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31 mar. 2017

La música es mi casa, de Gastón Pérsico, en MALBA



Gastón Pérsico
La música es mi casa 

10.03— 02.07.2017 
Curador: Mariano Mayer
Inauguración: jueves 9 de marzo, 19:00
Sala 1, Nivel -1



Gastón Pérsico

Buenos Aires, 1972

Egresó de la Escuela Nacional de Bellas Artes “Rogelio Yrutia” en 1989. En 1997 se graduó en Diseño Gráfico, en la Universidad de Buenos Aires (UBA). Fue becario del Programa de Talleres para las Artes Visuales Rojas UBA/Kuitca (2003-2005) y del Programa 2010 de CIA Centro de Investigaciones Artísticas. Formó parte del colectivo Suscripción (1999-2005). En 2006 recibió el segundo Premio arteBA-Petrobras por Heavy Mental Records. Desde ese año también edita la publicación Script (Madrid-Buenos Aires) junto a Cecilia Szalkowicz y Mariano Mayer. Desde esta plataforma presentaron en 2010 el proyecto expositivo Foreword Cubista en Espacio Abisal, Bilbao. Participó de CIFO Grant Program 2007, Cisneros Fontanals Art Fondation (Miami) junto a Cecilia Szalkowicz. Juntos, realizaron en 2009 Copy-Paste: AutoZine en la 2da. Trienal Poli/Gráfica de San Juan: América Latina y el Caribe. En 2010 realizó el proyecto “Reunión” (Buenos Aires – Berlín), junto a Roman Schramm, Cecilia Szalkowicz y Hella Gerlach. Expuso individualmente en Nora Fisch Arte Contemporáneo, CCEBA, Instituto Goethe, Belleza y Felicidad, Fotogalería del Centro Cultural Rojas, Mite Galería, (Buenos Aires); y de manera colectiva en macro (Rosario), Museo de Arte Moderno (Mendoza); Museo de Arte Contemporáneo (Bahía Blanca); Parque de la Memoria, Fundación Proa, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Alianza Francesa, Fondo Nacional de las Artes (Buenos Aires); MAC Niteroi (Rio de Janeiro), Blanca Soto Arte, Casa Encendida (Madrid); Traschi Gallery (Santiago de Chile), Printed Matter, (New York), entre otros.


La producción artística de Gastón Pérsico, compuesta mayormente por esculturas de ensamble, publicaciones e instalaciones, se caracteriza por proponer escenarios en los que confluyen diversos intereses personales. En efecto, la música, la literatura, las subculturas, la vida nocturna, la amistad y sus redes de influencia son para el artista materiales artísticos. Investigar los archivos de la cultura contemporánea, para vincular temas y zonas de encuentro de distintos campos, es tanto una proposición de nuevas relaciones como un modo alternativo de construcción de significado.
El proyecto expositivo La música es mi casa se centra en la experiencia sonora y su convivencia con otras disciplinas: involucra a las artes visuales, la poesía y la música. Este espacio constituido por una síntesis de lenguajes remite a diferentes situaciones en las que es posible reflexionar sobre la experiencia perceptiva. Esta síntesis implica una abstracción, dado que en la sala no se encontrarán recreaciones de una casa, ni de una discoteca, incluso tampoco música, sino analogías formales, alusiones y moldes temáticos. Esta abstracción contempla el uso y la recontextualización de diferentes referencias culturales, históricas y estéticas. De este modo, la propuesta busca desarrollar relaciones inesperadas que promuevan diversas capas de sentido y experiencias vivenciales.
La pieza central, que da título al proyecto, consiste en una obra de audio en la que tres voces recitan las letras de un DJ-set de música house traducidas al español, sin música. El resultado es un ejercicio de traslación de un medio a otro, haciendo referencia y trazando vínculos entre discoteca y poesía concreta; entre los cuerpos, su ausencia y el lenguaje. En el espacio expositivo, protagonizado por las voces, se dispondrán además distintas piezas escultóricas realizadas a partir de deconstrucciones de entornos arquitectónicos y materiales asociados a mobiliarios domésticos, discotecas, salas de ensayo y conciertos.
La música es mi casa está compuesta además por otros dos núcleos: por una parte, una serie de participaciones e intervenciones de artistas invitados agrupados bajo el título de “Featuring”; por otra, dos publicaciones –un libro con los textos que forman parte de la obra sonora y otro con textos teóricos de autores invitados.

Featuring


De la misma manera que la cultura hip-hop y el pop en general utilizan la etiqueta “featuring” para señalar la participación de "invitados especiales" en sus proyectos, La música es mi casa cuenta con una serie de actividades e intervenciones de artistas invitados. Cada participación establece un diálogo y una interacción con determinados aspectos de la obra.


Miércoles 17 de mayo, 12:00–21:00

Featuring David Lamelas

Se instalará en la sala la obra Límite de una proyección (1967)


Miércoles 31 de mayo, 18:30 y 20:00

Featuring Lucio Capece

Conciertos

18.30 RX22

20:00 Cosas y Lenguaje


Sábado 3 de junio, 19:00

Featuring Pablo Schanton

Conferencia performática


Miércoles 7 de junio, 12:00–21:00

Featuring Djs Pareja

Instalación sonora La música es mi casa (Djs Pareja Remix)


Miércoles 14 de junio, 12:00–21:00

Featuring Miguel Mitlag

Se instalará en la sala una obra realizada especialmente para esta exposición


El ciclo Featuring forma parte de la programación de BP.17.


Publicaciones
Dos publicaciones impresas acompañan la exhibición. Concebidas como obras constitutivas de La música es mi casa, estos libros permiten incorporar otras experiencias comunicativas y tiempos de percepción, extendiendo el espacio de la muestra y su duración.


La publicación La música es mi casa, realizado a partir de las traducciones de letras de música house incluídas en la obra sonora del mismo nombre, se presenta como un libro de poemas que explora la posibilidad visual del ritmo y la musicalidad en la repetición de la palabra impresa.


El libro Featuring, por su parte, propone una serie de lecturas y acercamientos a los distintos ejes que trata la obra. Escritos especialmente para esta publicación, los textos de Mariano Mayer, Pablo Schanton, María Salgado y Marina Zuccon reflexionan sobre música, poesía, arquitectura y sonido, formas de percepción, cultura disco y comunicación sonora, entre otros. Se incluye además el texto de una conferencia de Yves Bonnefoy sobre Mallarmé y la música, seleccionado por el artista como una lectura que complementa y amplía la propuesta de este trabajo.


Fotos registro de sala: Ariel Authier.




Fundación Costantini
Museo de Arte Latinoamericano
de Buenos Aires

Av. Figueroa Alcorta 3415
C1425CLA Buenos Aires, Argentina
+54 11 4808 6500

29 mar. 2017

Ciclo: El cine de François Ozon, todos los domingos, gratis en el CC Haroldo Conti



Ciclo
El cine de François Ozon


Domingos 2, 9, 16 y 23 de abril / 19 HS

El cine de este notable director, considerado muchas veces como el Almodóvar francés, se ha caracterizado por su ingenio, su humor satírico y su peculiar punto de vista sobre la sexualidad humana. Desde este lugar, Ozon ha sabido combinar la indagación minuciosa de los conflictos emocionales con una buena dosis de desprejuicio, haciendo de su obra una suerte de poética del deseo no expresado por los cánones tradicionales.



2/4
Gotas de agua sobre piedras calientes
(Francia 2000, 90’)

Alemania, años 70. Un atractivo hombre de negocios seduce a un joven de 19 años que todavía se encuentra confuso sobre su sexualidad. Pero lo que comienza como una historia de amor se convierte en una relación tóxica, de tratos despóticos y dudas. La situación dará un giro cuando las ex novias de ellos aparecen en escena.

Adaptación de una obra de Rainer Werner Fassbinder.


Dirección: François Ozon / Guión: François Ozon (Obra: Rainer Werner Fassbinder) / Fotografía: Jeanne Lapoirie / Montaje: Laurence Bawedin, Claudine Bouché / Música: Ceská Filharmonie, Susi Dorée, Günter Loose / Intérpretes: Bernard Giraudeau, Ludivine Sagnier, Malik Zidi, Anna Thomson / Productora: Fidélité Productions, Les Films Alain Sarde. Apta para mayores de 16 años.


9/4
8 mujeres
(Francia 2002, 103’)

En una gran mansión burguesa en pleno campo se están haciendo los preparativos para festejar Navidad. De pronto, el dueño de la casa es asesinado. La culpable tiene que ser una de las ocho mujeres que están en la casa. Comienza entonces una investigación plagada de discusiones, traiciones y revelaciones. La verdad estallará, cruel y trágica, desenmascarando a los personajes y poniendo de manifiesto sus mentiras.


Dirección: François Ozon / Guión: François Ozon, Marina de Van (Obra: Robert Thomas) / Fotografía: Jeanne Lapoirie / Montaje: Laurence Bawedin / Música: Krishna Levy / Intérpretes: Catherine Deneuve, Emmanuelle Béart, Isabelle Huppert, Fanny Ardant, Virginie Ledoyen, Danielle Darrieux, Ludivine Sagnier, Firmine Richard / Productora: Mars Films. Apta para mayores de 13 años.

16/4
En la casa
(Francia 2012, 101’)

Germain es un profesor de literatura francesa hastiado por las insulsas y torpes redacciones de sus alumnos. Hasta que un día descubre entusiasmado que el chico que se sienta al fondo de la clase muestra en sus trabajos un agudo sentido de la observación. Extrañamente fascinado por la familia de uno de sus compañeros, el chico comienza a escribir relatos sobre esa familia, alentado por Germain. Relatos en los que se hace cada vez más difícil distinguir entre realidad y ficción.


