de otras ciudades del país. Por supuesto, también será posible adquirirla en la noche de la presentación.




REVISTA DE CINE

Comité de dirección: Rafael Filippelli, Hernán Hevia, Mariano Llinás, Rodrigo Moreno, David Oubiña, Juan Villegas, Sergio Wolf.


Viernes 4 de noviembre, a las 19hs, en la librería LA GRADISCA, Pasaje Giuffra 339, CABA.

Programación Noviembre y Diciembre en la Sala & Estudio EL OJO.






El Angel Caído




Hasta el 25 de noviembre (inclusive) todos los viernes a las 22 hs. se realizarán las ULTIMAS FUNCIONES de “El Angel Caído”, nueva propuesta con dramaturgia y dirección de Luis Agustoni, interpretada por Fernando Ricco, Gastón Padovan y Luis Agustoni. Entrada $180.- (Estudiantes y Jubilados $130.-)

Sinopsis // Una comedia fantástica, inicialmente designada por su autor como farsa metafísica. Está inspirada por el teatro callejero medieval, que a veces presentaba las historias de la fe en forma de parodia, haciendo reír con cuestiones muy serias. Nos muestra a Dios de viaje por la tierra, observando el espectáculo de la vida humana, acompañado por un asistente angelical que no se adapta bien al mal humor, las contradicciones, los exabruptos y las absurdas ocurrencias de su jefe celestial; un ángel destinado a ser espíritu rebelde y a la vez defensor de la razón. Los dos personajes presencian batallas, tiranías y catástrofes, en cómicas deliberaciones sobre el destino, la justicia divina, la batalla continua entre el bien y el mal, manteniendo un pacto de enemistad con mutua simpatía y humorística competencia. El humor disparatado, la risa sutil, y la ironía general del destino humano acompañan todo el transcurso de la acción.

Ficha Técnica: Autor: Luis Agustoni; Intérpretes: Fernando Ricco, Gastón Padovan y Luis Agustoni; Asistencia de Dirección: Gloria Arscott; Escenografía y Vestuario: Nadia Casaux; Iluminación: Diego Gómez Leite; Diseño y Fotos: Santiago Rapela; Producción Ejecutiva: Teatro El Ojo: Dirección: Luis Agustoni







El Protagonista

Hasta el 2 de diciembre (inclusive) todos los viernes a las 20 hs. se realizarán las ULTIMAS FUNCIONES de “El Protagonista”, espectáculo con texto y dirección de Luis Agustoni, protagonizado por Santiago Rapela, Valeria Atienza, Nuria Frederick, Fernando Ricco, Gastón Padovan y Teresa Solana. Entrada $180.- (Estudiantes y Jubilados $130)

Nueva comedia dramática, con personajes atractivos, situaciones interesantes, un diálogo ingenioso, y una combinación de melancolía comprensiva e ironía en la contemplación de la insensatez humana.



Sinopsis/ El carácter ambivalente de un exitoso actor, cuyos vínculos familiares y amorosos se basan en una afirmación personal de identidad y poder. Obtiene su dominio sobre los otros con una seducción hecha de manipulación y artificio, creando ilusiones y expectativas que cautivan la voluntad de sus víctimas. Un mujeriego que, llegando a la madurez, comienza a percibir la congoja y el dolor que ha causado a lo largo de su vida. Un artista potente, agotado de tanto fingir. La soledad se le devela, entonces, como la única solución posible frente a la complejidad de sus problemáticas y el mejor camino al conocimiento de sí mismo. Todo acontece en su camarín, durante una representación de Don Juan. En los cambios sucesivos de vestuario, atraviesa las difíciles situaciones de sus vínculos; invadiendo su territorio artístico y sobrecargando su trabajo creativo con problemas filiares, conflictos sentimentales y encuentros violentos. Al final de la noche, su vida ha cambiado para siempre.



Ficha Técnica: Texto: Luis Agustoni; Intérpretes: Santiago Rapela, Valeria Atienza, Nuria Frederick, Fernando Ricco, Gastón Padovan y Teresa Solana; Asistencia de Dirección: Gloria Arscott; Escenografía y Vestuario: Nadia Casaux; Iluminación: Diego Gómez Leite; Sonido: Ana Cora; Diseño y Fotos: Santiago Rapela; Producción Ejecutiva: Ezequiel Paredes; Dirección: Luis Agustoni; Duración del Espectáculo: 70 minutos







Claveles Rojos


Hasta el domingo 11 de diciembre (inclusive), todos los sábados a las 18 y a las 20 hs., junto con los domingos a las 18 hs. se realizarán las ULTIMAS FUNCIONES (en su Sexta Temporada) de “Claveles Rojos”, espectáculo con dramaturgia y dirección de Luis Agustoni, protagonizado por María De Pablo Pardo, Santiago Rapela, Flavia Canitano, Fernando Ricco, Constanza Fossatti, Ivana Cur, Yamila Mayo, Gastón Padovan, Pablo Contartese, Christian Bellomo y Teresa Solana. Entradas $180.- (Estudiantes y Jubilados $130.-)

Sinopsis// Drama testimonial basado en una historia real. Una familia tradicional, movida por siniestros intereses económicos, inicia juicio contra una de sus integrantes intentando declararla incapaz por insuficiencia mental. La joven, pese a sus limitaciones, es defendida por un abogado combativo, quien pone en cuestión el concepto mismo de normalidad, criterio esencial de la saludable vida humana. Obra controversial, de tensa discusión y sólidos argumentos, que a la vez devela las inconductas familiares y sociales del poder económico, junto con las contradicciones del sistema judicial, tanto en la esfera pública como en la privada. El humor, la emoción, y la pintura de los caracteres acompañan todo el transcurso de la acción.



Ficha Técnica: Autor: Luis Agustoni; Intérpretes: María De Pablo Pardo, Santiago Rapela, Flavia Canitano, Fernando Ricco, Constanza Fossatti, Ivana Cur, Yamila Mayo, Christian Bellomo, Gastón Padovan, Pablo Contartese y Teresa Solana; Asistencia de Dirección: Santiago Rapela; Escenografía y Vestuario: Nadia Casaux; Iluminación: Diego Gómez Leite; Diseño y Fotos: Santiago Rapela; Producción Ejecutiva: Teatro El Ojo; Dirección: Luis Agustoni







Cita a Ciegas


Hasta el domingo 27 de noviembre (inclusive) todos los sábados a las 22 y los domingos a las 20 hs. se realizarán las ULTIMAS FUNCIONES (en su Tercer Temporada) del multipremiado espectáculo “Cita a Ciegas”, de Mario Diament, protagonizada por Luis Agustoni, Alejandra González, Silvia Kanter, Nina Spinetta y Aldo Pastur, con dirección de Luis Agustoni. Entradas $180.- (Estudiantes y Jubilados $130.-)



Sinopsis // En un banco de la Plaza San Martín, un escritor ciego de afable actitud y profunda inteligencia, quien nos recuerda a Jorge Luis Borges, traba conversación con diferentes personajes ocasionales. Por un azar misterioso, las confidencias que recibe se entrelazan en una trama de encuentros y desencuentros, pasiones y pérdidas, amores y tragedias. Mario Diament dibuja un entrelazado de los destinos con las cualidades inquietantes propias del devenir humano: la aparente predestinación de los sucesos, la enigmática lógica de las casualidades, junto con el peso inimaginable de las decisiones fundamentales a lo largo de la vida. La fascinante posibilidad, sugerida por ciertas teorías científicas actuales, de que todo lo que tiene que suceder, sucede en alguna dimensión del universo. Dice el autor: “No estoy necesariamente convencido de que sea cierto, pero siempre es alentador imaginarlo”.



Cita a Ciegas se estrenó en París, Nueva York, Miami, Dallas. Tucson, Budapest, Sydney, Washington, Estocolmo, México, Caracas, Lima, Santiago de Chile, Panamá, Montevideo y Bogotá. Obtuvo el Premio ACE de Nueva York y de México, el Curtain Up de Miami y el María Guerrero de Buenos Aires.



Ficha Técnica: Autor: Mario Diament; Intérpretes: Luis Agustoni, Alejandra González, Silvia Kanter, Nina Spinetta y Aldo Pastur; Asistencia de Dirección: Gloria Arscott; Escenografía: La Menesunda; Vestuario: Gloria Arscott; Iluminación: Diego López Leite; Sonido: Ana Cora; Diseño y Fotos: Santiago Rapela; Música: Sergio Vainikoff; Producción Ejecutiva: Gloria Arscott; Dirección: Luis Agustoni




Sobre el Teatro El Ojo
// Los espectáculos presentados en el teatro desde 1990, año de su inauguración, fueron "Hamlet", de William Shakespeare, "El Fantasma", de Luis Agustoni, adaptación de "El Fantasma de Canterville", de Oscar Wilde, "Don Juan" de Molière, “Antígona”, de Sófocles, “La Gaviota”, de Anton Chéjov, "Nuestra Suma" de David Stevens, "La casa del Lago", de Adriana Tursi, "Los Ojos del Día" (Premio Argentores), "Mal Mal", "Alan y el león", “Sombras en la Mente”, “Tiempo de Partir”, con texto y protagonizada por Luis Agustoni, dirigid por Sebastián Bauzá y los espectáculos del Grupo Sinapsis, tales como “Conciliación”, “La Ley del Talión”, “Un cambio de mundos”, “Fabulario”, “Quiero hablar”, “Pacto con el Diablo”, “Piel de Seda”, Veneno”, “Claveles Rojos”, “Los Pájaros Veloces”, “Quiénes somos” y “Sueño despierto”, “Mensajes del Destino”, “Sin Fronteras”, “Irse Lejos” y “Pabellón Vip”, todos con texto de Luis Agustoni

Teatro El Ojo falta Tiempo de Partir y dentro del grupo Sinapsis, Mensaje del Destino, Sin Fronteras, Irse Lejos y Pabellón Vip

Sobre Luis Agustoni // Director, actor, dramaturgo y maestro de teatro. Aparte de su tarea constante en el Teatro El Ojo, sus creaciones más conocidas son sus obras "El Protagonista" y "Los Lobos", que escribió y dirigió, obteniendo gran éxito de público y numerosos premios, entre ellos el Molière, Argentores y el Ace, como también estrenos y temporadas en México, Chile, Uruguay, Brasil, Perú, Colombia, Venezuela y Estados Unidos. Fue el adaptador y director de "Brujas", el éxito histórico del teatro nacional con trece años en cartel, y también puso en escena muchos espectáculos en el teatro profesional, entre los que se destacaron: "El Último de los Amantes Ardientes", "La Cena de los Tontos" y "Loca". Encara su tarea con versatilidad; en su espacio teatral El Ojo, donde funciona su Estudio de Formación Actoral y desarrolla su trabajo como actor. Dirigió e interpretó clásicos de todos los tiempos junto a un repertorio de obras contemporáneas. Ha escrito para Pol-ka la miniserie "El Hombre", y paralelamente a su actividad creadora enseña con regularidad Actuación, Dirección y Dramaturgia. En este momento presenta con un éxito de cuatro años su obra Claveles Rojos, y actúa y dirige la multipremiada “Cita a Ciegas” de Mario Diament, en su tercer temporada.


ASTERISCO FESTIVAL INERNACIONAL DE CINE LGBTIQ EN EL ROJAS



Asterisco es un festival internacional de cine sobre diversidad sexual que viene a celebrar las diversas y múltiples maneras de ser, de amar y de estar en el mundo; de relacionarse y formar familias, de convivir en equidad y respeto por las diferencias. Asterisco surge como una iniciativa del poder público como una forma de prolongar al campo cultural y simbólico las batallas que ya se han ganado en el terreno político con la promulgación de las leyes de Matrimonio Igualitario, Identidad de Género y Fertilización Universal Asistida, leyes que son vanguardia en el mundo entero. Asterisco, nombre del festival, es una declaración de principios: el * es una forma de incluir en el lenguaje a la diversidad, el uso del * para evitar las marcas de género es una estrategia que busca la inclusión de todas las identidades. Asterisco será un lugar de encuentro, de comunión festiva, de intercambio intenso entre cineastas, público y militantes y sobre todo será la posibilidad de abrir un carril audiovisual para representar deseos colectivos, sexuales, sensuales y sociales, que puedan incluir intelectual y sensorialmente a toda la sociedad. Parte de la programación del festival se desarrollará en el Centro Cultural Rector Ricardo Rojas, con proyecciones en el Cosmos UBA y actividades paralelas en la sala Batato Barea.



Más info: www.festivalasterisco.gob.ar



PROGRAMACIÓN EN EL ROJAS



Por ese palpitar. Canciones para un deseo mutable

Presentación de libro con bandas en vivo



Sábado 5 | 21hs

Sala Batato Barea – Av. Corrientes 2038

Entrada gratuita



Compilación de 25 canciones argentinas sobre diversidad sexual y de género, editado por el Ministerio de Cultura de la Nación, el Instituto Nacional de la Música (Inamu) y Asterisco.

Con bandas en vivo (Karen Bennett, Sentime Dominga, Paula Trama, Chocolate remix…)




PROGRAMACIÓN EN EL COSMOS



Instalación de Roberto Jacoby y Alejandro Ros

18 a 00 hs. Sala 2 del Cosmos UBA/Av Corrientes 2046

Entrada gratuita

Durante todo el festival






GRILLA AUDIOVISUAL EN EL COSMOS/UBA





Martes 1

Ref: D: Director / G: Guión / F: Fotografía / E: Edición / S: Sonido / M: Música / P: Productor / CP: Co-productor / I: Intérpretes



16hs | CORTOS BRITISH COUNCIL

Programa British Council - FiveFilms4Freedom 2016


Presentado por el British Film Council, FiveFilms4Freedom (Cinco Películas Para La Libertad) es la primera y más grande celebración digital del cine LGBT. Entre el 16 y el 27 de marzo de 2016 FiveFilms4Freedom exhibió cinco cortometrajes del festival gratis online. El alcance total del festival fue de más de 140 millones de personas, con más de un millón y medio de reproducciones de los cortos. Entre los países donde los films tuvieron más público se encuentran Emiratos Árabes Unidos, México, Tailandia, Arabia Saudita, Países Bajos y Alemania, e incluso hubo participaciones desde países mucho más pequeños como Ruanda, Guinea Ecuatorial o las Maldivas. De comunidades viajeras a sombreros de Pascua, pasando por la maravilla de crecer, las cinco películas muestran un rango de historias conmovedoras sobre la vida lgbt contemporánea en países tan diversos como Brasil, Irlanda, España, Filipinas y el Reino Unido. Son historias prolijas, duras, divertidas, tristes e inspiradoras, cada una con su propia voz.

Breathe / Respira

[Reino Unido / Irlanda, 14’]

Un viajero irlandés está cada vez más preocupado porque su hijo sea “suavecito”, así que se dispone a volverlo más duro.

D: James Doherty

Swirl / Remolino

[Filipinas, 4’]

Dos chicas, jóvenes y enamoradas, se mueven en reversa a través de la ciudad, en este lírico cortometraje filipino.