Dirección: François Ozon / Guión: François Ozon (Obra: Juan Mayorga) / Fotografía: Jérôme Alméras / Dirección de arte: Pascal Leguellec / Montaje: Laure Gardette / Música: Philippe Rombi / Intérpretes: Fabrice Luchini, Ernst Umhauer, Kristin Scott Thomas, Emmanuelle Seigner, Diana Stewart, Denis Ménochet, Jean-François Balmer, Fabrice Colson, Bastien Ughetto,Stéphanie Campion, Yolande Moreau / Productora: Mandarin Cinéma, Mars Films, France 2 Cinéma, Foz, Canal +, Ciné +, France Telévisions, Cofimage 23, Palatine Étoile 9. Apta para mayores de 13 años.


23/4
Joven y bella
(Francia 2013, 94’)

Isabelle parece tener el mundo a sus pies: es joven, hermosa, y sin problemas aparentes. Tras un verano en el que la pérdida de la virginidad le resulta decepcionante, se embarcará en una doble vida: estudiante de día y prostituta de lujo por las tardes. De este modo, Isabelle, cada vez más obsesionada con el sexo hasta el punto de convertirlo en una forma de vida, queda atrapada en una espiral de lujuria de la que no puede escapar.


Dirección: François Ozon / Guión: François Ozon / Fotografía: Pascal Marti / Dirección de arte: / Montaje: Laure Gardette / Música: Philippe Rombi / Intérpretes: Marine Vacth, Géraldine Pailhas, Frédéric Pierrot, Charlotte Rampling, Johan Leysen, Fantin Ravat, Nathalie Richard, Laurent Delbecque, Akéla Sari, Lucas Prisor / Productora: Mandarin Cinéma, Mars Films, France 2 Cinéma, Foz, Canal+, Ciné +, France Televisions. Apta para mayores de 16 años.

ENTRADA GRATUITA SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

Las entradas se retiran con una hora de anticipación (2 por persona). No se reservan.



CENTRO CULTURAL HAROLDO CONTI
Av. Del Libertador 8151 - C1429BNB - Ciudad de Buenos Aires, Argentina

Espacio Memoria y Derechos Humanos (Ex ESMA)
Entrada gratuita

(+54 11) 4702 - 7777 / ccmhconti@jus.gob.ar

Martes a Domingos y Feriados de 11 a 21 HS

Lunes Cerrado

27 mar. 2017

Convocatoria a directores, coreógrafos, intérpretes y/o escenógrafos para participar de Le Seminaire en Avignon-

Convocatoria para participar de Le Séminaire en Avignon - Festival d'Avignon 2017 (Francia). 






Convocatoria abierta del 27 de marzo al 10 de abril a directores, coreógrafos, intérpretes y/o escenógrafos de entre 18 y 35 años a participar por una beca para asistir a Le Séminaire en Avignon en el marco del Festival d’Avignon 2017 (Francia), del 16 al 24 de julio de 2017.

La beca incluye pasaje aéreo y traslados internos, matrícula para participar del Seminario en Avignon, alojamiento y comidas, entradas para las obras y seguro médico. 

Le Séminaire en Avignon tuvo su primera edición en 2013, por iniciativa de Pro Helvetia, Fundación Suiza para la Cultura. El objetivo del programa es ofrecer a jóvenes profesionales una plataforma de intercambio tanto a nivel teórico como práctico. El seminario está dirigido a artistas de artes escénicas. 12 jóvenes artistas de diferentes países son seleccionados y tienen la oportunidad de participar en un programa full time de descubrimiento y encuentro, centrado en la expresión artística contemporánea que, dentro de su programación, presenta el Festival d'Avignon. El programa brinda a los participantes la oportunidad de asistir a las obras del Festival y la de participar de debates con algunos de los artistas invitados, y también con teóricos y críticos del ámbito de las artes escénicas.




 

4º Festival Internacional de Cine Religioso. Desde el 29 de marzo, entrada gratuita


Seminario de Cine de Género (10 films antológicos de terror), gratis en CIC


21 mar. 2017

FRONTERA. Obra teatral sobre textos de Augusto Boal. Bajo la consigna MEMORIA, VERDAD Y JUSTICIA. En el Centro Cultural PACO URONDO.





En el marco de las muestras de artes visuales del mes de marzo, Latentes y En el fondo de todo hay un jardín, reunidas bajo la consigna MEMORIA, VERDAD Y JUSTICIA, se presenta esta breve pieza teatral sobre fragmentos de cartas de Augusto Boal.

Un artista. Un artista exiliado. Un artista exiliado y su madre. Un artista exiliado y su madre el día después de otro golpe militar. El exilio es ese espacio construido a partir de la presencia permanente de la ausencia."Frontera" es una ventana para mirar el mundo más intimo del acontecimiento histórico, todo a la vez. Y también es un relato más de un momento que conocemos, con nuevas voces y también nuevos silencios.

La obra está construida sobre fragmentos de una carta que el artista brasilero Augusto Boal le escribió a su madre el día 25 de marzo de 1976 (Boal estaba exiliado en Argentina desde el año 1971 y vivió en Bs As hasta que se perpetuó el golpe cívico militar en nuestro país), y a partir de los títulos de los diario Clarín y La Nación de ese mismo día.

Actúan: Sabino Molina y Cecilia Lucino

Dirección: Cora Fairstein. Directora del área Teatro del Oprimido y Poéticas Políticas (IAE, FFyL, UBA).


Estudiante avanzada de Artes Combinadas (UBA), dedicada a la práctica y al estudio de Teatro del Oprimido desde el año 2007 en diferentes lugares de Argentina y el exterior formando grupos, haciendo talleres, seminarios e investigaciones de iniciación y profundización de la metodología. Especializada en el trabajo con mujeres migrantes y jóvenes en diferentes barrios en situación de vulnerabilidad social. Participó en la edición en Argentina de los libros Teatro del Oprimido, Juego para actores y no actores y Estética del Oprimido como revisora. Conforma el equipo de investigación de Aica ((Area de Investigación en Ciencias del Arte del Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini). Investigadora y realizadora del documental "Tras las huellas de Augusto" (2013), que narra el paso de Augusto Boal por Argentina en los años ´70. Es docente en la Escuela de Teatro Político del Movimiento Popular La Dignidad. Integra el grupo Rizoma, colectivo teatral especializado en Teatro del Oprimido desde el año 2009. Participa como actriz en la obra "El Gran Acuerdo Internacional del Tío Patilludo" de Augusto Boal desde el 2013.


ENTRADA A LA GORRA / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA


Las entradas a los espectáculos se retiran con media hora de anticipación (2 por persona). No se reservan.


Centro Cultural Paco Urondo

25 de mayo 201 CP 1002- CABA Argentina
(011)4342-5922
Jueves 23 de marzo a las 18.30hs

20 mar. 2017

Vivian Meyer, Angelica Dass y Dani Yako en FOLA



Sala PRINCIPAL
VIVIAN MAIER (1926 - 2009)- The Street Photographer


Hasta el 11 de Junio
Proyección del documental Finding Vivian Maier
en el auditorio a las 12.15, 13.40 hs. y 15.05 hs.


Sala DOS
Angelica Dass. Humanæ



Hasta el 30 de abril 

Sala TRES
Dani Yako. El Silencio




Godoy Cruz 2626 - Distrito Arcos
Estacionamiento Distrito Arcos: Godoy Cruz entre Paraguay y Charcas (Palermo)

CONTÁCTENOS
mariana@fola.com.ar
gaston@fola.com.ar
Teléfono: 5789-2773/ 2873

Horarios: Lu, Ma, Ju, Vi, Sa, Do
de 12 a 20 hs. (Miércoles cerrado)


19 mar. 2017

RÍO. Exposición de Ana Volonté en Escalera Galería

Nadie baja dos veces a las aguas del mismo río.
                          Heráclito el oscuro


Río. 
Muestra de Ana Volonté.


En Escalera Galería.

Texto y Cuidadoría: Alma Estrella



Ph: Roberto Camarra para Rayo Verde








Ph: Roberto Camarra para RayoVerde

 “Río” (tal vez como toda la obra de Ana) es un recorrido, un movimiento continuo, cíclico, que va del entorno al cuerpo, del cuerpo a los oficios, de los oficios al entorno, mezcla todo de nuevo y vuelve a empezar. Sus obras, de formatos diversos como el diseño floral, la repostería y la performance, son registradas en fotografía, audio y video para que podamos seguir su rastro, su estela. El recurso a archivos opera como una verdadera “caja de cosmos” que a fuerza de caprichos, digresiones y titileos, demuestra que trazar una línea de tiempo siempre es más parecido a un montaje maldito que a una cronología. 

Siesta. Río.​ ¿Qué río es éste por el cual corre el Chavascate? ¿Qué río es éste que atraviesa la siesta? ¿Qué siesta, la que corre y suena al calor de una repostería errante? ¿Qué misterio de los tiempos y de las fluencias se eterniza en sus ritmos? Piedra, fuego, glacé, arena, sueños. El entorno como interfaz o como partitura, los soportes múltiples, el cuerpo como soporte. Todo va (viene) y vuelve a la obra renovándola incesantemente, incluso el tiempo. Todo cambia, nada permanece. Así el fuego transforma la materia, la naturaleza es fuego. 

La vía láctea boreal.​ Una banda de luz tenue atraviesa el infinito, o, como en las alegorías chinas y japonesas, un río de plata corre por el cielo. Algo se derrama sobre un pecho: podrían ser flores, leche, estrellas. Una vía láctea de crisantemos, peonias, rosas, musgo, organzas. Todo cambia, nada permanece. 