D: Petersen Vargas

Take Your Partners / Toma tus socios

[Reino Unido, 14’]

La señorita Patterson espera que Ollie haga un sombrero de Pascua como todas las otras niñas. Pero Ollie no es como el resto.

D: Siri Rødnes

The Orchid / La orquídea

[España, 3’]

Un hombre tiene algo muy importante para decirle a su hijo, pero solo puede hacerlo a través de un mensaje en el contestador.

D: Ferran Navarro-Beltrán

Xavier
[Brasil, 14’]

Un padre se da cuenta de que su hijo de once años les está prestando mucha atención a chicos un poco más grandes.

D: Ricky Mastro



18hs | ANIMAL + TANGO QUEERIDO

Animal

[Argentina, 2016, 6’]

Un cuerpo, un ser vivo, un animal. Se mueve, se transforma, se queda quieto, respira. Se encuentra en una oscuridad profunda, en la que pareciera que todo es piel y sombras. Pero ese cuerpo tiene memoria, memoria de un mundo que hizo que sea. Todo lo que lo compone, todo lo que hace y todo lo que genera son reflejos de ese mundo.

Ficha técnica: D, F, E, S, P: Laura Arensburg. G: Laura Arensburg, Roberta Menzaghi. I: Roberta Menzaghi

Tango Queerido

[Argentina, 2016, 60’]

Que Magalí Saikin, Mariana Docampo y Augusto Balizano sean las figuras protagónicas del documental. Tango queerido no es casualidad. Acaso fue Saikin la que, por primera vez en 2004, interpeló a la mitología heteronormativa de la convención tanguera, en su libro Tango y género. Ahora, en la película de Furió, la argentina radicada en Alemania actualiza sus hipótesis y desenvuelve las líneas más atractivas del film. Mariana Docampo (escritora) y Augusto Balizano (diseñador gráfco y bailarín) suscriben reflexiones a partir de sus propias experiencias en el terreno de la milonga: desde 2007 ambos organizan el Festival Internacional de Tango Queer en la Ciudad de Buenos Aires. Recogiendo testimonios en milongas de todo el mundo, Tango queerido conjetura que el sistema de prescripciones y regulaciones sobre el género también se expresa en la especificidad coreográfica del tango, que los espacios queer llaman a reinventar. Qué importa quién conduce a quién. Si con tacos altos o con zapatos acordonados. Si con pollerita o bermudas. Al fin y al cabo, Tango queerido reivindica, ¿por qué no?, la módica circunstancia de esa danza como un espacio de cuerpos en libertad que merece ser conquistado.

Ficha técnica: D, G, F: Liliana Furió. E: Flavia Del Ducca. DA: Julie August. S: Mariano Agustín Fernández. M: Pablo Fraguela, Quinteto La Grela. P: Liliana Furió, Julie August. PE: Alberto Masliah. CP: Sombracine



20hs | Danieluv Svet

Daniel’s World / El mundo de Daniel [República Checa, 2014, 75’]

La voz en off, las conversaciones, la cámara que se detiene en un parque de diversiones, todo es calmo y reflexivo, sin histeria, tonos crispados o reacciones emotivas. Por eso el documental de la joven realizadora checa Veronika Lisková es tan perturbador: en general la pedofilia se menciona con tensión, gravedad y acusación. No es así en Daniel’s World. El Daniel del título es pedófilo y muy joven: 25 años, pelo larguísimo; estudia Letras, trabaja como obrero, escribe, prefiere a los menores de diez años. En su casa tiene murales con fotos de niños sonrientes. Daniel es el pedófilo ejemplar –la directora lo eligió después de entrevistar a unos veinte candidatos–, uno que sabe que nunca tendrá sexo. El consenso es imposible, dice. No consume pornografía ilegal: dice que le alcanzan sus fantasías. Daniel mira en Youtube cursis videos de chicos con música romántica, y es horrible verlos a través de sus ojos, es intolerable. Daniel pide tolerancia: se define como pedófilo gay, se reúne con otros pedófilos –uno lleva una remera que dice “regalo caramelos”–, les cuenta su parafilia a los padres del niño que ama. Y solicita, incluso en foros con público, que se lo acepte en la sociedad y se lo deje tener una amistad con un chico. Daniel es un hombre parado sobre una mina terrestre: solo puede satisfacer su deseo sexual con una violación. ¿Hasta cuándo podrá o querrá sostener su celibato? La película es desafiante en su racionalidad, a veces inaguantable y enloquecedora. Una fría caricia de horror.

Ficha técnica: D, G: Veronika Lišková. F: Braňo Pažitka. E: Hedvika Hansalová. DA: David Böhm. S, M: Jan Richtr. P: Zdeněk Holý, Jana Brožková. PE: Lukáš Borovička, Lucie Zvěřinová. CP: Vernes Czech TV



22hs | The Cult of JT Leroy

El culto a JT Leroy [Estados Unidos, 2015, 91’]

Había una vez en Estados Unidos un ambiente literario aburrido y monótono en el que de un día para otro hizo su aparición un joven rubio, andrógino, que maravillaba a todos y todas con sus textos viscerales y una historia de vida increíble. No solo el mundo de las letras cayó a sus pies, sino también el del cine, el de la música; todos querían una foto con JT Leroy, ser parte de sus lecturas o de su vida. Pero claro, esa increíble historia lo era por una razón: resultó no ser todo lo que aparentaba. Marjorie Sturm, la directora de esta película, siguió desde sus comienzos este happening moderno y, con un asombroso acceso, material de archivo y entrevistas a sus protagonistas, reconstruye cómo fue que esa gran mentira rubia pudo convertirse en una realidad, vender miles de libros y llenar los titulares de las secciones de arte de los diarios de todo el mundo. Un cuento de hadas, una radiografía despiadada del mundo moderno, o simplemente la historia de una chica que se propuso lograr su objetivo sin detenerse frente a ningún tipo de límite u obstáculo.

Ficha técnica: D, P: Marjorie Sturm. F: Peggy Peralta. E: Josh Melrod. S: Dave Nelson. M: Ernesto Diaz-Infante. PE: Andrew Anker, Renee Anker, William Hirsch. CP: Purplemaze Productions. I: Stephen Beachy, Geoffrey Knoop, Dennis Cooper, Ira Silverberg, Bruce Benderson, Jeffrey Kusama-Hinte.




Miércoles 2

14.30hs| International Sweethearts of Rhythm

Las bonitas internacionales del ritmo. [Estados Unidos,1986, 30’]

De la escuela Piney Woods al delta del Misisipi y al teatro Apollo de Harlem, Nueva York, esta rítmica película musical cuenta la historia de una banda multirracial de jazz de los años 40 compuesta por mujeres. Las Sweethearts eran una banda de 16 integrantes con una poderosa sección de vientos y de percusión y un gran sentido del ritmo, y no eran sólo una novedad: se trataba de muchas de las mejores músicas de la época. Entre ellas, Anna Mae Winburn, Ernestine “Tiny” Davis, Vi Burnside, Roz Cron, Evelyn McGee Stone, Helen Jones, Helen Saine y Pauline Brady, sobre la cual el legendario baterista Panama Francis decía: “¡Tocaba la batería como un hombre!”.

Ficha técnica: D, G, P: Greta Schiller, Andrea Weiss F, E: Greta Schiller CP: Jezebel Productions,Rosetta Records, Sweethearts Project



16hs | Le Dernier voyage de Madame Phung

Madam Phung’s Last Journey / El último viaje de Madame Phung [Vietnam / Francia, 2014, 87’]

Entre la punzante aspereza de los caminos de tierra que dibujan el mapa de un conjunto de ciudades vietnamitas obligadas al olvido, se abre paso una máquina viva de producción fantasiosa. Es un artefacto comunitario de ensueño con el que un grupo de artistas travestis y cross logran enredar la lengua del exterminio con el que son pronunciadas sus existencias, para gestionar una economía cooperativa de supervivencia sobre la base de la insurgencia de lo bello. Le Dernier voyage de Madame Phung, de Tham Nguyen Thi, funciona como una crónica visual de aquel ímpetu salvaje de resistencia deseante que nace de forma desesperada y se atreve a desobedecer toda intemperie que prometa silencio y precariedad, todo efecto de clausura a la multiplicable experiencia del cuerpo y del nombre propio. Una historia que logra hacer vibrar la violencia ansiosa de la norma sexo-genérica, esa fábrica global del temor adoctrinador, mediante el ejercicio de una política afectiva de la fantasía que construye una ética del cuidado junto a la risueña experiencia del carnaval, y golpea las gélidas ficciones del destino con la suave revolución de una canción.

Ficha técnica: D: Tham Nguyen Thi



18hs | Mujeres frente al espejo

Women in the Mirror [Ecuador, 2015, 15’]

Un grupo de artistas transformistas denominado Las 4D y la Prima relatan su vida en el escenario y lo que sucede cuando se apagan las luces y se quitan el vestuario y el maquillaje. Ellxs cuentan sus vivencias, sus sueños, sus anécdotas, y cómo formaron una familia a través de este arte. Destiny (Gledys), Drastika (Jhon), Naomi (Darwin), Dakira (Xavier) y Kosakura (Ángel) cuentan cómo el arte del transformismo ha cambiado su vida y cómo han sufrido discriminación por su sexualidad. Además nos muestran que a través del arte se expresan, se viven y se cumplen sueños.

Ficha técnica D, G: Jorge Vega Reyes. E: Renán Paredes, Juan Carlos Chávez, Jorge Vega Reyes. DA: Karla Palacios. S: Juan Carlos Chávez. M: Estefanía Vilca, Grace Chanataxi. P: Mariela Vivar, Marilyn Peñafiel. CP: Lunáticos Producciones. I: Destiny, Drastika, Naomi, Dakira, Kosakura



18hs | Al di là dello specchio

Del otro lado del espejo [Italia, 2015, 54’]

Mientras se preparan para un espectáculo de transformismo, un grupo de mujeres italianas reflexionan directa e indirectamente sobre lo que significa ser hombre y lo que significa ser mujer. Por medio de entrevistas, diálogos entre las protagonistas y ejercicios físicos, la película expone y desarma lo que rodea a ciertos estereotipos: no solo sobre las mujeres lesbianas, lo masculino y lo femenino, sino también sobre las mujeres que hacen transformismo para comportarse y verse como un varón. La preparación para el show implica una ardua tarea de ensayos y pruebas: cómo caminar, de qué manera pararse, qué hacer con las manos, cómo esconder los pechos, etcétera. Una serie de características y acciones que pueden parecer superficiales pero que son las que arman una práctica de construcción de identidad, de adentro hacia afuera y de afuera hacia adentro, para alimentar la ilusión, brindar certezas y satisfacer la necesidad del ser humano de ser otro al menos por un rato.

Ficha técnica: D, G, F, E: Cecilia Grasso. S: Alessandro Quaglio, Marco Falloni. M: Chris Zabriskye. P: CSC Production. PE: Elisabetta Bruscolini. CP: CSC Production I: Eyes Wild Drag



20hs | Two Soft Things, Two Hard Things

Dos cosas blandas, dos cosas duras [Canadá, 2016, 71’]

No hay caminos que lleguen al territorio canadiense de Nunavut. Solo se puede llegar a cada una de las 28 comunidades de la región ártica oriental de Canadá por aire, y allí es donde viajaron los dos directores, intrigados por una importante celebración del Orgullo lgbtiq en ese pueblo. Este reflexivo documental observa los desafíos a los que se enfrenta el colectivo lgbtiq inuit y la manera en que una nueva generación está forjando una sociedad más inclusiva. El colonialismo y el cristianismo han desmantelado las estructuras familiares de los inuit, y les enseñaron que la manera en que vivían y pensaban era barbárica y blasfema. El modo de vida de una cultura entera, sus estructuras familiares, su espiritualidad y sus prácticas sexuales fueron eficazmente silenciadas y borradas en solo una generación. Esa pérdida de identidad cultural y esa vergüenza persisten hasta el día de hoy, y esa es la razón por la que un evento del Orgullo es todo menos simple en una comunidad como la de Iqaluit. Pero parece que muy pronto esto va a cambiar: activistas, artistas, políticos y jóvenes están haciendo lo posible para “sacar de la vergüenza” ese pasado. Según los realizadores, lo que comenzó como la celebración del Orgullo lgbtiq por parte de una comunidad se convirtió rápidamente en una discusión profunda y llena de matices acerca de los programas coloniales de los gobiernos, las misiones cristianas, la cultura inuit, el lenguaje y la pérdida de la identidad cultural.

Ficha técnica: D, G, P: Mark Kenneth Woods, Michael Yerxa M: Iviok I: Jack Anawak, Alethea Arnaquq-Baril, Allison Brewer, Franco Buscemi, Miali Buscemi



22hs| Prog. 1 Comp Cortos




Jueves 3

14hs | Paris Was a Woman

París era una mujer [Reino Unido, 1997, 75’]

Se la conoce como la ciudad de la luz, el romance, el estilo, pero para tantas mujeres que se mudaron a París a partir del 1900 la ciudad representó algo más vital y menos estético: la posibilidad de tener vidas que no hubieran podido vivir en otra parte, de convertirse en ellas mismas en un ambiente donde los vecinos eran Picasso, James Joyce o Ernest Hemingway. Una aventura. En el documental de Andrea Weiss y Greta Schiller, Gertrude Stein y Alice B. Toklas se cruzan con Sylvia Beach y Adrienne Monnier (fundadoras de una legendaria librería parisina), con Josephine Baker, Djuna Barnes y Janet Flanner, como si fueran distintos puntos en un mapa que los escritores y académicos varones, que durante décadas escribieron la historia, no armaron jamás. Los salones literarios, los libros, las pinturas, las rivalidades, las influencias y el modo muchas veces secreto en que estas mujeres movieron la trama de la cultura parisina de la época. Todo está ahí, fascinante, con testimonios, fotos, audios de poemas leídos en voz alta y entrevistas que reconstruyen ese período de creación febril, quizás el primero en que las mujeres (muchas de las cuales eran novias o amantes) intervinieron en el mundo artístico, ya no como modelos o personajes de ficción, ni con seudónimos, ni ocultas de ninguna otra forma.