Gymnastique élementaire.​ La mano florista se vuelve escultora. El cuerpo desnudo (gymnos) señala la belleza de las formas. Y ésta reorganiza curvaturas, simplifica, inventa olimpiadas, diseña músculos ágiles, precisos en sus movimientos. Todo cambia, nada permanece. El cuerpo descubre una fuerza, una cifra andrógina. Una fuerza que une todas las cosas con lazos invisibles. 

Devil´s Cake.​ Recetarios familiares para un mundo nocturno y teatral, de vanitas y bodegones, de penumbra erótica y temporalidades citadinas. El cuerpo se contorsiona, deviene cuerpo-pesadilla, abraza la propia oscuridad y sus ramos. Belleza y sofoco. Chocolate, nardos, cacao, clavelinas, algún follaje rojo. En este espacio, en este tiempo, ya no queda siesta. Río sí. Todo cambia, nada permanece. 

                                     Alma Estrella 

Colegiales, Buenos Aires. 

www.facebook.com/escaleragaleria www.instagram.com/escalerag


"Río" la muestra de Ana Volonté se puede visitar durante todo marzo y todo abril. Consultas para visitar el espacio:escaleragaleriabsas@gmail.com. 


Acerca del concepto de Cuidadoría:

Digo que hago la “cuidadoría” (y no la curaduría) porque no pretendo ser guardiana de la obra, más bien quisiera hacerme amiga, dejarme contagiar por ella, estar ahí cuando llegan los momentos de diseminar sus semillas. No pretendo construir discurso o definir artisticidades, creo que todo lo que me interesa es asumir un riesgo, llegar a ser (en el mejor de los casos) cómplice en el gesto. Toda sensación es una pregunta.

Alma Estrella, Escalera Galería, 18 de marzo de 2017.

15 mar. 2017

SEMANA CULTURAL DE IRLANDA 16 al 26 de Marzo de 2017. Cine en el Gaumont, desfile en Plaza San Martín y música en la USINA DEL ARTE.

¡BIENVENIDOS A LA SEMANA DE LA CULTURA IRLANDESA
EN BUENOS AIRES!

A partir de las conmemoraciones compartidas el año pasado del Centenario del Levantamiento Irlandés de 1916 y el Bicentenario de la Independencia Argentina, que tuvieron tan exitosa acogida, nos complace invitarlos a compartir con nosotros la Semana de la Cultura Irlandesa en el contexto del Día de San Patricio, nuestra Fiesta Nacional. Con la cooperación del INCAA, durante esta semana, se exhibirá una gran variedad de películas en el Festival en el Cine Gaumont de Buenos Aires, comedias, dramas, musicales y documentales, que presentan diversos aspectos de la historia, la cultura y la realidad contemporánea de Irlanda. El Festival abrirá con la película ‘Elisa: Reina del Paraguay” que narra la vida de Elisa Lynch durante la guerra de la Triple Alianza y su relación con Francisco Solano López.
El brillante pianista irlandés Miceal O’Rourke ofrecerá recitales en La Usina del Arte de la obra de John Field (compositor irlandés e inventor del nocturno), junto con piezas de Chopin y Mozart, acompañado por un cuarteto de talentosos músicos
argentinos.
Contando con la cooperación del Gobierno de la Ciudad, tendremos un festival en la calle de gran magnitud llamado “Buenos Aires celebra Irlanda”, en Plaza San Martín, el 18 de marzo por la tarde, en el que se podrá disfrutar de música y danzas irlandesas, junto con una recreación dramática de la vida del Almirante Guillermo Brown, en ocasión del 160º Aniversario de su muerte.
Espero que puedan disfrutar de estos eventos.

JUSTIN HARMAN
Embajador de Irlanda



PROGRAMACIÓN

MUESTRA DE CINE
ESPACIO INCAA CINE GAUMONT KM 0
AV. RIVADAVIA 1635 – ENTRADA $3.-






16/03 - 18.00hs. Inauguración de la muestra de Cine:
Eliza: La Reina de Paraguay (Elisa: Queen of Paraguay)
Biográfica, 2013. Director: Alan Gilsenan
La historia de Elisa Lynch, uno de los personajes más intrigantes y menos conocidos fuera de América Latina de la historia moderna. Nacida en Charlesville, Condado de Cork, en 1833, fue la mujer más famosa en toda Sudamérica en el siglo XIX; y considerada por sus enemigos como la más infame. Esta película, dirigida por el aclamado y premiado cineasta irlandés, Alan Gilsenan, y protagonizada por la actriz irlandesa Maria Doyle Kennedy en el papel de Elisa, es una esmerada exploración de los hechos y mitos que rodean a Elisa Lynch.


17/03 - 20.00hs. El Salón de Jimmy (Jimmy’s Hall)
Drama, 2014. Director: Ken Loach
Basada en la historia real de Jimmy Gralton, el único irlandés deportado de su propio país por ser ‘extranjero ilegal’. Ell director Ken Loach enfoca el relato en el salón de baile Gralton que se abrió en la región rural de Irlanda, que estaba al borde de una guerra civil. Un lugar en donde la gente podía aprender, discutir y soñar, pero, sobre todo, bailar y divertirse, que llamó rápidamente la atención de la Iglesia y de los políticos, que forzaron a Jimmy a fugarse del país y al posterior cierre del salón. Cuando regresó de los EEUU diez años más tarde, Jimmy tuvo una vida más tranquila. Sin embargo, a medida que se reintegraba a la comunidad, descubrió la pobreza, el aburrimiento y la creciente opresión cultural que reinaba, y decidió reabrir el salón abandonado y vacío, pese a la oposición de muchos y las consecuencias.

18/03 - 17.00hs. La Calle Musical (Sing Street)
Comedia, 2016. Director: John Carney
Nacido en el seno de una familia de clase media dedicada a la bebida, en Dublin durante los años ‘80, Conor, el hijo menor, se ve obligado a trasladarse desde su colegio privado a la escuela de los Hermanos de Synge Street, donde los nuevos niños finos son presa fácil para los matones del colegio. Conor sigue los consejos de su admirado y libertino hermano mayor sobre relaciones y música, y así forma una banda para atraer a una sofisticada mujer más grande, a quien persuade de participar en unos vídeos musicales. En una perfecta reconstrucción de la vida adolescente en Dublin de los años ‘80, y con una banda sonora a la misma altura, el director John Carney ha alcanzado otro triunfo con este cálido relato musical.

20.00hs. Había Una Vez (Once)
Romance musical, 2007. Director: John Carney
También escrito y dirigido por John Carney, Había una vez es un reconocimiento a los clásicos musicales del pasado, al tiempo que se distancia de ellos. A través de una interpretación singular y moderna, el espectador sigue a un chico que trabaja tiempo parcial ayudando a su padre en su pequeña empresa de reparación de aspiradoras. Un día, el muchacho conoce a una inmigrante de la Europa Oriental, que se ha mudado a Dublin para empezar una vida nueva y, actualmente, está como mucama en una residencia de clase alta. En una Dublin que se ha vuelto cada vez más próspera y materialista durante el inédito boom económico de Irlanda, los dos se encuentran como extraños y luchan con su música y sus corazones. Descubren en la música un vínculo común que los acerca de forma muy natural.

19/03 - 20.00hs. La Hija de Ryan (Ryan’s Daughter)
Drama, 1970. Director: David Lean
El legendario director David Lean (Lawrence de Arabia, El Puente sobre el Río Kwai), vuelca su mirada hacia la historia irlandesa en este drama épico, ganador de un Oscar. En los albores del Levantamiento de Pascua en 1916, una mujer casada de un pequeño pueblo irlandés tiene una aventura amorosa con un perturbado militar británico. La Hija de Ryan, que guarda paralelos con Madame Bovary, y cuenta con un reparto que incluye a Robert Mitchum, Trevor Howard y John Mills, es un retrato hermoso y complejo de la Irlanda rural y las divisiones que existían en aquellos tiempos turbulentos.


20/03 - 20.00hs. Más Allá (Further Beyond)
Documental, 2016. Directores: Christine Molloy, Joe Lawlor
En su debut con los documentales, Christine Molloy y Joe Lawlor toman como punto de partida la fascinante figura del Siglo XVIII Ambrose O’Higgins (padre de Bernardo O’Higgins, el primer líder de la independencia de Chile), e intentan seguir los pasos de su viaje desde Irlanda. Al visitar los lugares clave de su vida- un lago en Sligo, una pradera en Meath, el puerto de Cádiz, y el borde de una montaña nevada en los Andes- especulan sobre el concepto de lugar y lo que representa O’Higgins y su recorrido. Con esta historia firme y divertida, los directores se adentran en la aventura del proceso documental y crean una exploración del tiempo y lugar que brilla con curiosidad e ingenio.

21/03 - 19.00hs. Un Millón de Dublinenses (One Million Dubliners)
Documental, 2014. Directora: Aoife Kelleher
El Cementerio de Glasnevin es el último destino de descanso para un millón y medio de almas. También es la necrópolis nacional de Irlanda. Un Millón de Dublinenses revela los relatos no contados de los rituales, las pérdidas, las redenciones, las emociones, la historia y el negocio de la muerte.

Pero este film habla realmente acerca de la vida: el apuro en las florerías en el día de San Valentín, los visitantes estadounidenses buscando con emoción a sus ancestros irlandeses; el amor perdido y anhelado; el descubrimiento y el duelo; los sepultureros y los músicos en sus ratos de celebración. Sobre todo, es la historia de un Guía de Turismo muy cautivador que lleva a sus turistas- y a nosotros- en un recorrido por las lápidas y los monumentos, las opiniones y las creencias. Un Millón de Dublinenses, a menudo con sentido del humor siempre conmovedor, explora la vida, la muerte, la vida más allá de la muerte y tiene un final que se queda en la memoria para siempre.

21.15hs. Mesa Redonda: “Perspectiva del cine argentino e irlandés”
Con Victor Laplace, Oscar Barney Finn, Alan Gilsenan y Aoife Kelleher.


22/03 - 20.00hs. 1916: La Rebelión Irlandesa (1916: The Irish Rebellion)
Documental, 2016. Director: Pat Collins
Narrado por Liam Neeson, este histórico documental premiado cuenta la historia dramática de los acontecimientos que tuvieron lugar en Dublin durante la Semana Santa de 1916, cuando un reducido grupo de rebeldes irlandeses se enfrentaron a la fuerza del Imperio Británico. Este documental, que presenta una combinación de material filmado archivado pocas veces visto, nuevos segmentos filmados in situ de distintas partes del mundo, y entrevistas con destacados expertos internacionales- también revela la historia oculta del papel central que tuvieron los irlandeses-estadounidenses durante el período que antecedió a la rebelión. Aunque fueron derrotados en la lucha militar, los hombres y las mujeres del Levantamiento de Pascua arrancarían una victoria moral de las fauces de la derrota, e inspirarían infinitas luchas por la libertad a nivel mundial- desde Irlanda hasta la India.


***

DESFILE + SHOW

18/03 - A partir de las 14.00hs. “Buenos Aires Celebra Irlanda”
Show de música y danzas irlandesas, y una recreación dramática de la vida del Almirante Guillermo Brown en ocasión del 160º Aniversario de su muerte’ en Plaza San Martín (Av. Alem)


***

MÚSICA



25/03 a las 19.00 hs:
Concierto de la Pianista Miceal O’Rouke en la Usina del Arte (Agustín R. Caffarena 1)

26/03 a las 11.30 hs:
Segundo Concierto de la Pianista Miceal O’Rouke + Cuarteto de Cuerdas en la Usina del Arte (Agustín R. Caffarena 1)

* Mícéal O’Rourke es un pianista irlandés famoso por sus interpretraciones de las obras de John Field. Nacido en Dublín, O’Rourke obtuvo su título en Música de la Universidad Colegio Dublín (UCD). Después de graduarse, se mudó a Paris donde aún reside. Allí estudió piano con Marcel Ciampi, un pupilo de Debuss y con la pianista argentina Florencia Raitzin. Luego, estudió en el Conservatorio de Amberes con Jacques de Tiège y participó de la clase magistral de Arturo Benedetti Michelangeli.

En 1994, la Sociedad Federico Chopin de Varsovia le otorgó la Medalla homónima en reconocimiento de su destacada interpretación de Chopin.

Por sus conciertos de piano, sus sonatas y sus interpretaciones de John Field, O’Rourke ha popularizado enormemente la obra completa del compositor.




Oscuro Animal. Dirigida por Felipe Guerrero.




Estreno Jueves 16 de Marzo





Listado completa de salas



BAMA Cine

(CABA – Bs As)



Centro Cultural Leonardo Favio

(Río Cuarto – Córdoba)



Cine Teatro Pico

(Gral. Pico – La Pampa)



Centro Cultural Jose Hernandez

(Rawson – Chubut)



Centro Cultural Cotesma

(San Martin de los Andes – Neuquén)

LOS OJOS DE ANA. De Luc Tartar con dirección de Paula Marull. En Espacio Callejón.



LOS OJOS DE ANA
de Luc Tartar
con dirección de Paula Marull




Ana es una joven superdotada que tiene los ojos de distinto color. En la secundaria, se burlan de ese hecho y poco a poco es rechazada por el grupo.

Es en el patio, frente a los demás estudiantes, donde lo impensable ocurrirá.



Los ojos de Ana del dramaturgo francés Luc Tartar, es uno de los once estrenos de la segunda edición del Festival Internacional de Dramaturgia Europa + América que cuenta con la curaduría y dirección de Matías Umpierrez, con producción de EUNIC (European Union National Institutes for Culture), en coproducción con Embajadas e instituciones culturales de Europa y América y salas independientes del circuito teatral de la Ciudad de Buenos Aires.



Elenco:
Federico Buso, Agustín Daulte, Paula Manzone, María Marull, Manuel Melgar, Ezequiel Rodriguez



Autor: Luc Tartar

Traductor: Humberto Pérez Mortera

Diseño de iluminación: Matías Sendón

Diseño de vestuario: Jam Monti

Diseño de sonido: Micaela Vilanova

Diseño de escenografía: Julieta Kompel

Voces en off: Agustina Cabo, Laura Grandinetti, Maca Jensen y Micaela Vilanova

Fotografias: Natalia Rubinstein

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Asistente dirección y producción: Claudia Battaglia

Directora: Paula Marull



Este espectáculo fue producido por EUNIC, Embajada de Francia en Argentina, Alianza Francesa, Espacio Callejón y Festival Internacional de Dramaturgia Europa + América.



Reestreno 2da temporada: viernes 10 de marzo 2017

Funciones: viernes 20 hs

Duración: 70 minutos



ESPACIO CALLEJÓN

Humahuaca 3759, CABA

Localidades: $ 220 y $ 180 (descuentos a estudiantes y jubilados).

Entradas anticipadas: 2 x $ 360.

Entradas por Alternativa Teatral

http://www.alternativateatral.com/entradas41462-los-ojos-de-ana?o=14



DIJO LA PRENSA:



Extraordinarios! No dejen de verla en Espacio Callejón! Las Marull insuperables para mí dentro de su generación!

Soledad Silveyra



La mirada poética de Paula Marull

MUY BUENA. “Paula Marull se sumó a la tarea y, en este caso, montó una obra preciosa de un dramaturgo francés -Luc Tartar- e hizo maravillas. Aunque Marull acostumbra dirigir obras propias y ligadas a historias que se desprenden de las imágenes de su infancia, en este caso salió de esa zona que la contiene y se animó al desafío que implica abrirse a nuevos temas, y el resultado es contundente. La sala del Espacio Callejón se transforma por completo y Marull hace alarde de gran puestista. Maravillosamente, aunque posee un mensaje claro es tan inteligente como para dejar zonas por completar a una platea que seguro emprenderá esta tarea gustosa por el gran teatro que se le despliega.”

Jazmín Carbonell, La Nación

http://www.lanacion.com.ar/1915657-la-mirada-poetica-de-paula-marull



El bullying juvenil en singular obra francesa

MUY BUENA. “Sobresale María Marull en la poética obra de Luc Tartar. Aunque la obra no tiene una estructura lineal sino historias que se superponen, una protagonista que no aparece en escena sino a través del relato de los demás personajes, su testimonio es sumamente claro y aleccionador. De allí que que la obra dirigida por Paula Marull agote localidades en estos días. Las escenas más atractivas tiene que ver con Mónica, interpretada por María Marull. El vuelo imaginativo de este personaje, su sensibilidad, falta de prejuicio y gran sentido del humor encantan al público.”

Patricia Espinosa, Ámbito Financiero




Las brujas

“Los personajes del dramaturgo francés Luc Tartar se despliegan en la hostilidad de una realidad social vencida. En la dramaturgia de Luc Tartar nadie ve lo evidente. No importa el atuendo o las palabras que se descargan al público porque los personajes son seres solitarios, encapsulados en un discurso tan ajeno a esa sociabilidad vencida, dañada que no tendría el menor sentido convertirlo en diálogo. Tartar pone en cuestión la materialidad de los hechos en un realismo que se deja invadir por procedimientos más poéticos, por una yuxtaposición de narraciones que hacen de la peripecia el catálogo de un sistema donde todo tiene que ser comprensible, donde las conductas deben adaptarse a una similitud que les borre cualquier destello de singularidad.”

Alejandra Varela, suplemento Las 12 de Página 12

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/las12/13-10899-2016-09-23.html



DIGITALES


“María Marull, reaparece al día siguiente en otra notable conjunción con su hermana Paula que dirige esta obra de Luc Tartar, y con sus incontables recursos se camufla en Los ojos de Ana para obsequiarnos su patetismo, su resignación, su inmenso dolor, en un fuerte alegato contra la incomprensión y en una radiografía de la lacerante llaga social que pulveriza equidad, respeto, ética, solidaridad, bajo la mirada impiadosa y molesta de esos ojos que ya no disimulan y contemplan con esa molesta honestidad. Ambos elencos ajustan precisión actoral y equilibrio escénico. Un lujo haber podido ser partícipe de esta celebración del talento.”

Luis Kramer, radio Zónica



Breves y sencillos pasos para construir monstruos

“Hay aciertos contundentes que hacen de Los ojos de Ana una pieza valiosa y relevante para nuestro tiempo. Ese genocidio trágico de una sola persona en sesenta minutos, martilla los cristales de la inocencia de las nuevas generaciones, expone la sobredeterminación de las conciencias en el marco de la cultura en convivencia e, inevitablemente, hace estallar las esquirlas en una explosión física final que se siente en el cuerpo y queda retumbando en el aire.”