Ficha técnica: D: Greta Schiller G: Andrea Weiss F: Nurith Aviv, Greta Schiller, Renato Tonelli, Fawn Yacker E: Greta Schiller DA: Miles McKane, Zola Rubin S: Ronald Bailey, Curtis Choy, Barbara Zahm M: Janette Mason P: Greta Schiller, Andrea Weiss PE: Frances Berrigan I: Juliet Stevenson, Maureen All, Gillian Hanna, Margaret Robertson, Shari Benstock



16hs | Muestra Cortos 1



18hs | Escape to Life: The Erika and Klaus Mann Story

Escape a la vida: la historia de Erika y Klaus Mann [Reino Unido/Alemania, 2000, 85’]

Sin importar demasiado de quién eran hijos, este documental nos introduce en la niñez de los hermanos Mann para luego llevarnos al Berlín de la República de Weimar donde comienza a desarrollarse como escritor él, y como actriz y piloto de carreras ella. Aunque se hacían pasar por gemelos (tenían poco más de un año de diferencia), estos jóvenes, con Hitler en el poder, tuvieron que exiliarse y tratar de sobrevivir a la simbiótica relación que habían construido. Creativos, homosexuales, la supervivencia los llevó a distintas ciudades para seguir en la lucha. De los muchos escritos de Klaus, el más célebre es su Mephisto, llevado al cine en 1980 por István Szabó. Juntos de nuevo en Estados Unidos, los hermanos se convirtieron en figuras muy fuertes de la resistencia antinazi. Son muchos los soportes que los directores combinan: películas documentales y de ficción, fotografías, reportajes contemporáneos, escenas dramatizadas, y la voz de Vanessa y su hermano Corin Redgrave, que interpretan a los Mann, leyendo sus propios textos y memorias. En esta codirección, Andrea Weiss también colabora con Wieland Speck de manera simbiótica, ya que su proyecto inicial era sobre Erika y al director le interesaban los escritos de Klaus. Y, como al padre de los Mann tampoco le importaron mucho sus dos hijos mayores, este retrato casi le resta importancia al premio Nobel de Literatura, un tal Thomas.

Ficha técnica: D: Wieland Speck, Andrea Weiss. F: Nuala Campbell, Uli Fischer, Ann T. Rossetti. E: Prisca Swan, Andrea Weiss. M: John Eacott. P: Greta Schiller. I: Cora Frost, Albrecht Becker, Christoph Eichhorn, Michael Fegley, Corin Redgrave.



20hs| Danieluv Svet

Daniel’s World / El mundo de Daniel [República Checa, 2014, 75’]

La voz en off, las conversaciones, la cámara que se detiene en un parque de diversiones, todo es calmo y reflexivo, sin histeria, tonos crispados o reacciones emotivas. Por eso el documental de la joven realizadora checa Veronika Lisková es tan perturbador: en general la pedofilia se menciona con tensión, gravedad y acusación. No es así en Daniel’s World. El Daniel del título es pedófilo y muy joven: 25 años, pelo larguísimo; estudia Letras, trabaja como obrero, escribe, prefiere a los menores de diez años. En su casa tiene murales con fotos de niños sonrientes. Daniel es el pedófilo ejemplar –la directora lo eligió después de entrevistar a unos veinte candidatos–, uno que sabe que nunca tendrá sexo. El consenso es imposible, dice. No consume pornografía ilegal: dice que le alcanzan sus fantasías. Daniel mira en Youtube cursis videos de chicos con música romántica, y es horrible verlos a través de sus ojos, es intolerable. Daniel pide tolerancia: se define como pedófilo gay, se reúne con otros pedófilos –uno lleva una remera que dice “regalo caramelos”–, les cuenta su parafilia a los padres del niño que ama. Y solicita, incluso en foros con público, que se lo acepte en la sociedad y se lo deje tener una amistad con un chico. Daniel es un hombre parado sobre una mina terrestre: solo puede satisfacer su deseo sexual con una violación. ¿Hasta cuándo podrá o querrá sostener su celibato? La película es desafiante en su racionalidad, a veces inaguantable y enloquecedora. Una fría caricia de horror.

Ficha técnica: D, G: Veronika Lišková. F: Braňo Pažitka. E: Hedvika Hansalová. DA: David Böhm. S, M: Jan Richtr. P: Zdeněk Holý, Jana Brožková. PE: Lukáš Borovička, Lucie Zvěřinová. CP: Vernes Czech TV



22hs | Prog. 2 comp. Cortos



00.30hs| Sex & the silver gays

SEX y los gays plateados [Estados Unidos, 2016, 70’]

Desde hace varios años, en Nueva York se reúne un grupo de hombres mayores que forman parte de los New York Prime Timers. Cada uno con una historia de vida distinta y atractiva, le dan forma a un relato íntimo del siglo XX y sus cambios con relación a la homosexualidad: las relaciones ocultas, la persecución y la demora en que la sociedad los aceptara tal cual son. Conversan, beben y comparten historias. Pero el objetivo principal de esas reuniones es otro; lo que los reúne son las sesiones de sexo grupal que llevan adelante, periódica y libremente. Muy libremente: a cada uno lo satisface algo distinto y, en un ejercicio de sociabilidad y camaradería bien entendida, cada uno recibe lo suyo. Charles Lum y Todd Verow ya nos habían divertido con su cortometraje been too long at the FAIR –exhibido en la edición de Asterisco del año pasado– sobre el recuerdo de un cine que servía como tetera y sobre las historias que allí habían sucedido. Con este nuevo largometraje, vuelven a exponer una mirada cálida y divertida sobre dos temas que aún hoy siguen siendo tabú: el sexo y la tercera edad.

Ficha Técnica: D, F, E, S, P, PE: Charles Lum, Todd Verow M: Todd Verow

CP: BANGORFILMS, clublumI: Bob ‘Woof’ Torres, Leo Falk, Anthony Castiello, Alex Mancheno, Jobe Forte, ‘Jerome’, Peter Schlosser, Phillip Williams, Richard Kerscha, Van Quinn, Robert Shoales.






Viernes 4



14hs | Escape to Life: The Erika and Klaus Mann Story

Escape a la vida: la historia de Erika y Klaus Mann [Reino Unido/Alemania, 2000, 85’]

Sin importar demasiado de quién eran hijos, este documental nos introduce en la niñez de los hermanos Mann para luego llevarnos al Berlín de la República de Weimar donde comienza a desarrollarse como escritor él, y como actriz y piloto de carreras ella. Aunque se hacían pasar por gemelos (tenían poco más de un año de diferencia), estos jóvenes, con Hitler en el poder, tuvieron que exiliarse y tratar de sobrevivir a la simbiótica relación que habían construido. Creativos, homosexuales, la supervivencia los llevó a distintas ciudades para seguir en la lucha. De los muchos escritos de Klaus, el más célebre es su Mephisto, llevado al cine en 1980 por István Szabó. Juntos de nuevo en Estados Unidos, los hermanos se convirtieron en figuras muy fuertes de la resistencia antinazi.Son muchos los soportes que los directores combinan: películas documentales y de ficción, fotografías, reportajes contemporáneos, escenas dramatizadas, y la voz de Vanessa y su hermano Corin Redgrave, que interpretan a los Mann, leyendo sus propios textos y memorias. En esta codirección, Andrea Weiss también colabora con Wieland Speck de manera simbiótica, ya que su proyecto inicial era sobre Erika y al director le interesaban los escritos de Klaus. Y, como al padre de los Mann tampoco le importaron mucho sus dos hijos mayores, este retrato casi le resta importancia al premio Nobel de Literatura, un tal Thomas.

Ficha técnica: D: Wieland Speck, Andrea Weiss. F: Nuala Campbell, Uli Fischer, Ann T. Rossetti. E: Prisca Swan, Andrea Weiss. M: John Eacott. P: Greta Schiller. I: Cora Frost, Albrecht Becker, Christoph Eichhorn, Michael Fegley, Corin Redgrave.