Christian Schmirman, Paratexto

https://medium.com/@Paratexto/cr%C3%ADtica-teatro-los-ojos-de-ana-breves-y-sencillos-pasos-para-construir-monstruos-8f86f09f985f#.9txmoxqcg



Violencia para la cartera de la dama o el bolsillo del caballero: Violencia en todas sus formas

“Las interpretaciones llevadas a cabo con sutiles matices e intensidades -donde se destaca el trabajo de María Marull y Ezequiel Rodríguez- ponen cuerpo y voz a la historia de una adolescente (Ana) y la violencia que despierta en los otros al percibirla diferente. El amplio espacio escénico del Callejón es trabajado consecuentemente con el mundo violento que se busca retratar. Paula Marull dirige con creatividad e ingenio, apoyándose en el gran labor de luces de Matías Sendón y el diseño escenográfico de Julieta Kompel. Como a Ana, la violencia no la vemos. Le pasamos por al lado, hablamos de ella, la divisamos, la oímos, pero no la vemos. Porque ver no es solo percibir, es también comprender.”

María Belén Cantenys, Espectáculos de Acá

http://www.espectaculosdeaca.com.ar/los-ojos-de-ana-2/



Los ojos de Ana, una pieza conmovedora

“Dramaturgia del francés Luc Tartar e ingeniosa dirección de la rosarina Paula Marull. Sorprende desde un primer momento por su puesta y cuando uno se va adentrando en su trama ya no se puede escarpar a la emoción. Destaca la manera en que los actores se apoderan del texto y enriquecen la difícil dramaturgia. Con mínima escenografía y excelente iluminación se logra un ambiente proclive para enfatizar la trama. En resumen, la obra nos habla sobre los cambios y difícil sensibilidad en que los adolescentes se ven sumergidos, abordando la discriminación, agresión, amor, anhelos y bullying cuya razón resulta ser el conflicto generacional entre padres e hijos. Un acierto en la puesta poética y cruda, que deja la superficie los problemas sociales de hoy en día, el debilitamiento en los valores familiares.”

Cristian Dominguez, AR Blasting News

http://ar.blastingnews.com/ocio-cultura/2016/09/los-ojos-de-ana-una-pieza-conmovedora-001129159.html



“Paula Marull dirige una pieza del dramaturgo y novelista Luc Tartar, y demuestra una mirada cinematográfica en donde cada personaje está pincelado desde situaciones mundanas. La atracción es inmediata. Es inevitable dejar de mirar las acciones que suceden en la periferia de las escenas centrales. Todo está combinado de una forma para que los ojos no pierdan la atención de nada de lo que sucede. Espacio Callejón convierte el escenario en una plataforma donde todo lugar es transitado. Cada rincón despierta el mundo interno y colabora para que la realidad aflore con astucia. Agustín Daulte cautiva apenas ingresa en escena. Los ojos de Ana entrega actuaciones maravillosas donde cada personaje asume un compromiso inquebrantable desde el comienzo de la función. Hay una homogeneidad que no permite jamás salir de la historia. Su poética forma de narrar permite vislumbrar una luz entre la pesadez de una vida donde la mirada ajena discrimina y abre la introspección en los lugares más ocultos de cada uno.”

Arturo Le Branca, revista Meta

http://www.revistameta.com.ar/archivos/12533



“El camino del artista muchas veces se encuentra con esta verdad dicha por Albert Einstein: «La persona que camina sola probablemente se encontrará en lugares donde nadie ha estado antes». La frase de Einstein trae consigo el fantasma al que estos personajes se ven condenados por no poder sostenerse en la diferencia, pues la persona que sigue a la multitud, normalmente, no la sobrepasa. En consecuencia, para evitar cualquier inestabilidad, la misma multitud es la que rechaza aquellos dones que poseen los seres especiales, en lugar de abrirse a lo desconocido.”

Nuria Gomez Belart, La Cazuela



“Es una obra que nos habla de las relaciones humanas que rigen en nuestro mundo actual, poniendo un especial énfasis en la problemática del bullyng, que sufren los adolescentes, una temática poco tratada en nuestro teatro pese a su vigencia actual. Pero la pieza, también aborda la falta de la comunicación entre padres e hijos y como los problemas de pareja puede influir negativamente en la conducta de los hijos y además trata la problemática de perder el trabajo y la crisis que esto apareja.La obra es muy profunda, se ocupa de temas de candente actualidad y por esto atrapa desde el inicio al espectador, que se vé seducido por el guión, una trama muy dinámica y también por una puesta de gran despliegue. El guión es potente y la trama es vertiginosa y tiene mucha fuerza, gracias a las extraordinarias actuaciones que tiene la obra. Un elenco comprometido con la obra, que funcionan en conjunto y como un verdadero equipo sobre el escenario.”

Pensador Teatral

http://pensadorteatral.blogspot.com.ar/2016/11/los-ojos-de-ana.html



“Seis actores se suben a escena para dejar todo arriba del escenario, dispuestos a realizar una entrega emocional que el público agradece con aplausos, risas y lágrimas. Paula Marull dirige esta pieza con gran inteligencia, logrando actuaciones tan desgarradoras como precisas, creando personajes bien definidos que se mueven en un espacio de libertad y compromiso, algo muy difícil de lograr y que el público sabe apreciar y valorar.”

Manuel Germano, Chapeau Argentina




“Bienvenido el teatro que palpita, genera y transforma. Excelente obra Los ojos de Ana de Luc Tartar, con la dirección impecable de Paula Marull, acompañada de un elenco lujo. No se la pierdan en el bello Espacio Callejón.‪#‎siempreconmagia”

Maria Putrueli, Crac Magazine




NOTAS Y ENTREVISTAS



“Es un disfrute que compartimos”

Paula Marull y Maria Marull actrices, autoras y directoras. Las gemelas rosarinas llenan salas y agotan entradas. Tienen cuatro obras en cartel y alternan los roles entre la actuación, la dirección y la dramaturgia. “Desde chicas compartimos todo, y lo creativo también. Tenemos visiones parecidas”, señalan.

Entrevista de Candela Gomes Diez, Página 12

www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/10-40533-2016-11-11.html



Talentos Sub 25: la joven guardia del teatro

Apuestan a la formación, a la capacidad de trabajo y al riesgo. No son mediáticos. Se lucen en distintas obras del circuito off y del comercial. No son los únicos, pero aquí están ellos.

Nota de Sandra Commisso, diario Clarín donde entrevista a Agustín Daulte

http://www.clarin.com/extrashow/teatro/Talentos-Sub-joven-guardia-teatro_0_1632436809.html



“El atractivo que tiene este festival es que cruza culturas”

En su segunda edición, que empezará hoy, once directores argentinos estrenarán obras de destacados autores extranjeros. El público podrá conocer dramaturgia contemporánea de Alemania, Brasil, Austria, Croacia, Polonia, Rumania y Suiza, entre otros países.

María Daniela Yaccar, Página 12

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/10-39112-2016-06-10.html




Luc Tartar

Es dramaturgo y novelista, becario del Ministerio de la Cultura y del Centro Nacional del Libro. Es autor de varias novelas y de una veintena de obras de teatro (EditionsLansman, Théâtrales, Espace 34) entre las cuales destacan S’embrasent(Abrazados), Roulezjeunesse! (¡A darse vuelo!), Les yeuxd’Anna (Los ojos de Ana), En découdre, Ayam, Mutin!…Sus obras se montan regularmente en Francia y en el extranjero. Tartar ha sido traducido al inglés, alemán, español, serbio, rumano, polaco y persa. Los ojos de Ana recibió en Francia el Prix de l’Inédithéâtre 2010 y fue seleccionada Coup de coeur (Amor a primera vista) 2014 por la asociación Théâtre à la Page. La obra fue traducida al español por Humberto Pérez Mortera y al inglés por William Snow.



Paula Marull

Es dramaturga, directora y actriz. Egresada de la carrera de Dramaturgia de la EMAD. Se formó con Javier Daulte, Mauricio Kartun y Ricardo Monti, entre otros.

Su ópera prima como autora y directora, Vuelve, fue ganadora del premio Argentores y obtuvo dos nominaciones a los premios Trinidad Guevara. También escribió y co-dirigió Arena, todo se deshace y Yo no duermo la siesta, donde es autora y directora y que fue ganadora del premio ARTEI y mención de honor del Fondo Nacional de las Artes.

Como actriz trabajó en teatro, cine y televisión. En este momento actúa en la obraUn hombre con gafas de pasta, de Jordi Casanovas, dirigida por Silvia Gómez Giusto, otra obra que forma parte del Festival Internacional de Dramaturgia Europa + América y que puede verse también en el Espacio Callejón. En breve estrenará como actriz, Hidalgo, de y dirigida por María Marull.

Escribió teatro, narrativa y ficción para tv.

La Tempestad. De William Shakespeare, con versión y dirección de Alfredo Martín. En el Teatro Andamio.


La Tempestad




De William Shakespeare, con versión y dirección de Alfredo Martín; Interpretada por: Marcelo Bucossi, Brenda Margaretic, Iván Vitale, Mario Falcón, Julián Belleggia, Daniel Goglino, Nicolás Fabbro, Gabriel Nicola, Pablo Mariuzzi, Marcelo Rodriguez, Bianca Vilouta Rando, Gustavo Reverdito, Ariel Delgado y Nicolás Olmos. En el Teatro Andamio, Paraná 660. Entrada $200 (Estudiantes y Jubilados $150.-). Tels. / Informes: 4373-5670 // Funciones: Viernes, 20.30 hs.



Espectáculo galardonado con Un Premio Teatro del Mundo (Trabajo Destacado en Adaptación / Alfredo Martín) Dos Premios Luisa Vehil (“Mejor Actor y Mejor Actriz de Reparto” / Mario Falcón y Bianca Vilouta Rando) y Dos Nominaciones al Florencio Sánchez (“Mejor Actor Protagónico” / Marcelo Bucossi y “Mejor Actor de Reparto”, Pablo Mariuzzi).