16hs | Muestra cortos 2*



17.40hs | Programa cortos Canada



20.30hs | El puto inolvidable. Vida de Carlos Jáuregui

The Unforgettable Fag: The Life of Carlos Jáuregui [Argentina, 2016, 84’]

Documental biográfico sobre el más reconocido de los activistas por los derechos LGBT. Amigo, amante, luchador, ícono, un inspirador de masas, héroe. Su vida y su valor cambiaron la historia de muchos, de un país y su legislación. Carlos Jáuregui fue el primer activista gay argentino en salir en la portada de una revista dispuesto a luchar por sus derechos y por los de los demás. Como presidente de la Comunidad Homosexual Argentina, luchó por la visibilidad de los gays y lesbianas en materia de derechos humanos. A través de su organización Gays por los Derechos Civiles, sentó las bases del diálogo y abrió el camino a la antidiscriminación hacia la comunidad homosexual. Fue uno de los impulsores de la primera Marcha del Orgullo LGBTIQ en Argentina; sacó a los gays discriminados a la calle y los hizo más visibles que nunca. Su lucha personal contra el VIH la perdió días antes de que se reformara la Constitución de la Ciudad de Buenos Aires y se incorporara la orientación sexual como factor antidiscriminatorio.

Ficha técnica: D: Lucas Santa Ana. G: Gustavo Pecoraro, Lucas Santa Ana. F: Pablo Galarza E: Martín Senderowicz, Lucas Santa Ana S: Mariano Fernández M: Karen Bennett P, CP: Alberto Masliah, Lucas Santa Ana, Sombracine PE: Alberto Masliah I: Gustavo Pecoraro, llse Fuskova, César Cigliutti, Marcelo Ferreyra, Alejandro Modarelli



22.30hs | Esteros

Marshes [Argentina / Brasil, 2016, 87’]

“¿Dogville o los esteros del Iberá?”, parece susurrar el f lm de Papu Curotto, que comienza en los noventa neoliberales, plena época de privatizaciones. Jerónimo y Matías son amigos, van al carnaval, se echan espuma en el cuerpo, bailan, se tiran al barro, se desnudan en la laguna, hasta se provocan angustia cuando uno se hace el muerto y el otro sufre. El que sufre es el que se quedará en los esteros, y devendrá abiertamente homosexual, seguirá su sueño y estudiará algo inútil en la ciudad donde vive. El que se hizo el muerto se irá de los esteros, cambiará de país y de lengua, y seguirá los mandatos de normalidad que su padre impone inclinando su cabeza. En ese gesto del padre, en la sutil sonrisa torcida de ese patriarca, radica todo el miedo a la vida de su hijo. En esa inclinación está la muerte. El hijo se va de los esteros a los once y vuelve muerto, con una vida ideal, empleado y casado pero sin una pizca de brillo en la mirada. Curotto susurra con una cámara precisa, una puesta en escena levemente ensoñada y unos pocos, sobrios pero no solemnes diálogos. Un romanticismo posible y golpeado por los cínicos mandatos de una heterosexualidad obligatoria, por el capitalismo exitista y competitivo pero resistente en su amorosa forma de ver el mundo, de habitar esos esteros como refugio a lo Tom Sawyer y Huck Finn, pero también como comienzo de un mundo más alegre, más gozoso y más humano. Personalmente, elijo los esteros del Iberá.

Ficha técnica: D: Papu Curotto G: Andi Nachón F: Eric Elizondo E: Luz López Mañé DA: Augusto Latorraca S: Marcos Zoppi, Emiliano Biaiñ M: Leo García, Rudi y Nini Flores P, PE: Santiago Podestá CP: Hain Cine, Mulata Films, Latina Estudio I: Ignacio Rogers, Esteban Masturini, Joaquín Parada, Blas Finardi Niz,

Renata Calmon, María Merlino, Marcelo Subiotto, Mariana Martínez, Pablo Cura, Felipe Tito



00.15hs | The Ballad of Genesis and Lady Jaye

La balada de Genesis y Lady Jaye [Estados Unidos, 2011, 72’]

Es probable que el rock industrial sea uno de los géneros más asociados a las formas corporales de mutación: se comprueba con solo nombrar a algunos músicos que transitaron por sus filas, como David Bowie y Marilyn Manson. Pero nadie fue más lejos en la dimensión mutante que Genesis P-Orridge, pionero músico industrial de Throbbing Gristle que luego continuó con Psychic TV, entre otras formas artísticas de fusión que marcaron una carrera de alta experimentación. La cineasta francesa Marie Losier, especialista en realizar obras en comunión con los performers contemporáneos más radicales, se propuso filmar una oda a la máxima mutación queer de Genesis, quien vivió junto a su amada Lady Jaye: una historia de un amor transformador, en el sentido más físico y eléctrico, en la que la amalgama de cuerpos no es una metáfora sexual sino la forma concreta de trazar un pacto de comunión con la belleza. En la captura de una intimidad que es al mismo tiempo utópica y trágica, la intensidad de las performances de Genesis P-Orridge y la poética instantánea de Losier hacen de esta película un viaje a un núcleo único donde pueden convivir la carne convertida en obra de arte, la extrañeza inmersiva, la cotidiana felicidad mística y la música como mantra de amor tormentoso.

Ficha técnica: D, F: Marie Losier. E: Marie Losier, Marc Vives. P: Marie Losier, Steve Holmgren. I: Genesis P-Orridge, Lady Jaye Breyer P’Orridge, Big Boy Breyer P’Orridge, Edley Odowd, David Max




Sábado 5

14hs | Vil Romance

Vile Romance [Argentina, 2008, 105’]

En una estación de tren de la Provincia de Buenos Aires se conocen el joven errante Roberto y Raúl, un heavy metal cuarentón separado y con una hija. Estampa del Gran Buenos Aires, esa locación es cartografía histórica del yiro homosexual suburbano, antesala de un polvo express en el baño de esa estación. Pero Roberto y Raúl tienen tiempo para un encuentro sexual en una casa, y también para una relación en la que se instalan la violencia, la insatisfacción, la marginalidad, los celos, la mentira, el miedo a la experimentación con el cuerpo, la convención social que rige el género. Campusano propone otro punto de vista del relato homoerótico actual, sin ser estampita aleccionadora, ni sociología barata, ni repetición del gay urbano, televisivo, domesticado. Hay homoerotismo al borde del porno, como pocas películas argentinas tuvieron, y como ninguna que cite en su título una canción de Riff. Federico Moura una vez dijo que Riff “es muy representativo de mucha gente que no tiene nada, pero tiene ganas de luchar, aunque le han arrebatado todo… Vos ves una noticia en el diario, ‘Tiroteo en la Panamericana’, y en la foto ves escrito ‘Riff’ en la pared. Representa a la gente que vive una situación muy difícil, y su voz es un rugido del metal. Es energía ciega, pura”. Vil romance logra ser una película queer con esa sensibilidad, un grafiti de Pappo y Moura dándose un chupón.

Ficha técnica: D, G, P: José Celestino Campusano. F, E: Leonardo Padín S: Ernesto Ángel Barrera M: Juan Manuel Colombo PE: Enrique Muzio CP: Cinebruto I: Nehuen Zapata, Oscar Génova, Marisa Pájaro, Javier De la Vega, Olga Pérez



16.30hs | Paris Was a Woman

París era una mujer [Reino Unido, 1997, 75’]

Se la conoce como la ciudad de la luz, el romance, el estilo, pero para tantas mujeres que se mudaron a París a partir del 1900 la ciudad representó algo más vital y menos estético: la posibilidad de tener vidas que no hubieran podido vivir en otra parte, de convertirse en ellas mismas en un ambiente donde los vecinos eran Picasso, James Joyce o Ernest Hemingway. Una aventura. En el documental de Andrea Weiss y Greta Schiller, Gertrude Stein y Alice B. Toklas se cruzan con Sylvia Beach y Adrienne Monnier (fundadoras de una legendaria librería parisina), con Josephine Baker, Djuna Barnes y Janet Flanner, como si fueran distintos puntos en un mapa que los escritores y académicos varones, que durante décadas escribieron la historia, no armaron jamás. Los salones literarios, los libros, las pinturas, las rivalidades, las influencias y el modo muchas veces secreto en que estas mujeres movieron la trama de la cultura parisina de la época. Todo está ahí, fascinante, con testimonios, fotos, audios de poemas leídos en voz alta y entrevistas que reconstruyen ese período de creación febril, quizás el primero en que las mujeres (muchas de las cuales eran novias o amantes) intervinieron en el mundo artístico, ya no como modelos o personajes de ficción, ni con seudónimos, ni ocultas de ninguna otra forma.

Ficha técnica: D: Greta Schiller G: Andrea Weiss F: Nurith Aviv, Greta Schiller, Renato Tonelli, Fawn Yacker E: Greta Schiller DA: Miles McKane, Zola Rubin S: Ronald Bailey, Curtis Choy, Barbara Zahm M: Janette Mason P: Greta Schiller, Andrea Weiss PE: Frances Berrigan I: Juliet Stevenson, Maureen All, Gillian Hanna, Margaret Robertson, Shari Benstock



18.30hs | El color de un invierno

A Winter’s Color [Argentina, 2015, 64’]

Lucía tiene 21 años y parece estar en un estado de fragilidad constante. Rodeada de amigos y familia que hacen lo que pueden para contenerla, se está recuperando de una serie de ataques de pánico y ansiedad que sufrió recientemente. Una noche de invierno, en un boliche de su Salta natal, lo que parece ser un encuentro fugaz e irrelevante se convertirá con el tiempo en mucho más. Olivia la ayudará no solo a liberarse de los traumas y obstáculos que arrastra del pasado, sino básicamente a ver las cosas desde una nueva perspectiva. Con una inteligente utilización de recursos mínimos para su producción, El color de un invierno corre riesgos al hacer hablar y actuar a sus protagonistas en situaciones cotidianas y escenarios diferentes, más allá de los formatos o las clasificaciones de cine barrial, independiente o del interior. El film fue declarado de Interés Cultural en Salta por tratarse de la primera película de género LGBTIQ realizada íntegramente en esa provincia.

Ficha técnica: D, G: Cecilia Valenzuela Gioia F: Nicolás Acuña Samson E: Ignacio Gasparini DA: Carolina Benegas S: Julián Grosso M: SUPERLUZ, Félix San Martín P: Leonardo Pérez PE: Candelaria Antar García CP: Makua Cinema I: Cecilia Valenzuela Gioia, Mercedes Burgos, Gonzalo Romero.



20.30hs | Las lindas

The Pretty Ones [Argentina, 2016, 77’]

“La historia de la chica más linda del mundo” podría ser el título de este documental sobre la performatividad de género a la que estamos expuestas, y expuestos. Es difícil imaginar que un documental realizado principalmente con fotos de adolescentes incómodas en sus cuerpos logre cierto erotismo. Las fotos de adolescentes con cara de orto o aspecto de lolitas, con cara de desconcierto o sobreactuando una adaptación dolorosa, nos llevan a una memoria anterior: la de nuestros propios cuerpos y esa carga de incomodidad. ¿Quién no tiene fotos de la adolescencia con cara de orto? ¿Qué clase de emoción evocan esas imágenes? Darwin decía que el llanto es un tipo de emoción primitiva y que entonces los ingleses eran más evolucionados porque lloraban poco. ¿En qué eslabón de la cadena evolutiva estarán las caras de orto de Melisa Liebenthal, directora y protagonista del film? Tal vez lo que él llamaba evolución es lo que hoy podríamos llamar adaptación. Y entonces la cara de orto, de ojete, de malhumor, de aguafiestas es la forma más evolucionada que tenemos de decir “basta, no me quiero adaptar, no quiero esto para mí, que otros sean lo normal, que la cera hirviendo sobre la piel se la pongan otr*s, que la evolución se la queden los ingleses, yo no me adapto a esa performatividad violenta”. Entre charlas distendidas con vino, material en VHS, disfraces ridículos y muchas caras de orto, Liebenthal nos va llevando hasta el paroxismo de la violencia que implica la performance a la que el patriarcado llama “femineidad”.

Ficha técnica: D, G: Melisa Liebenthal F: Lucas Pérez Sosto E: Sofía Mele, Melisa Liebenthal S: Marcos Canosa M: Ángeles Otero P, PE: Eugenia Campos Guevara CP: Capataz Cine I: Josef na Roveta, Victoria D’Amuri, Sofía Mele, Camila Magliano, Michelle Sterzovsky, Melisa Liebenthal



22.30hs | The Ballad of Genesis and Lady Jaye

La balada de Genesis y Lady Jaye [Estados Unidos, 2011, 72’]

Es probable que el rock industrial sea uno de los géneros más asociados a las formas corporales de mutación: se comprueba con solo nombrar a algunos músicos que transitaron por sus flas, como David Bowie y Marilyn Manson. Pero nadie fue más lejos en la dimensión mutante que Genesis P-Orridge, pionero músico industrial de Throbbing Gristle que luego continuó con Psychic TV, entre otras formas artísticas de fusión que marcaron una carrera de alta experimentación. La cineasta francesa Marie Losier, especialista en realizar obras en comunión con los performers contemporáneos más radicales, se propuso filmar una oda a la máxima mutación queer de Genesis, quien vivió junto a su amada Lady Jaye: una historia de un amor transformador, en el sentido más físico y eléctrico, en la que la amalgama de cuerpos no es una metáfora sexual sino la forma concreta de trazar un pacto de comunión con la belleza. En la captura de una intimidad que es al mismo tiempo utópica y trágica, la intensidad de las performances de Genesis P-Orridge y la poética instantánea de Losier hacen de esta película un viaje a un núcleo único donde pueden convivir la carne convertida en obra de arte, la extrañeza inmersiva, la cotidiana felicidad mística y la música como mantra de amor tormentoso.

Ficha técnica: D, F: Marie Losier. E: Marie Losier, Marc Vives. P: Marie Losier, Steve Holmgren. I: Genesis P-Orridge, Lady Jaye Breyer P’Orridge, Big Boy Breyer P’Orridge, Edley Odowd, David Max



00hs | Tomboy

[Francia, 2011, 82’]

Una de esas películas que ponen en evidencia que la violencia no es solo palos y sangre, sino que la obligación de usar un vestido azul duele lo mismo. Pero no es solo un drama: Tomboy narra la sensación de libertad en la pubertad, ese asunto enorme de quitarse la remera para correr sin que nadie note el desafío. La película nos expone una infancia trans con los aditamentos que proporciona una mudanza, la ciudad nueva, l*s amig*s del verano y el deseo por las chicas. En un pequeño exilio a un poblado sin nombre en algún lugar de

Francia, el/la protagonista hace de sí mismo/a una gesta. Con los días de sol radiante y los chapuzones, se metaforizan las condiciones de recreación personal de este niño trans. O de ésta marimacho. La identidad se mantiene abierta pero siempre juzgable. La policía de género se desprende con sutileza y va in crescendo en cada mente. Con el color, la cadencia y la simpleza de Céline Sciamma, la ingenuidad de la diversión de una infancia trans se obstaculiza con el fin del verano, al tiempo que llegan las instituciones de verdad y la intromisión de los adultos.