Seleccionado para participar del Festival Internacional Shakespeare 2017





Sinopsis
// Próspero, el duque de Milán, exiliado por la fuerza a una isla, provoca el naufragio de sus enemigos con sed de venganza. Su encantamiento despierta los más variados juegos sucios. Ariel, esclavo de Próspero, mientras ejecuta con destreza los deseos de su jefe, ansia su propia liberación. Miranda, hija del duque, se enamora de Fernando, hijo de Alonso, principal enemigo de su padre. Los náufragos extraviados intentan asesinar a su Rey con el afán de tomar la corona. Entretanto Calibán, un subhumano oscuro, pretende librarse de Próspero y aliándose con un bufón y un borracho, intentará asesinarlo. El amor entre Miranda y Fernando modificará los propósitos del protagonista confrontándolo con la ética de sus actos y la naturaleza del perdón.



Dijo la Crítica:
“Ponderable es el esfuerzo formal de traer La Tempestad, de William Shakespeare, a 400 años de la muerte del genio de Avon. Alfredo Martín lo logra”, Luis Mazas, Revista Veintitrés // “Marcelo Buccosi encuentra el tono exacto de su Próspero. Todos los intérpretes están a la altura. Felicitaciones a Alfredo Martín en una labor impecable. Excelente adaptación y muy buenas actuaciones. La obra de Shakespeare brilla gracias a este espectáculo”, Palabras de Osvaldo Quiroga (Red Social Twitter) // “Alfredo Martín destaca la profundidad en los personajes principales y aporta así actualidad a un clásico. La obra se desarrolla de manera dinámica y fugaz, casi como un sueño”, Nuria Gomez Belart, La Cazuela Cultural // “Alfredo Martín nos entrega una diáfana versión de La Tempestad al sólo efecto de procurarnos el goce pleno de una obra maravillosa. Marcelo Bucossi logra el periplo de un personaje mayor del teatro isabelino”, José María Gomez (Escritor y Crítico Teatral) // “Una ceremonia teatral que linda con lo sagrado. Bajo la batuta de Martín, todo el elenco se mueve con solvencia”, Fernando Musante y Stella Matute, Tenerte al Tanto // “Toda la poética mágica de Shakespeare se despliega sobre el escenario con un elenco talentoso” Roberto Famá Hernandez, Eso que llamamos Teatro // “Marcelo Bucossi da inicio a la obra de una manera literalmente encantadora. En la dirección, se celebra la sintonía con el espíritu sobrenatural que ideó Shakespeare para la trama”, Mariana Kosodij, Diario Registrado // “Una puesta que logra la armonía en la encrucijada de los diferentes lenguajes que se cruzan en escena, con muy buenas actuaciones. Fiel al punto central de la propuesta shakespereana”, Azucena Joffe y Mariángeles Saenz, Luna Teatral // “Una puesta muy bien lograda con catorce actores parejos donde se destaca Marcelo Buscosi en su rol protagónico. La dirección de Alfredo Martín es impecable.”, Adriana Francia, Radio Zónica





Sobre el Proceso Creativo, por Alfredo Martín




“La idea fue trabajar con las distintas dimensiones que se despliegan en el texto, con la búsqueda de generar una resignificación constante de su sentido, tanto desde lo ficcional, como así también desde lo poético y el presente escénico. Partimos de esa múltiple condición de Próspero, en tanto autor, director y protagonista de la obra, al mismo tiempo. Aquella isla exótica en la que sucede lo narrado, es a la vez el escenario del lenguaje teatral y el universo todo. El teatro por dentro del teatro y por dentro del mundo. La profundidad de los diferentes pilares simbólicos del texto nos acerca a la potencia sanadora (tanto subjetiva como social) del perdón y el carácter constructivo de la responsabilidad; elementos que hilvanan una ética que opera en contraposición a valores tales como la ambición desmedida, el odio y la traición, que llevan incluso al intento de fraticidio. Una reflexión inagotable sobre los diferentes modos de ser del poder. No podemos amar el mundo sin previamente hacernos cargo de aquello que somos y fuimos. Como ya lo expuso la filósofa política Hannah Arendt, el único modo que tenemos de salvaguardar aquello que rompemos con nuestros actos, el único modo de construir entre los escombros, es la voluntad del perdón; uno de los motores claves de La Tempestad”



Ficha Técnica: Autor: William Shakespeare, con versión de Alfredo Martín; Intérpretes (por orden de aparición): Marcelo Bucossi (Próspero), Brenda Margaretic (Miranda), Iván Vitale (Ariel), Mariano Falcón (Calibán), Julián Belleggia (Fernando), Daniel Goglino (Gonzalo), Nicolás Fabbro (Adrián), Gabriel Nicola (Alonso), Pablo Mariuzzi (Sebastián), Marcelo Rodriguez (Antonio), Bianca Vilouta Rando (Trínculo), Gustavo Reverdito (Estéfano), Ariel Delgado (Espíritu 1), Nicolás Olmos (Espíritu 2), Asistentes de Dirección: Cecilia Nicolich y Analía Sirica; Diseño de Escenografía e Iluminación: Hector Calmet; Realización Escenográfica: Dario Tarazewicz, Fernando Díaz y Analía Schiavino.; Diseño y Realización de Vestuario: Aníbal Duarte; Objetos: Gustavo Reverdito y Ana Revello; Maquillaje: Ariel Nesterczuck; Música Original: Gustavo Twardy; Interpretación (Percusión): Margaret Planes; Imágenes: Ignacio Verguilla; Diseño Gráfico: Gustavo Reverdito; Entrenamiento Corporal: Armando Schettini; Fotografía: Gabriel Oscar Pérez, Dirección y Puesta en Escena: Alfredo Martín






Sobre Alfredo Martin // Es Director, Dramaturgo y Actor. Psicoanalista y Psiquiatra. En su doble rol de dramaturgo y director, algunos de sus últimos trabajos fueron: “La Tempestad”, versión propia del texto de W. Shakespeare (Propuesta galardonada con Un Premio Teatro del Mundo “Trabajo Destacado en Adaptación”, Dos Premios Luisa Vehil “Mejor Actor y Actriz de Reparto” / Mario Falcón y Bianca Vilouta Brando y Dos Nominaciones al Florencio Sánchez- “Mejor Actor Protagónico” / Marcelo Bucossi y “Mejor Actor de Reparto”, Pablo Mariuzzi-; Espectáculo seleccionado para participar del Festival Internacional Shakespeare 2017); “Los Derechos de la Salud”, versión propia del texto de F. Sánchez (Teatro Andamio, Año 2016); “Pessoa escrito en su nombre” , a partir de la vida y obra de Fernando Pessoa (Teatro Andamio 2015/16, Con un total de Trece Nominaciones -María Guerrero, Fcio Sanchez, Luisa Vehil y Teatros del Mundo-; Ganador del Premio Luisa Vehil “Mejor Dirección”); “Díptico Kafkiano”, a partir del cuento “La Metamorfosis” y la novela “El Proceso”, de F. Kafka (Del Borde, Año 2014/15); “Todo Disfraz Repugna a Quien lo Lleva”, sobre textos S. Ocampo (Del Borde, Año 2013 – Espectáculo Nominado en “Mejor Dirección” para los Premios L. Vehil); “Niños de Madera”, inspirada en Pinocho de C. Collodi, con el grupo Los Gascones (Teatro Andamio, Año 2013 -Premio Festival “Vamos que venimos”; Concurso ATINA y Nominada en Dirección para los Premios Fcio Sánchez); “Dirán que fue la Noche”, sobre poemas autoras Rioplatenses (Teatro La Scala de S. Telmo, Año 2013); “Lo que llevo de ausencia”, sobre la vida y obra del escritor H. Conti (Del Borde, Años 2012/13 – Espectáculo Nominado a los Premios Mundo T y Ttro del Mundo/UBA; Declarada Interés Cultural Municipio Cdad Chacabuco-); “El jardín de los Cerezos o la fugacidad del tiempo”, sobre la obra de A. Chejov (Teatro Andamio 90, Años 2011/12); “Cyrano, un caballero de las sombras”, de R. Rostand (Teatro Andamio, Años 2011/12; Espectáculo galardonado con el Premio Festival “Vamos que venimos”); “Detrás de la forma”, adaptación de “Ferdydurke” de W. Gombrowicz (Teatro Andamio, Años 2011/12; Premio Obra Adaptada Argentores 2010. Participó Festival Escena 2011/Festival Gombrowicz; Radom-Polonia 2011); “El Paraíso”, sobre texto de W. Gombrowicz (Teatro Andamio 90, Años 2009/10); “El Prestamista que citaba a Göethe”, inspirado en “La Mansa” de Dostoyesvki (Teatro del Búho 2009/10; Premio Obra Adaptada, Argentores 2009); “El Otro Señor G”, versión de “El Doble” de Dostoyevski (Espacio Kafka y La Ranchería, 2007/08); “Glamour Indio” (Espacio Callejón; 2° Premio Dramaturgia Nac.); “Perspectiva Siberia”, con textos de Dostoievsky (En co/producción Teatro Gral. San Martín Sala Falsa Escuadra, Año 2009.); “Noches Blancas en Buda” (Premio C. Género Chico, Editada por C. C. Ricardo Rojas, Año 1997); “Acto de Fe” (Mención Especial Concurso Monólogos; Metrovías y Argentores, Año 2008). “Martín y Mariquita, el amor a la libertad” (Mención Especial Radioteatro Argentores, Año 2010); “Islas Flotantes”, dirigida por V. Salvatore (Teatro Del Borde, Año 2004). En su rol de director, presentó espectáculos tales como: “Kiev”, de Christian Lange (Teatro El Búho. 1° Premio Concurso Teatral org. por dicha sala, Año 2008); “Un leve dolor”, de Harold Pinter (Camarín de Las Musas, Año 2005). En su rol de actor participó en espectáculos tales como: “Nocturno Hindu”, con dramaturgia y dirección de G. Izcovich (a partir de la novela de Antonio Tabucchi; actualmente en cartel, Sábados a las 21 hs.- en el Portón de Sánchez); “La Música del Azar” de G. Izcovich (a partir de la novela de Paul Auster, Años 2013/14); “Esto también pasará” de M. Saba, con dirección de A. Binetti (Teatro del Pueblo, Años 2014/15); “Ofensa” John Hopskin, con dirección de M. Velazquez (T. Andamio, Año 2010); “El Prestamista que citaba a Göethe” (Teatro del Búho, Años 2009/10 -Premio Obra Adaptada, Argentores Año 2009-); “El amor es un francotirador”, con dirección L. Arias (Espacio Callejón y C.C. Rojas, Años 2007/08 - Festivales: “Steirischer Herbst en Graz.”Austria, Año 2007 / “In Transit” -Alemania, Berlín /“You are Here” -Irlanda, Dublín. 2008- ); “El Otro Señor G” (Teatro Kafka, Años 2008/2007); “Los muertos”, de M. Pensotti y B. Catani (Camarín de las Musas, Años2007/08- Festival Hebbel Theater; Berlín, Alemania); “La Venda” y “Todos Hablan”, de G. Izcovich (La Carbonera, Año 2007 - Festival Internac Grec Barcelona); “El Mar”, de M. Fasce, con dirección de G. Izcovich (Sala Beckett, Año 2007 -Gira por Barcelona, España); “Las Mujeres de los Nazis”, de H. Levy Daniel (Patio de Actores, Años 2007/08); “Terapia”, de D. Lodge, con dirección G. Izcovich(Años 2004/05); “Bizarra” (C.C. Rojas, Año 2003); “Raspando la Cruz” (C.C. San Martín, Años 1997/1996) y “Remanente de Invierno” (C.C. San Martín, Año1995) todas de R. Spregelburd; “Los ocho julio”, de B. Catani y M. Pensotti (Biodrama T. Sarmiento, Año 2003); “Fuera de Cuadro”, de J. Daulte (co/producción hispano-argentina Espacio Callejón. Sala Beckett de Barcelona, Año 2002); “Nocturno Hindú”, de A. Tabucci (Galpón del Abasto, Año 1997 - 1° Premio Nac de Teatro; Premio Dramaturgia T. Del Mundo - Gira por Italia y España-); “Blancos Posando” (Año 2000) y “El Paciente” (2001/02), de Luis Cano; “Ojos Ajenos” de M Pensotti (Año 2000); “El Líquido táctil”, de D. Veronese (Teatro Nac. Cervantes, Año 1997 -1° Festival Internacional Teatro de Bs As.; Festival Nac. de Teatro Tucumán y Festival Internacional Teatro Porto Alegre); “La Confesión”, con dirección de Michel Dydim y Verónica Bellegarde (co/producción franco-argentina; Teatro Gral. San Martín. - 2° Festival Internacional Teatro de Bs As-, Año 1999); “Fragmentos de una Herótica”, de J. Margulies. (Babilonia -Festival Internacional Les Alumées Nantes Francia-, Año 1993).

DON'T CRY CEFERINO. Dramaturgia de Gonzalo Demaría. Dirección de Alejandro Giles.




"¿Qué clase de historia le conviene a un santo?
Ciertamente no la tragedia. La comedia se acerca
más a la posibilidad de captar el carácter lúdico
de la santidad genuina y de la lógica suprema de
una vida vivida a través de Dios. También se
precisa un elemento de incertidumbre: hasta el
final de la historia, nadie puede estar seguro del
desenlace ".
Kenneth L. Woodward





Desde el sábado 11 de marzo a las 22:00 hs., vuelve la obra de la dupla creativa de “Té de ceibo”: Gonzalo Demaría en dramaturgia y Alejandro Giles en dirección. Un espectáculo en el que nadie es santo ni aunque lo parezca.



Sinopsis:
Un pequeño Hotel de Chimpay atendido por sus dueños Blanca y Sixto es visitado por dos eminencias del Vaticano buscando confirmar un milagro para convertir en nada menos que Santo a Ceferino Namuncurá.
Logran así con la ayuda de Don Eugenio, un rico estanciero deseoso de amar, encontrar a Georgette, turista Belga y ciega que gracias a la imagen de Ceferino, según ellos, recobró la visión. Todos son Santos, salvo Ceferino, hasta que se demuestre lo contrario.

Reestreno: sábado 11 de marzo.
Funciones: sábados, 22:00 hs.
Lugar: El Tinglado (Mario Bravo 948)
Localidades: $300. Descuento Jubilados y Estudiantes ($200). 2x1 con Alternativa Teatral
Reservas: 4863-1188
Duración: 70 min.


Ficha Técnica:
Dramaturgia: Gonzalo Demaría.
Elenco (por orden de aparición): Silvia Trawier (Blanca), Roberto Bobe (Sixto). Roberto Romano (Rudbeck), Fernando Gonet (Padre Chiclana), Carolina Solari (Georgette) y Santiago Vicchi (Don Eugenio).
Música original: Damián Malher.
Iluminación: Giles/Crasso
Escenografía: Giles/Pujadas
Vestuario: Giles/Solari
Prensa: OCTAVIA Comunicación
Fotografía: Verónica Waehner
Asistencia de dirección: Tomás Pujadas
Dirección: Alejandro Giles.

Sobre Gonzalo Demaría:
Dramaturgo, novelista, ensayista, compositor y director teatral. Sus espectáculos fueron estrenados principalmente en Buenos Aires y en París.
Algunas de sus últimas obras son: "La maestra serial" y "La ogresa de Barracas", ambas protagonizadas por Lucila Gandolfo; "El diario del peludo" y "Conurbano I", ambas bajo su dirección.
En 2010, su obra "Cordero de ojos azules" formó parte de la cartelera del Complejo Teatral de Buenos Aires. Dirigida por Luciano Cáceres y protagonizada por Leonor Manso y Carlos Belloso, realizó además una gira internacional por España y Colombia.
Otras obras de su autoría y dirección fueron: "La Anticrista y las langostas contra los vírgenes encratitas", "Cabo Verde", "Novia con tulipanes", "Lo que habló el pescado" y "Ché Cabaret", este último show musical fue concebido junto a Lucila Gandolfo.
En el campo del teatro musical se inició con la comedia musical con "Nenucha, la envenenadora de Monserrat", en colaboración con Damián Dreizik y con la dirección de Helena Tritek y le siguieron "Houdini" y "Rita la salvaje". En todas escribió las partituras y la dramaturgia.
En París, el régisseur Alfredo Arias llevó a escena dos óperas contemporáneas de su autoría: "Mambo místico", que marcó el debut en el musical de Marilú Marini, y "Trois tangos", con versos suyos escritos en tres lenguas distintas y música de Axel Krygier. También montó "Truismes", una adaptación teatral que Demaría hizo del libro de una autora francesa, Marie Darrieussecq. Con Arias también montó "Relaciones tropicales" en La Trastienda.

Sobre Alejandro Giles:
Director, actor y docente teatral nacido en Mar de Plata, desarrolla su carrera artística en Buenos Aires donde reside, expandiendo su trabajo a Latinoamérica y España.
Sus espectáculos han recibido subsidios y premios en Argentina y en Europa, e invitaciones a Festivales Nacionales e Internacionales. Integró “Proyecto Puentes”, agrupación de autores y directores, grupo de investigación. Forma y entrena actores en su estudio en Buenos Aires, y en seminarios dictados free­lance. Trabaja como coach de actores y directores en cine. Speaker sobre creatividad y comunicación para grupotalex.com, y free­lance. Profesor invitado en la cátedra Introducción a la apreciación artística en UDESA Universidad de San Andrés.
Como Director teatral se ha desempeñado en espectáculos de diferentes dimensiones de producción, con prestigiosos artistas, y con gran reconocimiento. Actualmente trabaja en la nueva versión de “Eva y Victoria” para una gira en Latinoamérica, y en la puesta en escena del mismo texto en Madrid. Monta con auspicio de la Embajada de ESpaña y Cancillería Argentina para España, Iberoamérica y Francia el texto de Mónica Ottino “Robespierre” con estreno para el 2017. Entre sus últimos espectáculos como director figuran: “Té de Ceibo”, “Ay! Carmela”, “Así es... si os parece”, “El hijo mayor”, “Canto de amor contra la muerte”, “El Alivio”, “Saratoga box”, “Ojo sin párpado en el cielo”, “Reflejo en tu reflejo”, “Mi ángel iluminado”, “Mega espectáculo Santiago del Estero “Ópera de calle 2014”, entre otros. Entre sus últimos espectáculos como actor figuran “Lo que no fué” de Noel Coward con dirección de Agustín Alezzo, y “El servidor” de Lauro Campos con dirección de Alberto Clementín, en ambos espectáculos con personajes protagónicos. Prepara su primer largometraje como director “Almafuerte” en co­dirección con Fernando Del Castillo.

CLARA de Sofía Wilhelmi. En el Camarín de las Musas.


Foto: Lau Castro


CLARA 

de Sofía Wilhelmi



Entre el thriller, la comedia y el romance en 2001.


Nada es lo que parece. Todos somos abrumantes y desesperados.