Ficha técnica: D, G: Céline Sciamma. F: Crystel Fournier. E: Julien Lacheray

DA: Thomas Grézaud. S: Benjamin Laurent. M: Jean-Baptiste de Laubier P: Bénédicte Couvreur, Rémi Burah CP: Hold Up Films I: Zoé Héran, Malonn Lévana, Jeanne Disson, Sophie Cattani, Mathieu Demy.






Domingo 6



14hs | Two Soft Things, Two Hard Things

Dos cosas blandas, dos cosas duras [Canadá, 2016, 71’]

No hay caminos que lleguen al territorio canadiense de Nunavut. Solo se puede llegar a cada una de las 28 comunidades de la región ártica oriental de Canadá por aire, y allí es donde viajaron los dos directores, intrigados por una importante celebración del Orgullo lgbtiq en ese pueblo. Este reflexivo documental observa los desafíos a los que se enfrenta el colectivo lgbtiq inuit y la manera en que una nueva generación está forjando una sociedad más inclusiva. El colonialismo y el cristianismo han desmantelado las estructuras familiares de los inuit, y les enseñaron que la manera en que vivían y pensaban era barbárica y blasfema. El modo de vida de una cultura entera, sus estructuras familiares, su espiritualidad y sus prácticas sexuales fueron eficazmente silenciadas y borradas en solo una generación. Esa pérdida de identidad cultural y esa vergüenza persisten hasta el día de hoy, y esa es la razón por la que un evento del Orgullo es todo menos simple en una comunidad como la de Iqaluit. Pero parece que muy pronto esto va a cambiar: activistas, artistas, políticos y jóvenes están haciendo lo posible para “sacar de la vergüenza” ese pasado. Según los realizadores, lo que comenzó como la celebración del Orgullo lgbtiq por parte de una comunidad se convirtió rápidamente en una discusión profunda y llena de matices acerca de los programas coloniales de los gobiernos, las misiones cristianas, la cultura inuit, el lenguaje y la pérdida de la identidad cultural.

Ficha técnica: D, G, P: Mark Kenneth Woods, Michael Yerxa M: Iviok I: Jack Anawak, Alethea Arnaquq-Baril, Allison Brewer, Franco Buscemi, Miali Buscemi



16hs | Kim Zubillaga cortos



18hs | Colmena

Hive [Argentina / Colombia / Venezuela / Ecuador / Paraguay, 2015, 63’]

“Qué son/ estas cosas que siento./ Soy yo, alguien que llevo dentro/ me está pidiendo/ que no me quede quieto mientras crezco”. Así dice la canción de Jaime Sin Tierra que suena mientras Nachi fuma un cigarrillo con las luces de la ciudad al fondo, y ese quizás sea el único momento en que Colmena, que la tiene como protagonista, se detiene. Son solo un par de minutos en una película que no para de moverse entre conversaciones, las de Nachi con Nina, la chica que la deslumbró una noche, y las de cada una de ellas con novios, amigos, padres, que le sirven a Majo Staffolani para ir desplegando el mundo de cada una de las dos (una aspirante a actriz con mamá que toma felicidad en pastillas y papá que aprieta a la sirvienta, una laburante de Misiones que conversa en la cocina de una pizzería sobre lo sucios que están los repasadores). En coproducción con José Celestino Campusano, Colmena se toma sesenta minutos para contar una historia de amor con barreras –las de la clase, las de las normativas de género– que se van abriendo con gracia, impulsadas por la fuerza de dos actrices (Flor Bobadilla Oliva y Lara Crespo) que por separado son poderosas, magnéticas, y juntas lo son más todavía.

Ficha técnica: D, G: Majo Staffolani F: Sebastián Sorín E: Majo Staffolani, Federico Jacobi DA: Antonela Schmid, Micol Metzner S: Alud (Arte Sonoro) M: Jaime Sin Tierra, La Negrah Liyah, Majo Staffolani, Blasto Fluss P: Majo Staffolani, Joaquín Villafane, Alan Hernán Ramírez, Cristina Guzmán, Tomás Pérez Hoffer PE: José Celestino Campusano, Vivo Siendo Cine, Majo Staffolani

CP: Vivo Siendo Cine I: Lara Crespo, Florencia Bobadilla Oliva, Adrián Santander, Mathias Percat, Carlo Argento, Daniel Quaranta, Fernanda Bodelon, Josefna Pitelli.



20hs | Las decisiones formales

Formal Decisions [Argentina, 2015, 65’]

Vendedora ambulante, buscavidas, cantante, peluquera de su amiga, Kimby sueña con participar en un concurso de belleza provincial para ser Reina de la Sierra, mientras sobrevive vendiendo sánguches caseros entre trenes suburbanos y las estaciones de Retiro y Once. Ese mundo exterior e interior, el trabajo y el ensueño, se suceden casi sin fronteras, como el tránsito entre provincia y Capital en el que se ubica estéticamente esta película. La directora Melisa Aller y la compositora e intérprete Alma Catira Sánchez, en un trabajo de íntima colaboración, proponen que la realidad y la teatralidad sean porosas, tanto como la ficción y el documental, lo camp y el drama, lo narrativo realista y la poética punk; todo entreverado en el tránsito de esta paseante por los márgenes del arte y la ciudad. Aunque la singularidad de esta película dentro de los relatos de la identidad trans alcanza para reconocer su valor, su sensibilidad barrial sin tópicos y confictos anquilosados –y con el foco puesto en una supervivencia sin crispación y un imaginario folk sin glamour– es una apuesta política importante. Filmada en un Súper 8 fluctuante, Las decisiones formales susurra, con su lateralidad estratégica, que la certeza de una Identidad de Género no es irreconciliable con una visión crítica del propio género, con la posibilidad de una circulación que no reconoce privilegios genéricos.

Ficha técnica: D, G, F, E, DA, P: Melisa Aller. S: Lisandro Civit M: Alma Catira Sánchez PE: Eleonora Paoletti I: Alma Catira Sánchez, Eleonora Paoletti



22hs | Disco Limbo

[Argentina, 2016, 70’]

Un chico. Un lugar. Una disco. Otro chico. Música. Un disco. Dos discos. Muchas canciones. La persecución del amor en los tiempos que corren, veloces a nuestro alrededor. David descubre el rostro de Lucio en una multitud y se embarca en su búsqueda. Pero Lucio cambia, como todos, y es difícil seguirle el rastro. Un día tiene la cara de un chico, y a la noche la de otro. Un monólogo interior plagado de referencias musicales sirve como guía a través de escenarios que podrían pertenecer a una película de ciencia ficción (como un paisaje desértico), a una de terror o a un videoclip. Porque el montaje vertiginoso de imágenes y sonidos atraviesa toda esta narración en la que las distancias son aniquiladas: como la que separa al protagonista de su evasivo objeto de deseo, o ésa que aleja a David de su mejor amiga, que vive en Italia. Pero todos están unidos de alguna manera, en esta historia de amor moderno y brillante que resplandece por la purpurina, por las luces de neón de las fiestas y por el sol del desierto que encandila pero no enceguece.

Ficha técnica: D, E: Fredo Landaveri, Mariano Toledo G, PE: Fredo Landaveri,

Mariano Toledo, Ivana Brozzi F: Mariano ToledoS: Ivana Brozzi, Andrés Marks,

Jerónimo Kohn, Juan Caille, Begoña Cortazar P: Fredo Landaveri, Mariano Toledo, Ivana Brozzi, Agustina Santiago CP: Vaca Ninja I: Guido Botto Fiora, Lucas Escariz, Jonatan Ciarrocca, Juan Chapur, Boris Rivas



Sala Batato Barea + Cosmos UBA

Av. Corrientes 2038 + Av. Corrientes 2046

Proyecciones: $30

Actividades paralelas: gratuitas