Actúan: Javier Pedersoli, Agustín León Pruzzo, Ezequiel Tronconi, Francisco Prim y Claudio Mattos




Fotografía: Lau Castro
Diseño gráfico: Petre
Diseño de espacio: José Escobar
Vestuario: Marina Claypole
Diseño de luces: Diego Becker
Asistente de dirección: Natalia García
Dramaturgia y dirección: Sofia Wilhelmi




Este espectáculo cuenta con el apoyo de Proteatro



REESTRENO: SÁBADO 21 DE ENERO 2017

Funciones: sábados 22.30 hs.

El sábado 25 de febrero no habrá función.

Duración: 90 minutos





EL CAMARÍN DE LAS MUSAS

Mario Bravo 960

Reservas e informes: 4862-0655


Entradas: $200 y $150 (estudiantes y jubilados)

Contacto FB: @clarateatro´





DIJO LA PRENSA:



MUY BUENA. El humor como estrategia

Sofía Wilhelmi decide, y muy acertadamente, confeccionar un thriller cargado de conflictos, pero con una buena cuota de humor que le permite abordar temáticas álgidas sin perder la gracia ni a la platea que ríe apenas iniciada la función. En esta nueva propuesta, y sin abandonar la crítica social, incorpora al humor como pieza fundamental, y el resultado es acertado: logra mostrar el costado más vil del ser humano, abordar la muerte y la sed de revancha como tópicos, las falsas apariencias y la inseguridad de nosotros mismos sin abandonar ni un instante la chispa y la frescura. La historia se desarrolla con mucha agilidad y eficacia, pero son las actuaciones -Claudio Mattos realmente hace un trabajo notable- y la precisa dirección de Wilhelmi lo que termina por hacer de Clara una gran propuesta.

Jazmín Carbonell, La Nación



http://www.lanacion.com.ar/1981298-el-humor-como-estrategia




Un thriller que sale del placard

Es una obra hilada en detalles de personaje con lenguaje comprometido en giros y de construcción crítica, que mueve en completa dinámica sus intrigas y plantea sus conflictos coyunturales e individuales hasta su sorprendente resolución.

Juliana Corbelli, Tiempo Argentino

http://www.tiempoar.com.ar/articulo/view/59801/



Nada ni nadie son lo que parecen

Todo un desafío para los cinco actores, porque el texto parece escrito para que ellos brillen, para que se ubiquen en primer plano, sin que ningún otro elemento compita con ellos. Y lo que les toca actuar no es fácil: están obligados a sostener la atención y la tensión de una única circunstancia que es álgida, pero al mismo tiempo deben lanzarse a buscar la risa y la complicidad del público.

María Daniela Yaccar, Página 12

http://www.pagina12.com.ar/imprimir/diario/suplementos/espectaculos/10-39578-2016-07-28.html






Un closet lleno de sorpresas

Clara vuelve al escenario del corralito de 2001, de manera oportuna, graciosa y efectiva. Cómo una obra sobre un tema serio como una enfermedad fatal se torna en una comedia hilarante y un apasionante thriller? Clara lo hace posible con un trabajo que propone un teatro singular mezclando géneros y pensamientos provocadores al mismo tiempo. Puede ser definida como una comedia negra y en algunas escenas puede recordar alguna la filmografía de Alex de la Iglesia, pero en realidad es difícil clasificarla, teniendo en cuenta el triste y trágico desencadenante del conflicto, no solo por la perspectiva íntima, sino también por la mirada social. El elenco es maravilloso cada uno desde su personaje. Wilhelmi logró una muy efectiva producción con diálogos ágiles y graciosos, para que crezca el suspenso y un excelente ritmo. Hace que los espectadores se rían a carcajadas mientras se mantienen al borde de sus asientos y, al mismo tiempo, lucha contra la caída en el olvido de una situación social crítica que no está tan lejos de nuestro presente.

Victoria Eandi, Buenos Aires Herald

http://www.buenosairesherald.com/article/224658/-a-closet-full-of-surprises




El quinteto de la muerte

La obra de Sofia Wilhelmi parece reírse de todos y de todo, pero (no es poco importante, y no está de más aclararlo) también hace reír a todo aquel que la ve. Hay 2001, crisis, identidad sexual, pero en Clara lo que me más hay es comedia farsante de la mejor. El éxito del mecanismo teatral que es Clara descansa en la distancia absoluta respecto de los personajes: todos cuentan con la dosis de miserabilidad suficiente como para que sea imposible identificarse con alguno. Clara tiene un tono festivo que barre con cualquier ínfula de retrato sociológico, con cualquier afirmación generalista del tipo “los argentinos somos esto”. El 2001 y la historia de venganza parecen ser apenas insumos de un teatro que trabaja las modalidades de la farsa y se divierte con esa comedia exagerada de secretos, miserias y fracasos, invitando al espectador a compartir un placer casi de entomólogo.



Diego Maté, Haciendo Cine







Sandra Commisso recomienda Clara en Vamos al Teatro en Clarin.com

http://www.clarin.com/extrashow/teatro/Vamos-teatro-Gurisa-Clara_3_1666063390.html




La clásica comedia de puertas aquí deviene en comedia de placard, de la mano de José Escobar y su escenografía, y que juega con la metáfora de "salir del closet" y una reafirmación que evidencia el tiempo y todo lo que se ha construido alrededor de la imagen de la homosexualidad en 16 años. Este universo de lo masculino, que lleva al borde los estereotipos acentuándolo en cada gag, le permite poner en la mesa temas de mayor importancia parando a sus protagonistas con sorna frente las sentencias más terribles.

Mara Teit, Llegas a Buenos Aires




Un thriller, una comedia de enredos, una puesta divertida e interesante

El Camarín de las Musas ofrece entre su variada cartelera una puesta que posee dos características que lo constituyen en una buena performance teatral: un texto interesante, y un muy grupo de actores que lo llevan adelante con talento. Todo atravesado por un ingrediente necesario para el género, el humor, que va desde la confusión hasta la necesidad de resolver con una salida inesperada. Desde allí la crítica feroz a la medicina, a los resortes de la inseguridad, a la falsedad de principios, y en un acto metateatral, al oficio de actor.

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz, Luna Teatral

https://lunateatral2.wordpress.com/2017/02/24/clara-de-sofia-wilhelmi/



Llena de humor, la obra descoloca al público constantemente, es un espejo del mundo, con sus excentricidades, lo absurdo y lo paradójico. Clara se caracteriza por lo inesperado y lo impensable, pero entre risas y macetas que se rompen, surge la pregunta: ¿cuánto estás dispuesto a hacer en nombre del amor?

Nuria Gomez Belart



https://www.nuriagomezbelart.com/single-post/2017/02/28/Clara



Todo por ella

Los cinco personajes en escena, están muy bien interpretados. Los noventa minutos que dura la obra, mantienen al espectador en vilo, ya que no es predecible el camino que van tomando los personajes en la historia. Desde el humor la obra toca temas sensibles culturales, por un lado el momento histórico en donde está situada la historia (época de corralito) hasta el tema de la homosexualidad y la discriminación.

Merceces Selmi, Espectáculos de Acá



http://www.espectaculosdeaca.com.ar/clara-2/







Laura Cymer recomienda Clara en el sitio de Marcela Coronel


https://www.youtube.com/watch?v=NcuI-K5KxgU




Desopilante obra de y dirigida por Sofía Wilhelmi. Felicitaciones para todos los actores


Edda Díaz




Clara entrega la sospecha de una fatal reiteración del tiempo argentino. La obra, ambientada en 2001, es una contra-odisea del eterno retorno que conviene ver en este 2017 porque despuntan las mismas cerrazones, la misma presión retrógrada del ambiente. Sí, hay que verla, reírse a carcajadas y después preguntarse si solo somos capaces de repetir lo peor.


Vicente Muleiro




Excelente. Muy buenas actuaciones, dramaturgia y dirección. Si está ubicada en el 2001, también puede ser ahora. Pudimos reírnos a pesar de lo dramático de la situación. Y no faltaban condimientos teatrales, teatro dentro del teatro (el imperturbable aspirante a actor recitando Hamlet y Macbet), los gags como Los tres chiflados (siempre rompen una vasija en la cabeza de un otro).

Marita Foix




Temblar, dudar, asustarse y conmoverse en vivo


El thriller es la nueva estrella de las artes escénicas; cada vez más creativos lo abordan, con el beneplácito de los espectadores, que optan por entretenerse y pensar con el suspenso.

Nota de Jazmín Carbonell, La Nación

http://www.lanacion.com.ar/1989005-temblar-dudar-asustarse-y-conmoverse-en-vivo




Sobre Sofía Wilhelmi

Nació en 1983 en Lima, Perú. En 1986 se radica en Buenos Aires. Egresada del Conservatorio Nacional. Actriz, directora, escenógrafa y dramaturga.

En 2013 estrenó, con el apoyo de La Bienal de Arte Joven de Bs As, Baby Call, que fue programada en el Festival de Rafaela y formo parte de los programas Formación de Espectadores y Carrusel.

Fue nominada como revelación femenina a los premios Trinidad Guevara 2015.

En 2014 fue becada para representar a la Argentina en el Foro Internacional del Theatertreffen en Berlín. Al año siguiente fue nuevamente becada para realizar una pasantía en la Schauspielhaus Hamburg.

En 2016 estrenó: Un nuevo continente, de su propia autoría; Toda la verdad sobre la vida y la muerte de Kurt Cobain, del autor rumano Peca Stefan, dentro del Festival de Dramaturgia E+A; y Clara, también de su propia autoría